tag:blogger.com,1999:blog-11767441879654064132024-02-07T17:41:46.499-04:00Arte Dramático.Arte escénico: (Teatro, cine...)Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/00044771792825938351noreply@blogger.comBlogger82125tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-42377452097000428472018-10-10T10:01:00.002-04:002018-10-10T10:02:44.624-04:00El cuchillo de Juan Bosch<br />
<div class="MsoNormal">
<span style="background: white; color: black; font-variant: small-caps;">Afuera se come</span><span style="background: white; color: black;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> la luz el paisaje; aquí dentro está el hombre y la
soledad le come el pecho.</span></span><span style="color: black; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Por las lomas
va subiendo el hacha y clarea el monte; se empinan, todavía, algunos troncos
sobre el agua; pero el hacha sobra en la tierra llana y sobra también el sol.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El hombre
está solo aquí dentro; es como si no mirara su mirada. Sin embargo, igual que
el frijol recién nacido apunta la esperanza, y los ojos se le van.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Cuando el
becerro está enfermo, con gusanos, se le sigue la huella y se hace la cruz; si
el gusano está en el pecho no basta la cruz.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> En el monte
es otro el hombre: los caminos reales hacen daño. El bohío está a la vera del
camino real como si tuviera miedo al monte. El perro ya no ladra cuando el
hombre entra: alza la mirada, el hocico pegado en tierra, mueve lentamente el
rabo. El hombre sabe que ahora nadie le espera: desde la puerta hasta el patio,
un silencio hosco. Sólo habla la luz, de noche, cuando hay quemas en la loma.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> En la tierra
parda de la vereda borra el viento las huellas porque no llueve; pero la huella
que se hizo en lodo endurece al sol y queda ahí, pétrea y áspera. Por eso es
bueno el monte: el pie no halla relieves; se trabaja, no se suda y se canta. La
voz se mece de rama en rama, de rama en rama; la tierra es fresca y hay sombra
siempre.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El hombre no
debiera ir al bohío para no recordarla y para no ver los ojos húmedos del perro
que ya no saluda, como si temiera hacer daño.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Nada; no dejó
un solo objeto suyo: ni la raíz del cachimbo, ni el peine, ni el pañuelo viejo
de madrás que se amarraba a la cabeza.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El hombre es
ahora otro: nunca creyó que la mujer pudiera irse así, para siempre. Él pensó
que la mujer debía vivir y morir en el bohío de su marido.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Más allá del
mes supo con quién: Saro. Ignoraba dónde estaban, pero probablemente no era
cerca.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Pero de eso
han pasado ya más de quince menguantes y de quince crecientes. Olvidó uno las
veces que bajó hinchado el río; las que llenó y secó el maíz; las que se
esponjó la tierra a la Luna llena. Por tiempos se ahogaba el bohío en la lluvia
y en semanas enteras se achicharraba el sol.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El hombre
tenía lista su carga. Las tardes anteriores estuvo caminando por los bohíos
lejanos, los más cercanos sin embargo, en busca de encargos. La comadre Eulogia
le pidió un “túnico” y un acordeón de boca para el muchacho; don Negro, “fuerte
azul” de pantalones.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> A la luz
verde de la menguante, poco antes del amanecer, cargó la bestia. Allá, atrás y
distante, la mancha oscura y recia de la loma…</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Ladró el
perro, con la cabeza alta, como quien tira mordiscos al cielo manchado de
estrellas; el hombre hizo restallar el fuete y dijo:</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> —¡Vamos,
animal!</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Y la loma, el
bohío, el camino, el perro, y la sombra que la menguante alargaba sobre el
polvo pardo: todo se fue alejando, alejando. Hasta que la subida deshizo el
hombre, la bestia, el fuete…</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Así iba el
hombre bajo el sol: meciéndose sobre la carga de frijoles, encovados y altivos
los ojos, apretados los labios y los dientes. La mañana se iba haciendo dura
encima de su cabeza. Tenía una sed rabiosa que le secaba la boca y le hacía
estirar el pescuezo en busca del bohío acogedor.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Tuvo una
impresión rara, como de cosa que se nos alza en el pecho y nos ahoga. No quiso
saltar del animal, sino que lo acercó a la puerta. El bohío parecía recién hecho
y limpio. Saludó, fatigado. Aquella cosa en el pecho le hacía daño: era como si
se le escondiera la voz. Pidió agua. Vio el brazo de la mujer y adivinó el otro
ocupado en sostener el niño que gemía. Entonces, cuando bajó la cabeza para dar
las gracias, la vio. Aquello no duró más de un segundo. Oyó a la mujer gritar y
la vio cubrirse la cara con la mano que un momento antes sostuviera el jarro de
hojalata. Le pareció que enloquecía, él, él mismo; que debía tirarse y
ahogarla. Pero el caballo echó a andar. Ahí estaba el camino largo, silencioso,
soleado.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El comprador
le engañó con un cajón de frijoles, pero él no quiso protestar ni dejarlo
entender. Tenía un pensamiento, no por vago menos tenaz: Saro. Porque era
indudable que Saro estaba en el bohío, o en el conuco; que no debía hallarse
distante. Compró el “fuerte azul” del viejo Negro, el “túnico” y el acordeón de
su comadre Eulogia. Quiso irse cuando el comprador le puso en las manos el
dinero sobrante; pero estaba allí, en el parador, una cosa que le sujetaba, le
clavaba: el cuchillo nuevecito, de mango oscuro redondo, con adornos en latón.
Gravemente, como quien ha estado mucho tiempo sin hablar, preguntó:</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> —¿Cuánto vale
ese cuchillo?</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El comprador
le miró la mano tosca, en la que se dormía todavía el dinero sobrante.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> —Lo que tiene
ahí —dijo.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El hombre
pensaba que Saro le había hecho mucho daño: estaba, allá lejos, el bohío vacío,
perdido en aquel silencio hosco y asfixiante; el perro era un compañero que
daba más dolor; tenía que trabajar mucho durante el día para dormir después
solo, en brava soledad.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> —Páselo —dijo.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El camino
parecía una soga larga enredada en las patas del caballo. El hombre no pensaba:
iba sereno, con serenidad amarga; pero sabía bien qué haría. Después… ¡Qué
contra! ¡Para los hombres de verdad se había hecho la cárcel!</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Pero el
hombre sintió un vértigo cuando vio el bohío: quería no fallar. Ojeó los
alrededores: a ambos lados del camino estaba el monte acogedor, donde meterse
para siempre. El camino, sin él, seguiría igual: largo, silencioso, cansado.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> —¡Saludooo!
—roncó la puerta.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Entonces el
niño lloró adentro y le molestó al hombre oírlo llorar.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> —Lo voy a
dejar huérfano —pensó.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Pero cuando
Saro se asomó a la puerta él estaba sereno.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> —Vea —dijo
sin saber cómo—. En ese paquete hay un túnico pa’ su mujer y un acordeón pa’ el
muchacho. Eran de mi comadre Ulogia, pero…</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> Los ojos de
Saro se quedaron inmóviles, azorados.</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> El hombre,
desenredando ya con las patas del caballo la soga larga del camino, sentía en
la espalda una brisa cálida y lenta que le empujaba. Acarició al rato, con la
mano tosca, el mango del cuchillo y pensó:</span></span><br style="-webkit-text-stroke-width: 0px; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;" />
<span style="background: white;"><span style="-webkit-text-stroke-width: 0px; float: none; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; orphans: 2; text-align: -webkit-left; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; widows: 2; word-spacing: 0px;"> —Me servirá
pa’ trabajar…</span></span></span><span style="mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<br />Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-40418098978271380942017-10-19T13:21:00.000-04:002017-10-19T13:21:21.514-04:00Stanislavsky y la interpretación.<div align="center" class="MsoTitle" style="text-align: center;">
<b><span style="font-size: 18.0pt; mso-bidi-font-size: 28.0pt; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">Stanislavsky y la interpretación.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">La revolución más profunda en la
expresión teatral, que además fundó escuela perdurable, fue la teoría de un
actor y director de escena ruso: <b>Constantin
Stanislavsky</b> (1863-1938), fundador del </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://theatrefutures.org.uk/stanislavski-centre/wp-content/blogs.dir/11/files/2015/11/stanlaughingtwo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="http://theatrefutures.org.uk/stanislavski-centre/wp-content/blogs.dir/11/files/2015/11/stanlaughingtwo.jpg" data-original-height="476" data-original-width="476" height="320" width="320" /></a></div>
Teatro del Arte de Moscú. De su
escuela salieron importantes actores y directores de escena que convirtieron a
Moscú en la capital de la experimentación teatral europea. A su teoría y
práctica de la interpretación se le ha llamado el Método Stanislavsky, y
comprende una idea diferente a la que estaba en vigor hasta el momento y un
método de entrenamiento del actor completo de actuación realista. Su Método
impone una seria disciplina para los actores, que se basa en técnicas
psicológicas y miméticas, y en la concepción de los actores, no como
individualidades, sino como conjunto, compañía o grupo. Se basa en una serie de
presupuestos que el actor debe trabajar constantemente en los ensayos,
avanzando hacia la construcción de su personaje:<o:p></o:p><br />
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><br />
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="color: #1d2129; font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">Las circunstancias previas.</span></b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"> ¿Qué ha pasado antes de que el personaje entre en
escena? Esta información la proporciona el dramaturgo y el actor debe
profundizar en el análsis del texto para conformar la mayor cantidad de
referencias que rodean al personaje.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="color: #1d2129; font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">El objetivo/superobjetivo</span></b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">. Definen cual es la meta del personaje en cada
escena por medio del establecimiento de verbos de acción. Saber qué objetivo se
tiene, mediante un verbo de acción, es la mas importante guía o fuerza
fundamental de la interpretación actoral. Está técnica va de la mano con
insistentes preguntas: ¿por qué el personaje hace tal cosa? ¿qué quiere el
personaje de este otro? La suma de los objetivos conduce al Superobjetivo, el
cual viene a ser la meta general del personaje en toda la obra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="color: #1d2129; font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">El mágico “si”.</span></b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"> ¿Qué
pasa si…? Es la pregunta hipotética que todo actor debe plantearse para buscar
su motivación interna. Hace que el actor se ponga en la situación del
personaje.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="color: #1d2129; font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">Relajación</span></b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">. Es
uno de los elementos fundamentales en el Método de Stanislavski. A través de
una serie de ejercicios de relajación, el actor debe lograr un estado de
completa libertad mental y física.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="color: #1d2129; font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">Concentración.</span></b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">
También conocida como “escucha activa”. El actor debe ver y escuchar todo en
escena como si nunca antes lo hubiera hecho.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="color: #1d2129; font-family: Symbol; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">Memoria emocional y afectiva</span></b><span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">. Se trata de un ejercicio muy delicado, que conecta
sucesos de la vida del actor con la situación del personaje, para lograr una
interpretación realista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b><span style="color: #1d2129; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">Lee Strasberg<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="color: #1d2129; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 10.5pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;">Una de las consecuencias de la
revolución creada por Stanislavsky en la interpretación fue el llamado Método
del “Actor’s Studio” de Nueva York, aplicación que realizó el gran actor,
director de escena y teórico del teatro Lee Strasberg. Fue la guía para una
generación de actores jóvenes comprometidos con un nuevo estilo experimental de
interpretar su arte, apoyado también por técnicas psicoanalíticas y en ciertas
técnicas orientales de concentración, de relajación, de orden casi místico. La
idea era situar el actor en el papel guiado por su interpretación emocional en
respuesta al carácter y a la situación, más que ser fiel al texto dado. Marlon
Brando y otros actores de gran importancia salieron de esta escuela, así como
posteriormente Al Pacino y De Niro.<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-88298529066748016272017-10-19T10:54:00.002-04:002017-10-19T10:54:20.572-04:00Glosario Historia del Teatro I<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none; text-align: center;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 20.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Glosario Historia del Teatro I<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Acción
dramática:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> existencia
de un hecho o conflicto entre los personajes que se resuelve mediante diálogos
y acciones físicas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Alegoría:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">representación de una idea o cosa
abstracta a través de otra que guarde con ella una relación real.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Aleluya:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">voz de júbilo usada por la Iglesia
especialmente en tiempo de Pascua.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Altar:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el culto católico, mesa de piedra
consagrada para celebrar la misa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ámito:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Vestidura blanca con una cruz en
medio que el sacerdote se pone alrededor del cuello y sobre la espalda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Anaxágoras:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Clazomene - 428 a.C.se instaló en Atenas. En la capital del Ática
fundó una escuela filosófica, consiguiendo una espectacular fama pero el
declive de Pericles motivó que el filósofo fuera acusado de impiedad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Árbol
de la vida:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Según la
Biblia, árbol del Paraíso cuyos frutos no les estaba permitido comer a los
hombres y a causa de los cuales fueron expulsados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Aristóteles:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Estagira 384 a.C. - Calcis 322
a.C. Está entre los filósofos más destacados de occidente. Conservamos una 50
obras y tratados de Aristóteles y algunos fragmentos, distinguiéndose cuatro
grandes grupos: Escritos de lógica (Metafísica, Sobre la interpretación,
Tópicos), Escritos de filosofía de la naturaleza (Sobre el alma, Sobre el
cielo, Lecciones de física), escritos de filosofía práctica (Etica a Nicómaco,
Etica a Eudemo, Política) y escritos de poesía (Poética y Retórica).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Atrio:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Patio interior rodeado de pórticos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Augusto:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Emperador romano, de nombre Octavio Augusto. Del 62 a C. al 14 d.
C. Fue uno de los grandes emperadores romano formando parte del segundo
triunvirato, fue el artífice de la época de mayor esplendor romana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Bastidor:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Armazón de listones de madera para
la decoración de escenarios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Bibbiena:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Fernando Galli (1659-1743),
conocido como Bibbiena, el primero en romper con la simetría tradicional de la
escenografía basada en bastidores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Bizancio:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Antigua colonia griega de Megara
fundada en el s. VII a.C. Se denomina también como Bizancio al imperio griego
medieval.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Calvario:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Escena en la que se representa la muerte de Cristo en la cruz.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Cervantes:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> (1547-1616) Escritor español. Autor de "Don Quijote de la
Mancha".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Círculo
de los Escipiones:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Reunía a
filósofos, historiadores, retores y poetas romanos, todos movidos por el mismo
deseo de difundir e integrar en la literatura latina las formas literarias
griegas<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Clámide:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">una capa corta que se cerraba con
una hebilla sobre la espalda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Cofradía:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Congregación que forman unos
cuantos devotos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Comedia-ballet:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Comedia que lleva número de mimo,
baile y canto, innecesarios desde el punto de vista del argumento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Comedia
dell'Arte: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Comedia
básicamente gestual y mímica basada en improvisaciones y movimientos de
personajes prototípicos como Arlequín, Pierrot, Polichinela, ...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Comedia
atelana: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La comedia
atelana era una comedia de costumbres que reflejaba la vida privada de las
clases acomodadas. En esta comedia burguesa la acción gira en torno a la vida y
costumbres de una serie de tipos fijos: el esclavo avispado, el viejo avaro, el
joven enamoradizo, soldados fanfarrones, cortesanas desenvueltas, doncellas
honestas, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Comedia
griega:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> tiene el
mismo origen que la tragedia, los grupos que danzaban se mofaban de los
espectadores, posteriormente aparecieron personajes que entablaban un diálogo y
entretenían por medio de sus burlas y chanzas. La comedia griega tuvo un
carácter cómico - grotesco y en ella se ridiculizaban las tendencias políticas,
religiosas, filosóficas y literarias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Comedia
palliata: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">comedia
latina de asunto griego. Recibía este nombre porque los actores se cubrían con
el "pallium" o manto griego. La fabula palliata tenía una estructura
formal tomada de sus modelos griegos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Comedia
togata: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">comedia sobre
temas y personajes romanos. Los actores vestían la toga romana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Compañia
del Santo Sacramento:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Sociedad de
signo secreto con un gran poder político cuyas ideas eran muy puritanas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Concilio
de Trento: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En 1568
ocurre el concilio de Trento que es un intento, conseguido, de frenar la
libertad de creación y de expresión del renacimiento, en principio pretende
frenar las tesis de Lutero, pero se dictan estrictas normas de vigilancia de la
moral y surge la inquisición, imponiéndose la censura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Contaminatio:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Utilizar más de un original e
incluso en ocasiones más de un autor como modelo. Los autores romanos
utilizaron la forma griega para acentuar lo que en la comedia más se aproximaba
al gusto de los espectadores romanos: las situaciones equívocas, los dobles
sentidos, la parodia, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Corneille:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(1606-1684) Comediógrafo francés
caracterizado por su complejidad narrativa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Corrales
de comedia: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Casa, patio o
corral que se destinaba a las representaciones teatrales, sobre todo en la
España del XVII.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Coturnos:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Calzado con plataforma gruesa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Cristo:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El Mesías, para los cristianos el
hijo de Dios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Crónica:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Historia en la que se observa el orden de los tiempos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Descartes:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Filósofo y matemático francés
(1596-1650). Lo más destacado de su pensamiento es que la razón debe ser guía
en sus relaciones con el mundo y con Dios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Dionisos:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Dios de la fertilidad, que simboliza la fecundidad y la vida, se
le atribuye la introducción de la vid, sus fiestas eran de tipo excesivo y
orgiástico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ditirambo:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Era un coro cantado por unos cincuenta hombres o niños y dirigido
por un jefe. El contenido de los cánticos del Ditirambo era más lírico que
dramático.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Domingo
de Resurrección: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Último
domingo de la Semana Santa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Drama
satírico: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Se parece a
la tragedia tanto en su estructura formal como en su temática de carácter
mitológico. Pero se diferencia en la representación en la que se introduce la
danza y en que el coro esta compuesto por sátiros, conducidos por Sileno.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Égloga:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Poema en el que pastores dialogan
acerca de sus afectos y de la vida campestre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Eleuteras:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ciudad griega de la antigüedad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Encarnación:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Unión de la naturaleza divina y
humana en la persona del hijo de Dios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Esquilo:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(524-455 a.C.) Poeta trágico
griego.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Etruria:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Zona actualmente de Italia que
comprende las regiones de Toscana y Umbría y que fue la cuna de los etruscos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Eurípides:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El poeta trágico griego Eurípides
(480-406 a.C.) fue la primera persona conocida en denunciar la esclavitud.
Autor de dramas teatrales, Eurípides fue considerado como "el más trágico
de los poetas" por Aristóteles. El público ateniense no comprendió sus
dramas y quizás por eso, hacia el final de su vida se trasladó a Macedonia, a
la corte del rey Arquelao, donde fue bien recibido y donde, según la tradición,
fue devorado por unos perros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Exarconte
o corifeo:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Jefe del
Ditirambo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Fábula:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Composición breve cuyos personajes
son por lo común animales, que trata de encerrar una enseñanza. Se relaciona
con el poema épico, la novela, el cuento y con el teatro, puesto que utiliza
sus mismos recursos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Fales:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Deidad griega que representa al falo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Feudalismo:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Sistema de normas que se establecían entre señores y vasallos en
la Edad Media, hasta el XVIII.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Fiestas
dionisíacas: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tenían lugar
tres veces al año: en primavera que estaban las grandes dionisicas o de la
ciudad de Atenas, estas duraban 6 días y en ellas se celebraban tres concursos
dramáticos a los que se presentaban los grandes autores. En enero tenemos las
Leneas, que duraban cuarto días y no tenían concurso de Ditirambos y en diciembre
las rurales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Flauta
Mágica, La: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ópera con
música de W.A.Mozart y libreto de Schikaneder, estrenada en Viena en 1791.
Consta de dos actos con algunos diálogos hablados. Trama fantástica y
simbología masónica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Himatión:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Manto griego suelto que se suele llevar por encima de la ropa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Homero:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Siglo IX a.C. - Siglo VIII a.C.
Homero es el literato más famoso de la época arcaica, considerado el autor de
dos de las obras más importantes de la Literatura Universal: la Iliada y la
Odisea.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Honra:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Estima y respeto de la dignidad propia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Humanismo:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Postura filosófica que coloca al
hombre y los valores humanos por encima de los demás valores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ilustración:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Movimiento cultural, característico del siglo XVIII, que propugna
la aplicación de la razón en todos los órdenes de la vida.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Interludio:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Fragmento musical que une dos
actos de una ópera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Jansenitas:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Congregación religiosa derivada
del cristianismo. Creían en la predestinación del hombre al cielo o al
infierno, por ello debían evitar toda ocasión de pecado, en especial una de las
más funestas: el teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Jodelle,
Étienne: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(1532-1573)
Poeta y autor dramático francés. Obras: Cleopatra cautiva, El encuentro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Jones,
Iñigo: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(1573-1652)
Arquitecto inglés. Intendente de los edificios reales despues de haber sido
decorador de las fiestas de la corte, viajó a Italia en 1613 e introdujo el
estilo de Palladio en la arquitectura inglesa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Juglar:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">un hombre espectáculo que
recitaba, cantaba y bailaba, terminó, al unirse con otros juglares,
representando e improvisando pequeñas piezas<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Larivey,
Pierre de: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(1540-1619)
Dramaturgo francés. Su teatro contribuyo al desarrollo en Francia de la comedia
de intriga y supuso el punto de partida del teatro de Molière.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Lengua
romance: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Lengua que
surge como una derivación del latín.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Lírico:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Lo que es propio de la poesía o
del canto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Livio
Andrónico: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Se trata de
un griego trasladado a Roma a la edad de 8 de años, como esclavo. Su dueño fue
Livio Salinator, jefe de los decemviros, que lo crió como preceptor para sus
hijos y que por encargo suyo escribiría y recitaría el primer poema recitado en
unos juegos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Loa:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Discurso o prólogo que se da antes de la representación teatral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ludi
circenses: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los ludi
circenses son anteriores a los juegos escénicos y ofrecen carreras de caballos,
combates de animales y exhibiciones atléticas. Sólo, avanzado el imperio,
asistiremos a combates de gladiadores y al martirio de los cristianos en la
arena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ludi
escaenici: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los ludi
scaenici son los juegos escénicos en los que se desarrolla el teatro romano y
el mimo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Luis
XV: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Rey de Francia (1715-1774). Hasta
la muerte del cardenal Fleury, en quien delegaba, las finanzas del imperio se
mantuvieron pero después surgió una fuerte oposición parlamentaria. El estado
se agravó por sus relaciones con Mme. Pompadour y Mme. Du Barry. El imperio
colonial francés acabó por desmembrarse.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Lutero:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> (1483-1546) Reformador alemán en cuyas tesis concedía autoridad
solo a la Biblia. Opinaba que la Iglesia es una institución humana y que no
caben mediadores entre Dios y el hombre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Mansiones:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> En el teatro medieval espacios escénicos independientes creados
sobre carros o sobre tablados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Marco
Antonio:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> General
romano 83-30 a. J.C. Formó parte del segundo triunvirato junto con Octavio y
Lépido. Se le otorgó la parte romana occidental y seducido por Cleopatra,
abandonaría a su esposa Octavia, hermana de Octavio. Octavio le declararía la
guerra, venciéndole en Accio. Se suicidó durante el sitio de Alejandría.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Marlowe:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(1564-1593) Dramaturgo y poeta,
Marlowe está considerado como el primer gran autor de teatro inglés y el más
importante del periodo isabelino a pesar de que sólo se dedicó al teatro por
espacio de seis años, siendo sus primeras obras, básicamente comedias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Menandro:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Fue el que más destacó de los representantes de la llamada
comedia nueva. Hizo del amor su tema principal. La única obra completa que nos
ha llegado es el Atrabiliario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Miller
, Arthur:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Nació en
1915 y es autor de obras tan conocidas como "La muerte de un
viajante" o "Las brujas de Salem" siendo uno de los autores
norteamericanos de mayor prestigio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Mimo:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El mimo es una representación en
la que el actor se vale exclusivamente de gestos y acciones corporales. En la
época romana el mimo se caracteriza por su representación de costumbres sobre
la base de personajes estereotipados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Moliere:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(1622-1673) Es considerado como
uno de los grandes comediógrafos del teatro francés. Sus obras se caracterizan
por una pintura de costumbres y caracteres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Nevio:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Poeta latino 270 a. C a 201 a. C.
Se le considera el creador de la tragedia con tema totalmente romano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Obertura:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pieza instrumental compuesta para
servir de introducción a una obra de amplias dimensiones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pallium:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Vestidura a modo de manto que se
usaba en la época griega generalmente sobre la túnica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pantomima:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> La pantomima surge por evolución del mimo, tiene sus mismas
características (ver mimo)pero puede tener tema de comedia o de tragedia y los
actores actúan sin utilizar la palabra<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Perspectiva:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Arte de representar en una
superficie los objetos tal como aparecen a la vista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pirandello
Luigi:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> (1867- 1936)
Es uno de los comediógrafos más representativos del siglo XX. Sus obras son,
después de las de Shakespeare, las más representadas en el mundo. Su obra más
importante es "Seis Personajes en busca de autor".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Platón:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Del 427 al 347 antes de Cristo ,
filósofo griego nacido en Atenas, discípulo de Sócrates y fundó la Akademia,
escuela de filosofía en la que se intuirían muchos de los filósofos y sabios de
la época.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Plauto:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Nació en 254-51 a.C. en Sarsina
(Umbría). Se estableció en Roma en donde escribe comedias, dominando el griego
y el latín. Se distingue por el uso fino del métrica y la música que emplea.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pórtico:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Lugar cubierto y con columnas
construido delante de los templos u otros edificios suntuosos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Profano
o laico: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Que no es
sagrado ni sirve a usos sagrados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Quitón:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">un ropaje largo hasta los pies,
apretado por un cinturón a la altura del pecho.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Racine:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(1639-1699) Es el poeta trágico
por excelencia de la Francia del XVII. Sus obras se caracterizan por la
sencillez y el rigor histórico, siempre dentro de las reglas aristotélicas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Reforma:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Movimiento religioso del siglo XVI
por el que gran parte de Europa abandonó la obediencia al Papa, y que dió lugar
a la formación de las Iglesias protestantes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Regla
de las tres unidades: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Creada por
Aristóteles dice que para que una obra teatral pueda ser comprendida de una
manera lógica por el espectador debe cumplir que toda la acción se desarrolle
en un mismo lugar, que haya una única línea argumental y que todo suceda en
tiempo limitado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Sátiro:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Ser mitológico mitad hombre mitad cabra, que acompañaba en grupo
en la mitología griega al dios Dionisos en sus fiestas formado parte de su
cortejo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Séneca:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> ( 4 a. de C. - 65 d. de C. ), filósofo latino, dramaturgo,
político y eminente escritor de la edad de plata de la literatura latina.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Sermón
jocoso: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">representación
teatral que parodia los sermones eclesiásticos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Shakespeare:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Poeta y dramaturgo inglés nació en
1642 y murió en 1692, es uno de los grandes genios del teatro de todos los
tiempos, entre su obras figuran Romeo y Julieta, Hamlet u Otelo. (Consultar el
teatro del s XVI-XVII)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Sócrates:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 470 a.C. - 399 a.C. Se le considera el fundador de la filosofía
antropológica, partiendo de la máxima "conócete a ti mismo". Siendo
consciente de la propia ignorancia, gracias a su método inductivo a través de
diálogos, intentará alcanzar una verdad universal que sea admitida por todos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Sófocles:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> (496 a 406 a.C. ) Autor teatral griego que introdujo en la escena
un tercer actor, relegó el coro a un segundo plano y perfeccionó la técnica
dramática.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Terencio:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Comediógrafo latino del 190 a C al 159 a. C. Fue comprado como
esclavo y educado por Terencio Lucano. Se caracteriza por no separarse en sus
obras del modo griego.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tespis:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Dramaturgo griego que modifica el
Ditirambo e introduce al primer actor con diálogo. Se le considera el padre de
la tragedia griega.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tiberio:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Roma 42 a.C. - Miseno 37. Su
gobierno está caracterizado por la contradicción, reflejo de su carácter.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tiempo
de negotium: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Literalmente
no-otium, tiempo que dedicaban los romanos a las dos labores fundamentales de
los hombres libres, la guerra y la política.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tiempo
de otium:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Periodo de
tiempo que los romanos dedicaban a labores de divertimento; fundamentalmente
estructuradas en los llamados ludi o juegos. (Ver ludi circenses y ludi
scaenici)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tito
Livio:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Historiador
romano, del 64 a.d. C. Al 17 d.C. Su obra fundamental es "Ad urbe condita
libri", que ocupa 142 libros y que retrata el modo de vivir y la historia
de la ciudad de Roma.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Toga:
</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pieza de tela única que se
enrollaba varias veces alrededor del cuerpo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tragedia
griega: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Nació en
Grecia a finales del siglo VI. La estructura de la tragedia se caracteriza por
la dualidad coro - personaje, fusionando lo lírico con lo dramático, a las
partes habladas se sucedía los cantos del coro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tragedia
senequiana: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Se denomina
así a aquella tragedia en la que aparecen muchos detalles violentos y de
sangre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tramoya:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Conjunto de la maquinaria usada en los teatros para realizar
cambios de decoración del escenario y efectos especiales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tropos:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Primeros diálogos teatrales de carácter religioso en el Medievo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Verdi,
Giuseppe: </span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(1813-1901)
Compositor con el que la ópera italiana llega a su máxima madurez. Sus obras
destacan por su sentido dramático y melódico: Nabucco, Rigoletto, La Traviata,
Aida, Otelo, ...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none; text-indent: 27.75pt;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Wagner,
Richard:</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> (1813-1883)
Compositor alemán. Nacido en un ambiente de gentes del teatro, la audición de
obras de Beethoven y Weber despertó a los 15 años su pasión por la música. Se
opuso a la estética de su tiempo proponiendo una síntesis de poesía, música y
danza: la obra de arte total. La voz y la orquesta se funden íntimamente,
logrando el máximo sentido armónico: Lohengrin, Tristán e Isolda, Los maestros
cantores de Nuremberg, El anillo del Nibelungo, Parsifal, ...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none; text-align: center;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">
<hr align="center" size="2" width="100%" />
</span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-44244079062105518072017-10-19T10:53:00.002-04:002017-10-19T10:53:30.609-04:00Nuevos caminos de la escena<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: x-large;">Nuevos caminos de la escena</span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 1. Nueva York, capital del teatro finisecular<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 2. Del texto al "happening"<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 3. The Living Theatre<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 4. The Open Theatre<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 5 Las revelaciones de Nancy<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 6. El "teatro pobre" de Jerzy Grotowski<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 7. El "espacio vacío" de Peter Brook<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 8. Últimos grandes creadores escénicos europeos<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 9. Sentido de la creación colectiva: Enrique Buenaventura<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 10. La situación de la escena española a finales del siglo XX<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 11. Viaje de oriente a occidente<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b> 12. Últimas tendencias<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><br /></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 64.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><b>Textos</b><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">1. NUEVA YORK, CAPITAL DEL TEATRO FINISECULAR</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Si a finales del siglo XIX distintas capitales europeas, en especial París, se habían convertido en focos de creación y de irradiación de las nuevas formas teatrales; en el siglo XX, a partir de los años 60, la atención se desplaza prioritariamente hacia los Estados Unidos de América, y sobre todo hacia la fascinante Nueva York.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Diversas circunstancias explican este fenómeno: el mito de la amistad y altruismo americano tras la Segunda Guerra Mundial; su predominio científico que crea una nueva era tecnológica; la eclosión de su economía, que convierte a sus habitantes en los nuevos ricos del universo; el empuje en diversos campos de expresión, particularmente en el cine; y el auge creciente de las galerías de arte, que dan el espaldarazo universal a los grandes pintores del mundo. El teatro, que contaba con el clima más propicio, no podía ser una excepción. Por otro lado, la facilidad de los viajes intercontinentales habían que un arte, considerado siempre de carácter nómada, no se resintiera de este desplazamiento de capitalidad. De hecho, los mejores grupos europeos habían saltado sin problemas el océano. Por contra, festivales como el de Nancy seleccionará sus espectáculos por todos los países del mundo. Esto hace que, hoy día, el arte teatral se presenta variado y enriquecido por las aportaciones más diversas. La inquietud presente se centra en la preservación de lo autóctono frente a la invasión de formas foráneas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En Estados Unidos, y en la década de los sesenta, a las causas antes citadas habría que añadir que el teatro se hace eco de la evolución del arte en todas sus variantes, sobre todo de la pintura -Como veremos enseguida-, e integra comportamientos humanos en los que caben todos los contrastes. Por otro lado, y a pesar de sus formas innovadoras, el teatro americano moderno no ha cerrado sus puertas al mundo, y menos aún a los movimientos europeos. Artaud, por ejemplo, se convierte en permanente ejercicio de reflexión para estas jóvenes vanguardias. Pero Artaud no lo era todo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">2. DEL TEXTO AL "HAPPENING"<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Artaud no logró en su día romper con el texto dramático. Hasta él, y hasta las vanguardias que nos ocupan, el proceso teatral venía siendo el siguiente:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">a) En el principio estaban el dramaturgo y su texto. Un texto intocable. No aceptarlo en su integridad, deformar su historia, variar sus intenciones, era calificado de mutilación, falta de coherencia o censura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">b) El director juzgaba las posibilidades de escenificación del texto y se convertía en su servidor. Los más radicales en este terreno sentenciarán: si un director no acepta el texto, que busque otro o escriba él el suyo; pero que deje tranquilos a los autores y a sus obras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">c) Una vez aceptado el texto, el director impondrá su interpretación del mismo a los actores y demás participantes del espectáculo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En los años 60, el reinado del director se intentó cambiar por la cooperación con los autores o la creación colectiva del espectáculo. El texto, que centra parte de las reflexiones de estos grupos, ya no parecerá intocable. A la vieja concepción se ofrecían nuevas alternativas:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">1. La más radical consistía en el rechazo del texto del autor. La parte hablada podía reducirse a unas cuartillas. Está claro que en tales casos se da mayor relieve al espectáculo y sus manifestaciones audio-visuales, en particular al lenguaje del cuerpo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">2. A partir de unas ideas y del trabajo de los miembros del grupo, no sólo de los actores, se podía crear un texto base. Otras veces, se invitaba a un dramaturgo a que asistiera a los ensayos, a que se integrara en la dinámica del colectivo y, finalmente, a que redactara el texto definitivo sobre el que trabajar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">3. La variante más moderada, y no del todo original, consistía en la adaptación de una obra dramática o narrativa por parte de un dramaturgo. En principio se proponía la actualización del texto primero, a fin de ahorrar cuanto en él hubiera envejecido, y poner de relieve una ideología concreta. Es una técnica que conocían bien Brecht y Artaud, entre otros. El problema de la adaptación es que, una vez fijada, se convierte en un nuevo texto de autor que puede desencadenar las mismas fidelidades o rechazos que la obra original.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El debate sobre el texto y su presentación implicaba a todos los que integraban el espectáculo, principalmente al actor. Se intentaba crear una nueva imagen del actor responsabilizado en la gestación del trabajo escénico, opuesta a la del actor enteramente sometido a las decisiones del director. Se empezaba a tener conciencia de colectivo teatral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Por las mismas razones, había que tener en cuenta al destinatario del acto teatral. Hasta entonces, el espectador había sido mero receptor; nunca partícipe. Todo para el público, pero sin el público. Brecht y Artaud, de nuevo, habían comprendido la necesidad de contar con el espectador; en definitiva, habían contemplado una cierta estética de la recepción.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Pero integrar al público en el espectáculo era tarea más compleja. Los mejores logros, en este sentido, parten del happening americano. Para que el espectador entrase en la obra, el emisor no debía Presentarla como un todo acabado. Si ya era así, ¿qué papel podía jugar aquél? Se pensó, entonces, que lo importante no era el resultado, sino su proceso. El happening derivaba de la action painting o pintura en acción. La alusión a Pollock es inevitable. Este colocaba por el suelo sus enormes lienzos, derramaba sobre ellos pintura y la extendía ayudándose de bastones que prolongaban sus brazos. Trabajaba con el ingenio y la espontaneidad del artista, con la posibilidad de poner siempre algo nuevo. No era preciso que el espectador asistiera a la gestación de la obra. El proceso parecía surgir del cuadro mismo. Más que la obra del artista, el espectador contemplaba su elaboración, la distribución de las manchas, cómo de éstas surgían las líneas, cómo se mezclaban los colores y tonos. Por sus formas y medidas, estos cuadros obligaban a adoptar distintos puntos de vista, perspectivas y enfoques. Pero lo más importante era que, como esta pintura se presenta inacabada -otros dirían que abierta, aunque se trate de dos nociones no coincidentes-, ello incitaba al espectador a continuarla, lo que suponía el modo más perfecto de participación. Y aún más: lo indefinido de la obra pictórica, su proceso y trabajo sobre el significante desprovisto de significado y de referentes previos, se oponía a toda una tradición milenaria anterior a estas vanguardias de corte surrealista. Estos cuadros liberaban el inconsciente del espectador, que proyectaba sobre ellos sus propias imágenes latentes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En el terreno de la música, John Cage intentaba igualmente cambiar los hábitos pasivos del oyente. Se cita su concierto de 1952, en el Woodstock, en el que David Tudor interpretó su pieza para piano titulada Silencio 4' 33". En traje de noche, el pianista permanecía sentado ante el piano los cuatro minutos y treinta y tres segundos que indica el título, limitándose a cerrar y abrir la tapa para marcar los movimientos de la composición, pero sin tocar una sola nota. La música estaba formada por la respiración -informa Jotterand- y las reacciones de los oyentes, los ruidos de la sala y de los coches que pasaban por la calle, la lluvia en el tejado, el viento en los árboles. Este acontecimiento podría recordar las famosas veladas dadaístas, aunque en éstas existía una clara intención de provocar, mientras que ahora todo parecía estar preparado con gran sinceridad y respeto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Por estas vías y otras parecidas el happening penetra en el teatro. El primero de ellos, propiamente escénico, fue obra del pintor Allan Kaprow. Tuvo lugar en 1959, en la Reuben Gallery, y se titulaba 18 happening in 6 parts. Según su autor, se distinguen tres fases: el ensamblaje o reunión de los materiales; los espacios que los envuelven, por los que el espectador puede andar, acostarse, arrastrarse o sentarse; y finalmente, el happening propiamente dicho, o fase en la que el artista introduce en aquel espacio una actividad que hace reaccionar al público. A distancia ya de estas experiencias, que en Europa podían intimidar o, por el contrario, ser recibidas con escepticismo, estos happening fueron positivos para el arte escénico, o bien por sí mismos o porque se integraron en espectáculos teatrales, parateatrales o semiteatrales. De esta manera se consiguió que la escena participase en las nuevas experiencias artísticas, dejando de ser un arte retrasado. Asimismo, cumplió el deseo artaudiano de la diversificación de los significantes teatrales en la conformación de un lenguaje específicamente dramático. Ello exigió del actor una serie de conocimientos y habilidades que se pudieron contemplar mucho tiempo después en bastantes grupos: mimo, danza, dominio de instrumentos musicales, etc. Jotterand resumió así el espíritu de esta moderna vanguardia, que designó zen y anarquista: "El happening suponía un esfuerzo confiado en poner al servicio de todos los hombres los recursos de la tecnología, haciéndolos conscientes por medio del arte -cine, danza, poesía, teatro, música-, de las riquezas cambiantes y múltiples de la existencia." La idea del happening inspiró al teatro el descubrimiento del espacio, una actitud nueva con respecto al público, en paralelo con los esfuerzos del Living Theatre y del Open Theatre que buscaban, a través de las teorías de Brecht y Artaud, y de las técnicas próximas a Cage, poner a punto la improvisación colectiva.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">3. THE LIVING THEATRE</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En estrecha deuda con el happening se encuentra el Living Theatre, sin duda el grupo americano que mayor influencia ha ejercido en los colectivos teatrales contemporáneos del mundo entero. El mérito de esta empresa se debió a Julian Beck y Judith Malina. Beck era un pintor reconocido y amigo de artistas y escritores; Malina conocía las teorías impartidas por Piscator en los Estados Unidos. El nombre del grupo proviene del lugar en donde empezaron a representar en 1946: el salón (o living) de la casa de ambos, en el West End Avenue de Nueva York. Allí realizaron sus primeras cuatro Producciones.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En su etapa inicial escogen textos de gran altura poética. Los aspectos formales del lenguaje son para ellos primordiales. El repertorio es elocuente: Gertrude Stein, García Lorca, Jarry, Cocteau y hasta Racine. De texto en texto descubren tres autores que les incitan a una mayor reflexión sobre el hecho escénico: Pirandello Brecht y, sobre todos ellos, Paul Goodman. Desde esta primera tentativa de teatro de autor, el Living quiere establecer sus modos propios de investigación, que lo distancian de las técnicas de más prestigio en los Estados Unidos de aquella época, como la del Actor's Studio de Strasberg. Joe Chaikin, que antes de fundar el Open Theatre fue actor del Living, resumió tal pensamiento: "Strasberg olvida lo esencial: el teatro no es una introspección individual y colectiva; es más bien un encuentro entre el actor y el espectador."<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En una fase posterior, con obras como The connection y The brig, los actores son entrenados con juegos aleatorios e improvisaciones. Judith Malina inventó unos ejercicios, que escribió en unas dos mil doscientas tarjetas, en donde anotaba actividades muy variadas sobre diversas escenificaciones. Estos ejercicios los alternaba con entrenamientos de yoga o experimentos de corte naturalista que obligaban a los actores a vivir en las condiciones de los personajes a lo largo de los ensayos de una obra.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En The brig (La prisión) introduce en su experiencia el contacto directo con la crueldad artaudiana. Se trata de un espectáculo terrorífico construido con técnicas del happening. La prisión fue también para el grupo una experiencia extrateatral. Sus ideas anarcopacifistas, sus reiteradas propuestas públicas contra el armamentismo, la represión racial o la guerra de Vietnam, sus tomas de posición a favor de la liberación sexual o de los drogadictos, convirtieron al Living -formado por unas cuarenta personas- en un grupo incómodo para los gobernantes americanos.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Todas estas circunstancias les empujaron a la que denominaron aventura europea, que iniciaron con una memorable producción llamada Mysteries and smaller pieces (1964). Esta representación debe también mucho a los happenings. No consta de historia propiamente dicha, sino de una serie de acciones distribuidas en nueve cuadros. En ellos, los actores descendían al espacio del espectador con varillas de incienso y, en distintos lugares de la sala, en extrañas posiciones, improvisaban de manera colectiva, desarrollaban ejercicios corporales en los que los movimientos obedecían rítmicamente al sonido, hacían largos silencios, cantaban salmodias o letanías que el público podía corear invitado por los actores. El teatro no era ya un pasatiempo, sino un compromiso.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En Frankenstein mostraban una construcción perfectamente compartimentada en forma de andamiaje. Mayor era la parcelación en paradise now, dividido en ocho secciones o habitaciones, que los espectadores tenían que recorrer guiados por los actores. Con ello se pretendía hacer un viaje por las distintas revoluciones sociales, culturales y sexuales, con un curioso empleo de la iluminación, que recorre el espectro solar, del negro al blanco.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En todas estas obras de su fase posterior, el texto apenas si llena unas cuartillas. La escenificación está hecha a base de ejercicios, a los que trasladan sus experiencias propias, las técnicas de los actions-painters y del happening. A la pintura moderna deben igualmente la transposición a la escena de las técnicas del collage y del ensamblaje. Es la técnica de Antígona, obra que enarbolaron contra la guerra del Vietnam, y que pasearon por el mundo entero hasta bien entrados los 80.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">4. THE OPEN THEATRE<o:p></o:p></span></b></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En 1963, dos destacados miembros del Living, Joe Chaikin y Peter Feldman, fundan un nuevo grupo en Nueva York: el Open Theatre. Chaikin advertía que mientras que al Living le interesaba primordialmente la protesta política, él prefería realizarse como actor. En él, como antes en Stanislavski y sus seguidores americanos, 'hay una convicción básica: el teatro está en el actor. Por ello, desde su adolescencia asiste a numerosos cursos de formación, manejando las enseñanzas de Mira Rostova y del Actor's Studio. "A diferencia -del cine, lo elemental en teatro es la presencia actual. Actuar es manifestar visiblemente partes de nosotros mismos sin separar nuestra mente de nuestras vísceras. Como artistas somos vehículos que posibilitan que las ideas se manifiesten formalmente a través de nuestras sensaciones [...] El artista que utiliza su arte para reclutar adictos a su ideología está actuando como un vendedor." Son pensamientos del propio Chaikin.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El Open Theatre contaba con autores como Jean-Claude van Ilie o Michael Smith, directores como Peter Feldman, actores, músicos y hasta críticos. Para el Open, la presencia de éstos últimos venía a significar el conocimiento teórico, algo así como el dramaturgo en su acepción alemana. En sus sesiones de trabajo y ensayo, intentaban integrar con gran libertad todos los lenguajes que puede recoger la escena, en un afán por superar al naturalismo, dando paso a un teatro acorde con la evolución del arte de nuestro tiempo, sin descartar el abstracto. Y todo ello, sin caer en hermetismos, ya que el artista nunca debe olvidarse del público.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En la formación del actor del Open también cuentan las sesiones de entrenamiento, a base de ejercicios ideados por el propio Chaikin o procedentes del método Stanislavski en su último periodo de superación del naturalismo. Una vez más, de la mano de Jotterand mostramos cómo se integran tales ejercicios en una escenificación del grupo, en Viet-rock:<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Tumbados, en círculo, en las losas de un gran rectángulo rodeado por el público en tres de sus lados, los actores, en vaqueros, se unen en una melopea -ejercicio del Coro. Se transforman en niños acunados por sus madres. Se les llama al ejército; ejercicios de entrenamiento, vuelos al Vietnam; los actores componen, con sonidos y movimientos, las distintas piezas de un helicóptero del que saltan soldados transformados en vietcongs y en yanquis cuestionados. Los cambios de los personajes son realizados de manera que la anécdota gestual no rompa nunca la línea emotiva. Cambios advertidos: víctimas que se convierten en verdugos, aldeanos en viejos, madres americanas en encantadoras geishas... Cuando mueren los actores, acribillados por sus propios aviones, los espectadores hemos vivido con ellos su destino desde los vagidos del nacimiento hasta la silenciosa rigidez de la muerte. Finalmente, los actores se levantan, se acercan a los espectadores, les tocan el pelo, los hombros, los pies... dándonos la impresión, como deseaba Chaikin, de haber compartido la experiencia de nuestra mortalidad.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En similar línea de investigación presentaron otras experiencias límite, como America Hurrah (1968), The serpent (1968) y Terminal (1970). Poco después, el grupo se disuelve por temor a la institucionalización, a la asimilación y por las diferencias ideológicas y estéticas entre sus componentes. Un final bastante común en grupo' americanos y europeos.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">5 LAS REVELACIONES DE NANCY<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El Festival Mundial de Nancy, que empezó siendo un Festival ~ Teatro Universitario, cambió pronto de giro para convertirse en el primer Festival de Teatro experimental del mundo. Los franceses supieron, como nadie, lanzar a la popularidad a grupos llegados de Asia, África, América... Nos detendremos en algunas nociones surgidas a partir de 1968. Durante estos años, el Festival adquiere un elevado nivel de concienciación política, consiguiente a las "revoluciones" de 1968, particularmente en Francia. Una nueva sensibilidad está surgiendo con una carga considerable de rebeldía y de crítica hacia las formas del Poder. Pero a Nancy, y a su director Jack Lang, les interesa aún más la calidad de las innovaciones escénicas. El Bread and Puppet, el primero de nuestros grupos seleccionados, aparece por Nancy precisamente en 1968.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">"Bread & Puppet"<o:p></o:p></span></b></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Aunque los modernos movimientos escénicos, tal y como estamos comprobando, se mueven en coordenadas cercanas a la pintura y la escultura, ninguno alcanza tanta dimensión plástica como el Bread and Puppet. Su propio mentor y creador no procede del mundo literario, sino del plástico. Peter Schumann era un escultor de vocación, que se dedicaba no poco a la danza. En 1961 encabeza un movimiento que, bajo el lema de "el teatro es como el pan, más que una necesidad", aporta una inusual estética para el mundo del teatro: la incorporación de la gran marioneta al escenario, marionetas de unos cinco metros de altura, manejadas por actores no necesariamente profesionales en perfecta y conjuntada armonía plástica. El hecho suponía una reacción contra el teatro literario, ya que sus .Muñecos vivientes" propiciaban justamente lo contrario: el teatro no narrativo o antinarrativo. Si bien es cierto que, la mayoría de las veces, el escenario era la propia calle, Schumann no hizo ascos a las reglas del juego que suponía el local cerrado al uso. Fuera o dentro, Bread and Puppet Theatre dejó atónitos a los espectadores americanos de los 60, y posteriormente a los europeos que habían visto tales innovaciones del grupo sólo en reportajes. También a éstos les fascinó Europa en sus giras, y más aún, encontraron en no pocos rincones -Italia sobre todo- medios culturales que favorecían mejor sus tareas de investigación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">La iconografía de matiz religioso era una de sus más señaladas características, tal y como podía verse en The Cry of the People for Meat o en The Domestic Resurrection Circus. The Stations of the Cross (1972) es una pasión moderna, pues trata de la vida de Cristo. En poco más de una hora de duración, y sin ningún diálogo -como era habitual en el grupo- se asistía a un verdadero Vía Crucis, con sus catorce estaciones o paradas. Era común la intervención de un coro que, tras el toque de campana, entonaba diversas salmodias. En 1981 presentaron en Nueva York versiones de obras tan conocidas como Voyzeck de Büchner, para después trabajar en Italia un tipo de producción más en consonancia con sus orígenes, aunque ya sin perder contacto con los elementos textuales.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El Teatro campesino<o:p></o:p></span></b></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El Teatro campesino de Méjico es revelado en Nancy en 1969. Presenta allí sus Actos, sketches, poblados de lazzi, en los que el humor se contagia de una amarga ironía. Sus personajes son reconocibles: el patrón, el huelguista, el embaucador, el "amarillo".<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El guía del grupo es Luís Valdés, que ha tenido sus contactos con Peter Schumann, y ha trabajado con la San Francisco Mime Troupe, en donde asimiló las técnicas de la Commedia dell'Arte. Al volver a Méjico y tomar conciencia de la realidad social de su país, piensa en cómo poner sus conocimientos teatrales al servicio de sus compatriotas explotados. Una larguísima huelga de trabajadores de la viña en el campo será el detonante. Habrá que mostrar un teatro elemental. Los espacios de la representación serán el campo y los lugares de los campesinos. Los comediantes serán también campesinos. Los medios serán rudimentarios: algunos accesorios, pancartas colgadas del cuello...<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Posteriormente, Valdés pasa a un teatro más elaborado: los corridos. Su origen se encuentra en el corrido mejicano: canto acompañado a la guitarra mientras otros bailan o miman la historia cantada. En los corridos nos encontramos con personajes como el diablo), la diablesa, la calavera. Los corridos cuentan historias de amor, de celos y de muerte. En el llamado Rosita Alvírez, la joven será asesinada por un señor al que no le permitió bailar con ella. ¿Por qué los diablos, las calaveras? Valdés cree que, aparte su teatralidad, estas figuraciones encarnan el mal que llevamos en nosotros mismos, y nos transportan a niveles más profundos de nuestro yo.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Finalmente, el Teatro Campesino trabajará sobre una forma más elaborada, el Mito. Para Valdés, el mito transgrede la lógica. El cano conecta sin dificultad con la religiosidad profunda de sus mitos. Evoca, como ejemplo revelador, el mito del fin del mundo, muy popular en Méjico.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Un chicano encuentra al ángel Gabriel, quien le dice que el mundo va a acabar. Tres distanciados toques de trompeta marcan este final. El primero significa el acabamiento de la vida cotidiana. Al chicano le ocurren cosas terribles: se drogan sus hijos, es violada su hija... El segundo toque nos abre a lo sobrenatural: demonios, muertos que visitan al chicano y se vengan de él. El tercero da paso al acabamiento cósmico. El chicano, y el mundo, se descomponen. La última escena nos presenta al chicano en su cama, rodeado por su familia. Fue una muerte normal. No hubo tal final del mundo.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Bob Wilson<o:p></o:p></span></b></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Ningún espectáculo, en toda la historia del Festival de Nancy produjo tanta expectativa como I a mirada del sordo, del americano Bob Wilson. ¿Cómo es la mirada de un sordomudo? ¿Cuál es su penetración? A Colette Godard le asombrará la presencia misma del actor, su impasividad, su mirar petrificado, hipnótico. No contaba el tiempo para esta mirada. En Nancy, el espectáculo duró siete horas y media. Durante ese tiempo, se asistía a un relato de gestos de gran lentitud, mientras de la memoria interior del personaje iban surgiendo las imágenes. Música lejana, procedente de los bastidores. Silencio. Unas notas de piano que parecen hipnotizar el tiempo. La rampa. Algunos proyectores y el humo que nos transporta a una claridad crepuscular, inestable, con variaciones imperceptibles. La maquinaria artesanal -poleas, raíles-, hace desfilar por los ojos del sordo, todo un mundo sonámbulo, poblado de recuerdos, entre ellos, inevitable, el de la nodriza negra, vestida de negro, que apuñala a un niño. La tensión, la lentitud de los gestos, convierten la mínima porción de este espectáculo en un momento ceremonial.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Ese es, en nuestra opinión, el secreto de Bob Wilson. Se trata descomponer las acciones y secuencias en todos y cada uno de sus pasos y movimientos menores, para teatralizarlos uno tras otro. Veamos cómo Stefan Brecht expone la secuencia de la mujer negra: "La mujer se vuelve. Lentamente se pone un guante negro. Lentamente echa la leche en uno de los vasos y se lo lleva al niño, con igual e increíble lentitud. Lo toma el niño, sin mirarla. Bebe Un poco. La mujer espera. Retorna el vaso. Lo deja en la mesa. La mujer coge el cuchillo. Lo limpia con gran lentitud. Se vuelve. Avanza. Vuelve al niño. Se inclina. El niño está leyendo de nuevo. Le clava el cuchillo en el corazón. Cae el niño al suelo. Ella guía su caída hasta el suelo con la mano izquierda. Vuelve a apuñalarlo. Lo apuñala deliberadísimamente en la espalda. Recoge el cuchillo. Vuelve a la mesa. Limpia el cuchillo."<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En realidad, Bob Wilson estaba partiendo de su propia historia. Hasta los diecisiete años había permanecido mudo. Una bailarina le demostró que su enfermedad tenía un origen psíquico. Al tercer mes de entrenamiento con ella, Bob recobró el habla. Otro día observó a un policía golpear a un niño negro por haber apedreado los cristales de una iglesia. El niño era sordomudo. Tras nueve meses de diligencias, Bob Wilson consigue sacarlo de la cárcel. Lo toma a su cuidado. Descubre que el niño había perdido el uso de la palabra al ver a una mujer negra apuñalar a un niño.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Quejío<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El grupo sevillano La Cuadra será invitado al Festival de Nancy en 1972. Presentó una obra de impacto,Quejío. El público quedó anonadado. Quejío remitía a un teatro ancestral, autóctono. La estructura de la obra era sencilla. Cantes flamencos, desgarradores, acompañados por el guitarrista, en escena, al tiempo que los bailaores, en impresionantes zapateados convulsionaban el ritmo hasta el total agotamiento. Todo ello, dentro de un clima medido, de gestos lentos, ceremoniales. El teatro de la crueldad encontraba aquí una confirmación a su medida.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El lanzamiento fue fulgurante. La obra fue contratada para diecisiete festivales internacionales y alcanzó cerca de las ochocientas representaciones en España y en países de Europa y América. Tras Quejío, vinieron otros estrenos, todos enraizados en Andalucía: Los palos, Herramientas, Andalucía amarga, Crónica de una muerte anunciada... con los que La Cuadra ha seguido dando pruebas de la eficacia de un método.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">6. EL "TEATRO POBRE" DE JERZY GROTOWSKI<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Aunque las aportaciones de las vanguardias americanas que hemos visto no se distinguen precisamente por el coste de las producciones, tampoco se puede negar un tono espectacular que sin duda les viene del medio en donde se desarrollan. En Europa, en cambio, una corriente modifica el viejo hábito naturalista, oponiéndose, además, al sistema de exhibición y organización al uso. Su marco de acción es muy limitado, propio del laboratorio de donde surge; su gestión, pura y simplemente la de una escuela de actores. Jerzy Grotowski (Rzessów, 1933) es una de las personalidades más destacadas del teatro contemporáneo, que ha aportado peculiares matices y evoluciones al método Stanislavski y a la épica brechtiana.<o:p></o:p></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Después de estudios escénicos en Cracovia y Moscú, establece en Wroclaw un Instituto de Investigación sobre el actor, formando una compañía con los propios alumnos del centro. Sus producciones (Caín de Byron, Fausto de Marlowe, Hamlet de Shakespeare, El príncipe constante de Calderón o Apocalipsis cum figuris, sobre textos de la Biblia) inciden sobre mitos próximos a una conciencia colectiva. Grotowski rompe con la forma tradicional de llegar al teatro. Piensa que éste, para el profesor, no es más que un buen lugar donde el actor declama un texto; para el espectador, una simple distracción, incluso para los que tienen aficiones culturales y se sienten ennoblecidos; para el escenógrafo, es un arte plástico al servicio del drama; para el actor, es él mismo; y para el director de escena, una forma de desahogar sus instintos políticos o artísticos. Su teoría surge precisamente de la negación de las categorías anteriormente definidas. Cree que el teatro puede existir sin vestuario, decorado, luminotecnia, incluso sin texto; como nunca lo imagina es sin actores y espectadores. El actor justifica la idea fundamental de su propuesta: le pide que testimonie, que comunique su vida interior. Debe descubrir sus posibilidades de gesto y voz. Para expresarse, estudia un lenguaje de signos. De esta forma, el actor siempre es creador en la escena. "El primer deber del actor es entender bien el hecho de que aquí nadie pretende darle nada; al contrario, se procurará sacar de él lo más posible, librándole de algo que está normalmente muy arraigado: su resistencia y reticencia, su inclinación a esconderse tras unas máscaras, su tibieza, los obstáculos que su cuerpo coloca en el camino del acto creador, sus hábitos e incluso sus habituales buenas maneras", dice en una de sus Declaraciones de Principios.<o:p></o:p></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Posteriormente a esta teorización, que resume en su obra Hacia un teatro pobre, y tras ofrecer varias versiones de sus más famosas creaciones, se dedicó por completo a impartir seminarios por toda Europa y América, fijando su residencia en Estados Unidos.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">7. EL "ESPACIO VACÍO" DE PETER BROOK<o:p></o:p></span></b></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Entre los creadores más notables del teatro de finales del siglo XX figura por derecho propio el inglés Peter Brook (n. 1925), autor de cuatro interesantes ensayos que se publicaron conjuntamente con el nombre de El espacio vacío (1968), penetrante análisis sobre problemas del teatro actual. A Brook se le ha acusado de eclecticismo, de acaparar todas las tendencias, algunas de ellas incluso opuestas, de intentar satisfacer a los más diversos públicos. Frente a ello cabe responder que en la historia del teatro pocos creadores han mantenido toda su vida un mismo estilo de trabajo. Brook ha mostrado un cambio continuo en sus montajes, bajo el parecer de un saludable inconformismo. También ha sabido auscultar la sensibilidad teatral, al tiempo que ha tenido el ingenio, atrevimiento y buen gusto necesarios para saber investigar dentro de unas fórmulas concretas. Todo ello dejando, en muchos casos, que el propio texto impusiera la forma escénica.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Brook se inicia como director en 1945, dentro de la más clásica tradición inglesa, destacando particularmente por sus montajes sobre textos de Shakespeare, en la Royal Shakespeare Company, donde dirige a actores de la talla de Olivier, Gielgud y Scofield. Posteriormente evolucionó hacia formas de vanguardia, encontrándose en su camino con el teatro de la crueldad artaudiano, en colisión con sus teóricos planteamientos brechtianos. Quizá entonces es cuando da con sus más espectaculares montajes, como Marat-Sade de Peter Weiss (1964), Los biombos de Jean Genet (1964) y Sueño de una noche de verano (1970), en el que combina la magia y el circo con el teatro de muñecos y el music-hall.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">No hay en Brook una verdadera inclinación hacia el teatro colectivo, aunque efectúe esporádicas experiencias con grupos, rompiendo tradicionales relaciones de sumisión entre maestro y alumnos. Su etapa en la Gare du Nord de París le lleva a un trabajo en equipo que le transporta a muy diferentes culturas orientales, en las que últimamente investiga con no poca fortuna. Inició dicha trayectoria con un trabajo sobre mitos en lejanos pueblos saharianos (La conferencia de los pájaros, 1979), y ha llegado a su punto culminante con el Mahabharata (1985), una religiosa y épica narración<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">8. ÚLTIMOS GRANDES CREADORES ESCÉNICOS EUROPEOS</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Que los últimos grandes creadores del teatro finisecular son directores de escena es algo que pocos discuten. Un periodo iniciado por la aparición de los pioneros de la mise en scène –como Antoine o Stanislavski- va a concluir con el mantenimiento de unos nombres emblemáticos para la actual historia del teatro. Destacamos, entre ellos, los que, en nuestra opinión, son más significativos, Tadeusz Kantor y Giorgio Strehler, junto a la cita obligada de una importante pléyade de creadores, a la cabeza de los cuales situaremos a Jean-Louis Barrault, Luca Ronconi, Roger Planchon y Víctor García.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Tadeusz Kantor<o:p></o:p></span></b></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">TADEUSZ KANTOR (n. 1915) procede de la pintura, como otros tantos directores contemporáneos. Iniciado en la práctica del happening, no se distingue precisamente por tal tendencia. Sus raíces están en la tradición polaca, en el choque entre el mundo cristiano y el judío y en la historia reciente de su país, combinando muy diversos procedimientos. Kantor toma partido por ese inconsciente colectivo que forma el pueblo polaco, con su dolor y ironía, así como con la estética que lo manifiesta. Sus componentes culturales pueden calificarse de vanguardistas, pues se complace con las tendencias irracionales simbolistas y fantásticas. Le fascina Maeterlink, Hoffmann, Kafka, así como los polacos Wyspiansky, Gombrowicz, Schulz y Witkiewicz. Pero lo sorprendente es que su mirada interior, y su posterior plasmación en la escena, acercarán éstas y otras muchas opciones a un realismo pleno y convincente.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Tras un periodo como escenógrafo, en 1953 funda el grupo Cricot-2, en el que elabora sus más famosos espectáculos (sobre todo con las obras de Witkiewicz, El calamar, 1955, El armario, 1966, y La gallina de agua, 1968). En ellos hay algo extraño y difícil de expresar, que se adueña del público despertando el inconsciente, a la vez que lo sacude al compás del ritmo escénico de sus figuras hieráticas que parecen doblar el yo oculto en la rigidez obsesiva del maniquí. Al intentar expresar de este modo su arte profundo surgen los más importantes trabajos de Kantor, La clase muerta (1975) y Wielopole, Wielopole (1980). La primera sobre todo es una muestra del último y más avanzado estilo que logra el director polaco; es lo que él llama "el teatro de la muerte", plenamente manifestado con su presencia continua en el escenario, como patético testimonio de la fugacidad de la creación teatral.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Para Kantor, el texto y su autor son compañeros inseparables de viaje. Sobre el texto se han de crear las situaciones y acciones, que dependerán, en cada obra y en cada momento, del grado que "ha alcanzado mi conciencia artística". Una conciencia para la que el arte, y particularmente el arte dramático, es vida, no imitación de la vida. Como en Artaud y en los happening, lo importante no es la obra, sino su proceso, su creación.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">No es la obra-producto<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">lo que importa<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">no es su aspecto<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">"eterno" e inmutable<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">sino la acción misma de crear.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Otros directores<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">La figura de Giorgio Strehler (n. 1921) es inseparable de sus montajes en el Piccolo Teatro de Milano fundado en 1947, una de las instituciones de mayor renombre en la segunda mitad del siglo XX. Ensalzado por unos, otros discutirán sus puestas en escena, particularmente los montajes de Brecht, tachados de ilusionistas. Llega a ellos y a la influencia del Berliner Ensemble después de una amplia enseñanza en la puesta en escena tradicional. Además de investigar en aquella dramaturgia, y dejar una serie de propuestas definitivas, sobre todo con textos de Shakespeare, pone su mirada en la escena italiana, consiguiendo montajes modélicos inspirados en formas plásticas del pasado. Arlequín servidor de dos amos de Goldoni, es un espectáculo que ha ido reponiendo en sucesivas ocasiones, desde 1947, y que marca su conexión con la tradición teatral italiana, en donde se sitúa la utilización de la máscara y del movimiento escénico propios de la commedia dell'arte. El gusto de Strehler por el siglo XVIII se manifiesta en sus montajes de óperas de Mozart y la puesta en escena de piezas de Puccini y Cimarosa.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El también italiano Luca Ronconi (n. 1933) pasará a la historia por su espectacular escenificación del poema de Ariosto Orlando furioso (1968). Teatro múltiple, de cierta inspiración medieval, sincrónico, inabarcable por el espectador, que puede y debe situarse en medio del espacio escénico, en el que mezcla la fiesta, el circo, la feria y la liturgia. Su sentido del espectáculo lo ha llevado a poner en escena varias óperas de Wagner y Gluck.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En el terreno de la moderna dirección escénica francesa, destacan los nombres de Jean-Marie Serreau (1915-1973), que antes de 1950 había adaptado a Kafka, con lo que su llegada al absurdo fue inmediata; Jean Louis Barrault (n. 1910), que había comenzado su aprendizaje junto a Artaud, para convertirse en uno de los grandes creadores de la posguerra; Roger Planchon (n. 1931), que se reveló con su montaje sobre la Revolución Francesa, Bleus, blancs, rouges (1970); idéntico tema descubrió a Ariane Mnouchkine (n. 1934) y su "Théátre du Soleil", con 1789 (1970), montaje que usa las aportaciones de Ronconi mediante números de fiesta popular, circo, mítines, asambleas, etc., siempre con el público alrededor de multitud de escenarios. Otros directores destacables son los franceses Patrice Chereau (con un espectacular Peer Gynt, de siete horas de duración) y Antonie Vitez; los argentinos, residentes en París, Víctor García y Jorge Lavelli.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En Víctor García, director de inusitada originalidad, todo parece surgir de una idea maestra sugerida por su peculiar lectura del texto dramático. Esa idea se le convierte en imagen visual, dando origen a una concepción escenográfica sorprendente. Concebida la escenografía, ésta condicionará el juego de los actores, sus movimientos, su ritmo, su dicción (la actriz Nuria Espert contratará a Víctor García para sus montajes en España); modificará la estructura de la obra si es preciso (a veces con peligro para el seguimiento de la anécdota o argumento); forzará el proceso perceptivo por parte del público. Son recordados sus montajes de Las criadas de Genet, con su escena inclinada y totalmente cerrada con planchas metálicas que reflejan la luz y producen extraños sonidos al ser golpeadas; la Yerma, de García Lorca, sobre una enorme lona elástica que adopta distintas variantes -ondulaciones, verticalidad...-; El cementerio de automóviles de Arrabal, para el que convierte el teatro en un festival de chatarra calcinada; Divinas palabras de Valle-Inclán donde suprime todo detalle costumbrista, poblando el escenario con tubos de órgano de iglesia...<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">9. SENTIDO DE LA CREACIÓN COLECTIVA: ENRIQUE BUENAVENTURA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">La segunda mitad del siglo XX presenta una nueva serie de gentes de teatro procedentes de lo que muchos llaman "el tercer mundo". Todas ellas suelen poseer una formación occidental -París V Nueva York suelen ser los centros de formación más comunes que, mezcladas con los elementos autóctonos de su país de origen, crean saludables propuestas. La riqueza política en donde se desarrollan, con continuos vaivenes sociales, revoluciones y contrarrevoluciones, dan el contexto oportuno para su evolución. América del Sur, sobre todo, va a ser el banco de pruebas para un teatro renovado, en donde no valen las importaciones europeas, que se quedan para las altas capas de la sociedad, y sí un cierto didactismo político en donde se sumergen la mayoría de las propuestas. Representan sus obras en Colombia, Venezuela y, en un momento dado, en Chile, países de relativa estabilidad democrática, en donde se podía permitir el chillido de protesta de los escenarios. A tales condiciones políticas, cabe añadir un cierto poder económico que hace posible la realización de festivales internacionales, en donde las gentes de teatro del lugar encuentran en casa fórmulas de desarrollo a sus inquietudes dramáticas.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Dado. por un lado, el espíritu didáctico que preside tales procesos; por otro, cierta igualdad de formación entre los componentes de los grupos, y, finalmente, el deseo de enmascarar muchos de los trabajos en un espíritu colectivo que difuminase la responsabilidad civil de los mismos, se abordó una fórmula adecuada al medio. Ésta no es otra que la de la creación colectiva. Aunque no se puede negar el empuje gestor de uno de esos miembros del colectivo, como padre de la idea o director de la misma, tampoco podemos hacerlo del abierto talante de consenso que tenían los espectáculos colectivos.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Muchos y muy variados son los mecanismos que han surgido de tales consideraciones, aunque quizá el más generalizado sea el método de Enrique Buenaventura, director y docente colombiano que ha pasado buena parte de su vida explicando y enseñando en la mayoría de los países latinoamericanos.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Enrique Buenaventura (nacido en 1928), que estudió pintura, arquitectura y escultura en Bogotá, es asimismo autor de no pocos dramas. A la diestra de Dios Padre (1958) ha sido un texto muy representado en América, lleno de ideas y tradiciones surgidas del más puro folclore indígena. En una evolución de carga crítica superior se encuentran Los papeles del infierno (1968) e Historia de una bala de plata (1980). Como gestor y promotor de elencos escénicos, cabe señalar que en 1955 puso en marcha el Teatro Escuela de Cali (TEC), que derivó en el teatro Experimental de Cali, a partir de 1970. Allí, y en el Festival Internacional que se generó en dicha ciudad colombiana, alcanzó reconocimiento mundial.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Sin embargo, es en su método de creación colectiva donde parece tener su máxima proyección teórica. A Buenaventura le interesa "una participación creadora igual por parte de todos los integrantes", con lo que se cambian "radicalmente las relaciones de trabajo y la manera de encarnar ese trabajo". Cuestiona el criterio de autoridad del director de escena, que llega a dejar de ser intermediario entre texto y grupo, entendiendo por texto algo muy diferente a la obra cerrada escrita por un autor. Pero algo debería reemplazar el lugar del director, y por ello nació la "etapa analítica" del método, esto es, una forma de analizar el texto. En esta concepción, "un texto teatral es una analogía de la vida social, no una reproducción o un reflejo directo de esa vida". Tras un prolijo desarrollo de dicho método, se llega a la consideración de que los actores son también autores del espectáculo. Han efectuado improvisaciones, han anotado los cambios más significativos que deben introducir en aquéllas, han quitado lo inservible; en resumidas cuentas, han hecho todo lo que normalmente efectúa la mente organizativa del director. Sin embargo, el método no descarta la participación de un director que pueda "ver la totalidad durante todo el trabajo", es decir, que aun perdiendo autoridad sobre el grupo, gana al poder dar la visión completa y organizadora del mismo. El método de Buenaventura es una colección de normas y recetas de creación escénicas, perfectamente aplicadas al medio social y artístico en donde se desarrolla, difícil de utilizar en otros de diferente naturaleza.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">10. LA SITUACIÓN DE LA ESCENA ESPAÑOLA A FINALES DEL SIGLO XX<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Como ha quedado ya indicado, los dramaturgos españoles han intervenido de manera muy escasa en el desarrollo del arte escénico en la segunda mitad del siglo XX. Sólo de Fernando Arrabal -residente en París, aunque conservando la nacionalidad española- se puede decir que propiciase, cuando no encabezase, movimientos innovadores. El resto de la dramaturgia, pese a ciertas figuras de relieve como Antonio Buero Vallejo o Alfonso Sastre, no llega a influir en el desarrollo escénico europeo. Desgraciadamente, tampoco autores innovadores en sus lenguajes, aptos para nuevas experimentaciones, como es el caso de Joan Brossa, José Ruibal, Romero Esteo, Alfonso Vallejo o Luis Riaza, han podido ir más allá, debido a sus escasísimas representaciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Por otro lado, entre los creadores escénicos ha seguido faltando un guía o mentor de nuevas generaciones de directores y escenógrafos. Las mayores innovaciones y despliegues escénicos hay que atribuírselos a algunos de los pocos grupos que aún permanecen desde los tiempos de la dictadura franquista: La cuadra, de la que ya nos ocupamos en el epígrafe 5, Els joglars y Els comediants. Estos grupos, junto con el más reciente La fura deis baúl, han sacado nuestro teatro fuera de España y significan no poco en el movimiento alternativo contemporáneo. Como los grupos americanos, han realzado, además del lenguaje oral, los demás lenguajes del espectáculo: mímica, luz, expresión corporal y cuanto puede contribuir a la visualidad del espectáculo.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Els joglars<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Más de veinticinco años lleva Albert Boadella al frente de este grupo polémico. Iniciados en el mimo -rostros blancos, mallas negras-, pronto se inclinarán por un teatro de la palabra y de la acción dramática más completa. Les caracteriza el talante desmitificador de sus espectáculos que, en los últimos estrenos, raya en lo abiertamente provocativo. De grandes representantes de farsas podríamos calificarlos. Pero estas farsas, en contra de lo que cabría esperar, se apoyan menos en la deformación caricaturizada de los rasgos de los personajes que en la imitación fiel, por parte de los actores, de los roles y comportamientos sociales sobre los que intentan ironizar (oficiantes en una concelebración litúrgica ecuménica en Teledeum; altos prelados y el Papa en Columbi lapsus; personajes de corte nazi en Olympic Man Movement; campesinos catalanes en M-7 Catalónia...). La ironía, el humor aparecen al situar a esos "personajes" fuera de sus espacios habituales, en un marco de ficción. La creación de estos personajes puede suponer un trabajo costosísimo para los actores. Un ejemplo más que elocuente nos lo proporcionan Los virtuosos de Fontainebleau: además de dominar un instrumento constantes sesiones durante seis meses, los actores fueron capaces de emitir sonidos sin mensaje alguno con una pronunciación francesa de gran fidelidad.<o:p></o:p></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Otro factor decisivo es su perfecta y costosa escenografía, de gran modernidad, para la que echan mano de las técnicas más sugestivas: pantallas con centenares de luces, grandes indicadores electrónicos, etc.<o:p></o:p></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Els comediants<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Montajes como Sol, solet o Dimonis bastarían para situar a este grupo en la línea de ese teatro de grandes máscaras, de ese teatro de la infancia y de la fiesta como espacios de las desinhibiciones, en la línea del Bread and Puppet, aunque sin pretender alcanzar sus postulados redentores. En efecto, el grupo americano, con el que llegan a compartir experiencias, y el italiano Eugenio Barba serían sus mejores mentores. Els comediants, que pretende ante todo divertir, saca sus temas y formas escénicas del folclore, de las fiestas populares con sus comparsas, sus disfraces, sus bailes y verbenas, sus tradiciones (como la de La noche de San Juan), sus bandas musicales, sus procesiones y liturgias, sus gigantes y cabezudos, sus dragones... Habría que añadir, además, las acrobacias, los números espectaculares que hasta ahora eran privativos de equilibristas y gentes del circo. Y todo ello, Els comediants lo prodigará dadivosamente, en proporciones espectaculares: zancos que triplican la figura humana, objetos desmesurados, lonas que cubren todos los espacios y en las que se puede figurar el cielo con sus estrellas, pasarelas... No hay que decir que este grupo se encuentra mejor en los grandes espacios al aire libre (una plaza, una avenida, el curso de un río en ocasiones o en lugares no convencionales) que en los teatros a la italiana. Junto a la espectacularidad, el rigor del trabajo y su sentido del ritmo, han convertido a Els comediants en el primer grupo occidental en este tipo de teatro.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">La fura dels baus<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Si en un principio pudimos pensar que lo que este grupo nos presentaba ya nos lo habían mostrado las vanguardias americanas y los efímeros pánicos veinte años antes, pronto pudimos comprobar que las insólitas transgresiones de La fura dels baus no tenían en cuenta tales precedentes. En 1983, Accions supuso su revelación. Los actores, embadurnados de serrín y huevo nos parecían miserables larvas reptantes, que luego se convertirían en fieras espeluznantes, o en humanos acorralados. La fura dels baus destruía todos los espacios del recinto teatral, empezando por el espacio del público, constantemente violado por la acción. Todo pertenece a los actores, desde el suelo a los techos, incluyendo los propios muros convertidos en espacio escénico. Gritos, desplazamientos violentos, una música de rabiosa actualidad, en vivo, completan el cuadro.<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">La crítica quedó atónita ante el fenómeno inusual. Se habló de "pesadilla", de "alucinaciones urbanas", de una "estética mezcla del happening, del punk y del buto japonés", de "antropofagia"... El grupo no duda en emplear en sus montajes los artefactos más variados: tractores, enormes grúas en las que el cuerpo del actor semejará un paquete o un guiñapo, tendidos de alambres...<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En su Manifiesto canalla, también de 1983, se definen como "organización delictiva dentro del panorama actual del arte", que "se aproxima más a la autodefinición de fauna que al modelo de ciudadano. Cada acción representa unos ejercicios prácticos, una acción agresiva contra la pasividad del espectador, una intervención del impacto para alterar la relación de éste y el espectáculo". A Accions han seguido montajes más sorprendentes aún como Suz/o/Suz, de 1985, Tier Mon, de 1988, o Noun, de 1990.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">11. VIAJE DE ORIENTE A OCCIDENTE<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Oriente, olvidado por Occidente durante dos milenios, comienza a fascinarnos en el último tercio del siglo XX. Las artes marciales del Japón o de Corea; el yoga y otras prácticas de concentración y relajación mental y corporal; la medicina natural, el respeto al medio, un nuevo sentido de la cortesía... son algunas de las prácticas orientales que nos enriquecen. En realidad, la historia de Oriente se ha hecho, en nuestro siglo, interdependiente con la historia occidental: China se convierte en una potencia reguladora del equilibrio de los dos bloques durante varias décadas; hasta 1989 representó la otra cara, más humana, del comunismo. La India, tras su independencia del colonialismo inglés, empieza a desarrollar con ímpetu sus principales tradiciones, entre ellas las artísticas. El Japón se convierte, tras su derrota en la segunda guerra mundial, en una potencia inquietante para Occidente: no por su poder bélico, sino por su llamado colonialismo económico. Pero a este expansionismo se debe igualmente la difusión de su arte. Por lo demás, los medios de comunicación y de información actuales han hecho que Oriente y Occidente no representen ya dos mundos separados.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Descubrimiento de la escena oriental<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Este descubrimiento se debió -no podía ser de otro modo- a los poetas y creadores de mayor intuición teatral del siglo XX. Paul Claudel -quizá el dramaturgo formalmente más innovador del siglo XX- pasa largas estancias en el Japón y la China. Su teatro está lleno de deudas con la escena oriental. Por su parte, el deslumbramiento de A. Artaud ante el Teatro Balí, le transportará a nuevas concepciones para el arte escénico, las que pasaban por el rechazo del teatro occidental. Por ello, detrás de Artaud y de las vanguardias que surgen a su amparo, es justo adivinar la presencia del teatro oriental. Por su lado, son conocidas las aproximaciones de Brecht al teatro chino.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Manifestaciones orientales<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En cierto modo, la "resurrección" de Artaud hacia 1960 impulsó, por fuerza, un método oriental para actores (digamos esto con todas las reservas) frente al método de Stanislavski. Algunos entusiastas casi místicos del Oriente se lanzaron a un aprendizaje sincero, in situ. Señalemos aquí a un discípulo de Grotowski, el italiano Eugenio Barba, que aprende en Bali los secretos de la danza que tanto fascinara a Artaud. Barba será el creador en Oslo, en 1964, del grupo europeo que con mayor sinceridad y esfuerzo ha hecho suyas las técnicas escénicas orientales, el Odin Teatro. Eugenio Barba, en multitud de cursillos por todo Occidente, se convierte en promotor de este teatro, de sus gestos, de sus signos y símbolos, de las tradiciones que lo ilustran, de la preparación y filosofía del cuerpo que revelan...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Pero son los propios colectivos orientales los que empezarían a mostrarnos en Occidente sus espectáculos sacados de su tradición, hasta entonces para nosotros desconocida. A veces convierten en espectáculo sus propios ritos sagrados, como en el caso de Yo Kagura, que pasea por Occidente en 1980 la liturgia sintoísta.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El kathakali, teatro de dioses y de hombres</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Señalamos en el primer capítulo de esta historia el parentesco del kathakali con el dutangada medieval. En Occidente hemos visto a compañías autóctonas en representaciones de esta modalidad. El extremo cuidado que se pone en los detalles ha despertado sobremanera nuestra admiración por este género, en el que la acción sigue el recitado de un texto. Con qué cuidado se atiende a los movimientos complicados de los ojos (globos oculares, cejas y párpados) o a las modalidades simbólicas de las manos, que cuentan con veinticuatro posiciones fundamentales, de las que nacen otras muchas llamadas combinadas; o el maquillaje, de una gran riqueza, en el que cada color contiene un símbolo, cada trazo caracteriza a un determinado rol o personaje, que se realza con trajes de una magnificencia increíble;,' las joyas, collares, grandes pendientes que completan la preparación del actor... La composición de Ardjuna, personaje importante del<o:p></o:p></span></div>
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<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Kathakali, magníficamente coronado según estas exigencias del rito, constituye por sí solo todo un espectáculo visual. Las evoluciones de la danza, acompañada por la música y los recitados, acabarán transportándonos a vivencias estéticas nuevas, inconcebibles. Todo este despliegue tendrá lugar ante un pequeño telón o cortina, sostenido por dos tramoyistas. Para el Occidental, esta cortina puede significar bien poco. Para el Oriental, puede crear suspense, inquietud, dejar el paso libre a algún dios... según la manejen. La cortina divide tiempos y espacios: terrenos y extraterrenos, mundanos y místicos... Teatro del inconsciente, mítica representación del hombre ante el destino inevitable. Por eso el kathakali podrá mostrarnos su Macbeth (y el cine japonés darnos en Ran su versión del rey Lear). Confluencias del teatro profundo.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El conocimiento de los estilos japoneses<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Los japoneses nos harán conocer el noh y el kabuki. El primero se remonta al siglo sic. En Occidente llamará la atención el esquematismo de sus tramas, con tres personajes principales (el protagonista -waki-, el mirón -generalmente un sacerdote ambulante-, y un intermediario). Un coro recita las partes narrativas y, en los momentos culminantes, penetra en escena con expresiones simbólicas. Pero en el noh, frente a la austeridad del decorado, nos impresionará la fantasía desplegada en ricos vestidos de seda, la estilización y hasta la intimidación de sus máscaras y de sus movimientos rítmicos, de una violencia desconocida, frente al relax y la ternura en las escenas de seducción. El noh podía así conmovernos, tuviésemos o no información sobre su alcance simbólico: sobre el escenario, por ejemplo, que es como una gran conciencia, sobre la que el waki proyecta su mundo profundo para que cada espectador lo asimile a su modo, lo interprete sin razonamientos, lo conduzca hacia su propio interior...<o:p></o:p></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El kabuki es una modalidad teatral posterior, que acoge ya todos los gestos cotidianos, y sintetiza los diversos estilos de música, dan2a y representación. El kabuki puede conciliar lo sublime con lo humano. Es mucho más brillante, pues todo le está permitido: despliegues escenográficos en los que tanto contará la composición cromática; vestuarios de gran lujo; un maquillaje sometido a toda una teoría: sobre la cara cubierta de blanco la distribución de pinceladas rojas, azules, grises o negras caracterizarán a los personajes y sus estados anímicos...<o:p></o:p></span></div>
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<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">La emisión de la voz, en recitados ondulantes que expresan el carácter o el imperio del personaje, la lentitud ritual..., todo esto llamará la atención del occidental.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">¿Qué ha interesado realmente en Occidente?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Los casos de europeos que han llegado a asimilar las danzas asiáticas son raros. Entre ellos hemos de contar al ya citado Eugenio Barba; o a la francesa Devyani, que pasa diez años de intenso aprendizaje en la India. Aparte casos como éstos ¿qué influencias orientales podemos decir que acuse la escena occidental? En el sentir común, a Oriente debería el teatro más reciente:<o:p></o:p></span></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 78pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- la recuperación del sentido ceremonial del espectáculo; - la integración y armonización de lenguajes como el recitado y la danza;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 78pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- la exigencia de un estilo depurado por parte del actor, enraizado en una filosofía armonizadora del cuerpo y del espíritu;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 78pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- la concepción perfeccionista y ascética del arte (en la India, la preparación mínima del actor exige unos diez años de dedicación exclusiva, a fin de dominar todos los gestos y su simbología inherente);<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 78pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- el carácter sagrado, mítico del espectáculo.<o:p></o:p></span></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">¿Por qué ha podido interesar todo esto a los artistas occidentales? Grotowski dijo en una ocasión que si a Artaud le fascinó el teatro balinés ello fue debido a que no entendió el significado de sus signos. Lo que parece cierto. Las nuevas teorías sobre la percepción estética -que podemos perfectamente aplicar al arte de la escena- nos advierten que todo arte sin penumbras, sin sugerencias veladas, sin misterio, carecerá de interés, no golpeará nuestros sentidos ni cuestionará nuestros hábitos. Occidente, nos lo advertían los simbolistas, ha gastado sus signos, ha agotado sus interpretaciones, o ha creado barreras y censuras al ejercicio libre de los creadores. Sólo se autoriza lo admitido por la autoridad que vigila los textos y tradiciones de nuestra civilización cristiana. La huida a Oriente era algo más que un snobismo de poetas.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">12. ÚLTIMAS TENDENCIAS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Bastantes de las investigaciones escénicas expuestas en el presente capítulo mantienen en vigor sus trayectorias. Marcan éstas todavía el hoy del teatro actual. Pero sería injusto decir que los nombres que las encabezan sean los únicos. ]unto a los favorecidos por ¡¡cronología como auténticos pioneros, está el número casi infinito de artistas -en todos los ámbitos- que sobre los hallazgos o la filosofía de los primeros siguen creando variaciones de calidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Dos opciones o tendencias -la del teatro objetual y la del teatro-danza- nos parecen más innovadoras en estos momentos.<o:p></o:p></span></div>
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<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">El teatro objetual<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Entendemos por teatro objetual aquel en el que los objetos no interesan ya, esencialmente, ni por su juego utilitario, ni por su valor escénico-decorativo ni por su juego retórico-simbólico tradicional. En el teatro objetual, los objetos:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- pueden verse desviados de sus usos habituales (como en los viejos dadás y superrealistas);<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- se les puede dotar de un estatuto de personajes o de auxiliares de los personajes. El objeto es autodinámico, se metamorfosea, se resiste, acosa al personaje encarnado por el actor, se ensaña con él...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- estos comportamientos pueden hacer variar la poética actoral, degradando incluso al actor a la categoría de objeto, maniquí, robot, que se verá manipulado, arrinconado o explotado. La situación puede ser tal que en algún momento el actor concienciado pueda estallar contra ella. La industrialización del sex (cuánto más, hoy, la "informatización") justificó una reflexión que el futurista Maiakoski recogió en una parábola titulada La rebelión de los objetos. Curiosamente, grupos actuales están desempolvando este viejo texto del poeta futurista ruso. Más cercanos a nosotros, Beckett o Arrabal-este último en deuda con la plástica superrealista- nos dejarán piezas ejemplares en las que los objetos mantienen un comportamiento sádico con los actores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Si en los nombres citados cabe ver algunas muestras premonitoras de la nueva tendencia objetual, hay que decir que sus hallazgos no fueron tan frecuentes. El teatro nuevo, en cambio, está desarrollando un juego escénico con objetos cuyas posibilidades parecen inagotables. Este teatro se caracteriza, en nuestra opinión:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- por la rabiosa actualidad de sus lenguajes y mensajes;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- por un realismo tomado de la calle, cuya dialéctica puede, al margen de los esquemas clásicos, estar contemplando el abandono humano; la falta de comunicación que de nuevo amenaza al hombre abandonándolo a su depresión y su soledad; la sociedad de consumo; la impasividad general ante el desastre ecológico mundial...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- por la tensión del actor;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- por su frecuente y justificado mutismo, consecuencia de su "cosificación", reducción a "cosa";<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">- por el ritmo del espectáculo ordenado por la "banda sonora" (música moderna, electrónica, de ruidos...). En efecto, parece como si en este teatro todo, hasta el menor movimiento, estuviera obedeciendo a los estímulos sonoros. De ahí, precisamente, el relieve que en él alcanza el silencio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Teatro-danza<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Cada vez más, durante las últimas décadas, el teatro y la danza se han aproximado, se han cedido sus espacios, se han confundido. En Oriente, era esto moneda corriente, como sabemos. No así en Occidente, que pronto se desligó de sus orígenes. A ello achacará Artaud -de nuevo Artaud- la pobreza del arte occidental en movimientos, gestos y sugerencias. En Occidente, el baile, en el mejor de los casos, creaba escenas intercalables en el espectáculo, que el público sentía como escenas de descanso o de relleno, más o menos artificialmente unidas a la obra. En la comedia-ballet francesa, a que ya aludimos, estas escenas de baile y pantomima pueden suprimirse completamente sin que la obra se resienta de ello lo más mínimo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Ahora, sin embargo, no se trata de introducir la danza en un paréntesis. Se trata de hacerle formar parte de la poética del espectáculo, de integrarla en él como un lenguaje conformante de pleno derecho. La impresión que pudo producir en nosotros Quejío, por ejemplo,<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">se debía a que la música, la palabra y la danza proyectaban, multiplicado, el mensaje de la obra, lo que no habría conseguido por sí sola la palabra y el cuerpo de los actores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">La imitación y perfeccionamiento de la expresión corporal, en aumento desde los sesenta, puede estar a la base del auge de esta modalidad, que tiende a ser denominada como teatro-danza, cuando no ya teatro nuevo simplemente, sin previos avisos. En la actualidad no existe Festival de Teatro que no incluya esta modalidad. En tales festivales, bailarines como el húngaro Josef Nadj o el japonés Saburo Teshigawara están entre las vedettes más cotizadas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">J. Nadj intenta, con sus imágenes negras, fantasmales, crear un impacto en el inconsciente, huyendo tanto de las corrientes expresionistas alemanas como del postmodernismo americano o de las crispaciones del buto japonés (hay que decir que esta modalidad del buto, o danza de las tinieblas, fundada por Tatsani Hijikata, ha hecho furores). Por su lado, S. Teshigawara se alejará igualmente del buto y de otras fáciles identificaciones con el Japón, así como de la última danza americana. Advirtamos que la enorme difusión y la extraordinaria calidad de los grupos norteamericanos obliga a cualquier artista celoso de su originalidad a distanciarse de ellos. Teshigawara lo hace, claro está, para explotar sus propios recursos, fundados en su increíble dominio del cuerpo que parece desafiar las leyes del equilibrio y obedecer al espíritu en continuos alardes de plasticidad y suspense. En esta línea, convendría rememorar las increíbles acrobacias de los bailarines lingy-hop, o las proezas de los tap-dancers. La danza, que se auxiliará de la decoración, técnicas y estructuras del teatro, insistirá particularmente en el dominio de las facultades del actor. Las pruebas que de él exige lo sitúan frecuentemente al límite de sus posibilidades físicas y psíquicas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">No parece que otras modalidades puedan conformar nuevas tendencias del teatro en la actualidad. Del mimo habría que decir que sigue la trayectoria que Decroux o Marceau le han trazado, sin que su materialización por un grupo o colectivo en escena cambie su estructura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Tampoco el circo, tan próximo por tantos motivos del teatro, parece informar ninguna tendencia en la actualidad. Los espectáculos del teatro de calle; el Magic circus creado por J. Savary hacia 1970, con sus leones de disfraz o sus ovejas mansas; o el más reciente Cirque Archaos (en el que las motos sustituyen a los caballos), por citar estos ejemplos, se quedan en la ironía o en la parodia. Permítasenos, no obstante, en esta historia, un recuerdo cariñoso para el circo, que en otros momentos contagió de ternura a tantos y tantos artistas. ¿Cómo no recordar su deambular por Europa y América; su bohemia, tan parecida a la de los cómicos del teatro? Remontémonos, por ejemplo, a aquel intento de reforma del teatro desde el circo en la Rusia que siguió a la revolución de octubre. Nos serviremos del resumen-evocación que A. Miralles hace del pintor George Annenkov:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">... en plena Revolución rusa, monta una cosa en la que salen trapecistas, acróbatas y clowns. Uno de los actos se desarrollaba en el infierno, y se le ocurrió a Annenkov la idea de que podía ser un circo, un circo infernal en un decorado de trapecios volantes, según ritmos y cadencias estrictamente establecidas, plataformas móviles suspendidas, cuerdas y perchas atravesando la escena en todas las direcciones... Todo ello sincronizado con una música<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">de ruidos a cargo de Roslavetz, integrada en los ritmos de la acción visual. El telón fue suprimido y la acción se desarrollaba simultáneamente en el escenario y en la sala. El resultado fue el primer ensayo serio de integración dramática entre teatro y circo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Para el causante de este refrescante infierno la preparación del actor de teatro es siempre relativa, mientras que el arte del hombre de circo es perfecto, porque es absoluto. Y escribe: "En la maestría del actor de circo los revolucionarios del teatro verán<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">el germen de una nueva forma teatral, del estilo nuevo."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">En las últimas décadas hemos visto cómo algún director introducía pasarelas, trapecios, alambres para sonámbulos... Incluso, entre las obras, casi todas mediocres, que introducían elementos del circo, hemos tenido la suerte de dar con aquella deliciosa comedia de M. Archard Voulez-vous jouer avec moi? Se ha dicho más aún. Por ejemplo, que toda la técnica compositiva, e incluso que los elementos dinámicos de Esperando a Godot, de Beckett, constituyen un homenaje al circo. Es posible. Hoy, incluso, la tendencia objetual, o el arte que exige del actor mayores hazañas está debiendo mucho al mundo divertido y tenso del circo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">Directores y grupos de teatro, que no creen en nuevas vanguardias, buscan laboriosamente, ansiosamente incluso, la diferencia. Dar con aquello que hoy pueda distinguirnos de los demás, para no caer en la masa informe, inmensa, en la que se ahogan todos los esfuerzos. Esa es la "tragedia" del teatro actual. No creemos que todas las vanguardias estén ya inventadas. Tampoco debe preocupar que se piense lo contrario. Sí hemos de aclarar que los postulados de los movimientos de la primera mitad del siglo XX siguen siendo una fuente apenas frecuentada, un fermento aún vigoroso. ¿Se puede todavía volver al simbolismo, al dadá, al superrealismo, al expresionismo...? De hecho, a ellos se está volviendo, a cada momento, aunque se ignore o no se confiese. Como estamos volviendo a la ceremonia y a la danza. Los gérmenes del teatro más novedoso ¿habrá que buscarlos acaso, una vez más, ... en los griegos?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">TEXTOS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">(De Teatro Laboratorio, Jerzy Grotowski.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> Podemos, pues, definir el teatro como lo que ocurre entre el actor y el espectador. Lo demás es suplemento, tal vez necesario, pero suplemento. No es casual que nuestro trabajo evolucione de un teatro de grandes medios, un teatro rico, en el que las artes plásticas, la luz y la música son utilizadas sin límite, a un teatro pobre, ascético, en el que nada queda a no ser el actor y el espectador: los efectos plásticos son sustituidos por las construcciones del cuerpo del actor, los efectos musicales por su voz... Nosotros consideramos al texto como un trampolín, no como un modelo, y esto no porque despreciemos la literatura, sino porque no es en la literatura donde se encuentra la parte creadora del teatro, pese a que las grandes obras dramáticas sean para esta creación un aguijón de valor inestimable.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> El actor es un hombre que trabaja públicamente con su cuerpo, que lo da públicamente. Si este cuerpo se contenta con demostrar lo que es, cosa que está al alcance de cualquier hombre medio, si ese cuerpo no se convierte en algo semejante a un instrumento obediente que cumple un acto espiritual real, si ese cuerpo es explotado por el dinero y por lo que se llama el éxito del actor, entonces el arte del actor se encuentra infinitamente cercano a la prostitución. No es casual que durante siglos el teatro haya sido, de una manera o de otra, considerado símbolo de la prostitución. La palabra "actriz" y la palabra "cortesana" tuvieron durante mucho tiempo un campo común; en la actualidad están separadas por una frontera un poco más neta, pero ello no a causa del cambio del mundo del actor, sino de una modificación de la vida social, porque lo que hoy se ha desvanecido es la diferenciación entre la cortesana y la mujer honesta. Justamente, lo que más resalta cuando se considera el oficio de actor, tal como se practica habitualmente, es su miseria, su mercantilismo, ese mercado de un organismo humano martirizado por sus protectores: director de escena, empresario, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> Del mismo modo que, para los teólogos, sólo un gran pecador puede llegar a convertirse en santo, es la miseria de la vida del actor lo que puede transformar a éste en depositario de una especie de santidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> Por supuesto, hablo de santidad desde el punto de vista del incrédulo: hablo de una "santidad laica". Si el actor efectúa públicamente una provocación a los otros hombres en la medida que se provoca a sí mismo; si por un exceso, una profanación, un sacrilegio inadmisible, el actor se busca a sí mismo desbordando a su personaje de todos los días, permite entonces al espectador hacer otro tanto. Si no hace ninguna exhibición de su cuerpo, sino que lo quema, lo aniquila, la libera de toda resistencia, en realidad no vende su organismo, sino que lo ofrenda. De algún modo repite el gesto de la redención, acercándose con ello a la santidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">(De Apuntes para un método de creación colectiva,<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;">por Yaqueline Vidal y Enrique Buenaventura.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> ... Es necesario preguntarnos qué entendemos por texto teatral. Algunas personas entienden por texto teatral únicamente "las obras de teatro", pero en la historia del teatro ha habido textos que se asemejan más al "guión" cinematográfico que a una "obra de teatro". Los textos de la Commedia dell'arte, por ejemplo, o los de la pantomima romana, que eran sencillos esquemas de conflicto, servían de base a los actores para improvisar, en el primer caso con palabra y en el segundo sin palabras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> Un texto teatral puede ser, pues, un esquema de conflicto con un cierto orden que incluso se represente sin palabras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> Ahora bien, sin un esquema de conflicto ordenado de una cierta manera no hay estructura y el espectáculo no es más que un amontonamiento de "números", tal como el "show de variedades".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> Concebido el texto en esta amplitud, es decir, desde un esquema de conflicto hasta una "obra de teatro", tenemos que convenir que no hay teatro, propiamente dicho, sin texto.<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin: 0cm 57pt 0cm 84.75pt;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 18.4px;"> El método, pues, [tiene] que comenzar por una análisis del texto.</span></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-3295648004795256202017-10-19T10:38:00.000-04:002017-10-19T13:16:06.714-04:00Los grandes innovadores Europeos.<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none; text-align: center;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 20.0pt; line-height: 115%;">Los grandes innovadores Europeos.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"> I. La escena europea en el siglo XX<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"> 2. Meyerhold<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"> 3. El expresionismo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"> 4. Luigi Pirandello<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"> 5. El teatro político de entreguerras:
Piscator<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"> 6. Bertolt Brecht<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"> 7. Artaud y la destrucción del teatro<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"> 8. Beckett y el absurdo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 64.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Textos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">I.
LA ESCENA EUROPEA EN EL SIGLO XX<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Durante el siglo s.f. asistimos a una incesante proliferación de
movimientos y tendencias que proporcionan a las artes en general, y al teatro
en particular, gran variedad y, además, con manifiesta rapidez. Nunca como
hasta ese momento, la escena se había visto tan cambiada, y con tanta prodigalidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Desde finales del siglo XIX a los años 50 el teatro ha pasado de
sus más rotundos resultados naturalistas al nihilismo exagerado de un absurdo
perspicaz. En esos años se modificaron estilos, se buscaron nuevas
posibilidades a los dispositivos escénicos, se cuestionaron hasta sus últimos
extremos los restos de un aristotelismo trasnochado, se sacaron las máximas
posibilidades de las nuevas técnicas de iluminación; en suma, todo lo que había
permanecido estancado durante siglos de repente cambió, pero no en una sola
dirección, sino en muchas. Las causas principales de ello las podemos encontrar
en:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">a) la culminación de todos los progresos industriales y técnicos
que llegaron al teatro en forma de escenarios móviles y luminotecnias
reguladas;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">b) la popularización del cinematógrafo, que si bien se ve influido
en primera instancia por el teatro, termina influyendo en él, en su estética e
incluso en el sentido realista en que deriva;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">c) la importancia que adquiere la personalidad del director de
escena que, por primera vez en la historia del teatro, separa sus funciones
totalmente de las de actor o empresario, aunque a veces las simultanee;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">d) la agilidad de la información periódica y filmada que hace que
las innovaciones lleguen mucho más rápidas que en tiempos anteriores, gracias
también a las nuevas tecnologías.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En este clima de efervescencia y renovación de movimientos
escénicos es preciso hablar de las personalidades que los originaron. Si nos
vamos a detener, por primera vez en este libro - exceptuando a Stanislavski -,
en la trayectoria de determinados directores es por la necesidad de exponer las
ejecutorias escénicas más renovadoras de los últimos tiempos, aquéllas que
dieron lugar a tendencias seguidas por muchos profesionales del teatro en
Europa y América, y cuya teoría va totalmente ligada a su práctica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Pasado el tiempo, probablemente podamos concretarnos en el estudio
de los movimientos en sí - como hasta ahora hemos hecho. Será el instante en
que aquéllos se sitúen por encima de las personalidades creadoras. Algo que, a
estas alturas del siglo, todavía no parece del todo posible.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">2.
MEYERHOLD<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Vsevolod Meyerhold (1874-1942) fue discípulo de Stanislavski, con
el que participó como actor en los primeros montajes del Teatro de Arte de
Moscú. Formado en el naturalismo del grupo, se adhirió al movimiento
experimentalista que encabezaran Maeterlinck y Bruisov con Teatro Estudio,
primera alternativa escénica en donde la convencionalidad y la estilización
técnica tenían perfecta cabida. La muerte de Tintagiles, de Maeterlinck, sería
la ejemplificación perfecta de este movimiento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El abandono del Teatro de Arte, en 1902, y su viaje a Italia
marcan, según su propia expresión, su "etapa de maduración". En 1905,
Stanislavski le da la posibilidad de dirigir el Teatro Estudio, dedicado a la
experimentación escénica dentro del propio Teatro de Arte, y allí iniciará
Meyerhold su idea de la "Convención consciente", principio del teatro
antinaturalista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Su idea antiilusionista viene del simbolismo, y propone desde el
principio el "punto de ironía de una situación". De ahí al
constructivismo habrá todo un desarrollo de su itinerario teórico-práctico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Meyerhold necesitó de un sistema de aplicación de sus teorías,
sobre todo para las referentes a la forma de comportamiento del actor en su
nuevo teatro. Pronto reparó en que éste no estaba preparado para el trabajo de
la convención, y así se producía el lógico desajuste entre el principio
estético del artista y la función de los actores acostumbrados al Naturalismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Un teatro que no utiliza candilejas, que coloca la escena en la
platea, que no tiene decorados, sino un único plano con el actor, necesitará un
intérprete que someta su actuación al ritmo de la dicción y los movimientos
plásticos, un actor que actúe con libertad ante escenarios libres, sin soportes
decorativos ilustrativos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Las previsiones de Meyerhold fueron lográndose cumplidamente,
puesto que, en efecto, se encontró ante un nuevo teatro que respondía, una vez
más, a un deseable nuevo mundo. El actor empezaba a convertirse en un obrero
especializado, que respondía a la fórmula<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 64.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">N (actor) = Al (director) + A2 (cuerpo del actor).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Meyerhold considera un solo método de trabajo para el obrero y
para el actor. El arte asume una función necesaria y no de pasatiempo. El actor
utilizará tan sólo las enormes posibilidades de su cuerpo, y no perderá el
tiempo en maquillaje o en vestuario. Se uniformará para destacar la convención.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El nuevo actor debe tener capacidad de excitación reflexiva, junto
a una elevada preparación física. En definitiva, estudiar la mecánica de su
propio cuerpo, porque ése es un instrumento. El actor debe ser un virtuoso de
su cuerpo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Estamos ante el conocimiento de la mecánica de la vida de cada
actor (biológica), o ante la biomecánica, que no es más que una serie de
ejercicios que preparen al actor en esa nueva dimensión señalada. En contra del
método stanislavskiano de las acciones físicas, aquí se parte del exterior al
interior, del cuerpo a la emoción.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La biomecánica responde a la necesidad de un teatro del
proletariado. Pergeñada en tiempos del constructivismo, la biomecánica parte de
la realidad sin imitarla. Pero, es más, tras esa etapa constructivista superada
rápidamente por utópica, y convertida un realismo concentrado, la biomecánica
siguió siendo válida como técnica de formación del actor, e incluso como juego
escénico. Meyerhold, tachado de esteta tras el "Octubre Teatral"
(movimiento que sigue el espíritu de la revolución rusa), y opuesto a ese mismo
espíritu de la revolución, afirmaba que hasta entonces sólo había intentado
preparar una técnica a la espera de su aplicación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Su evolución responderá a la idea de "¡Compañeros, manteneos
cerca de la realidad!", regresando a una especie de naturalismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">A Lunacharski le gustaba más el término realismo: "Al
proletariado le gusta la realidad, vive de la realidad, transforma la realidad,
y en el arte, como en la ideología, busca una ayuda para conocer la realidad y
actuar sobre ella".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Este realismo, de matiz revolucionario, no se cierra en la
imitación, sino que acoge sus implicaciones: la hipérbole fantástica, la
caricatura, las deformaciones, siempre que se persiga un fin comprensible.
"Si para subrayar de modo eficaz una determinada característica social, es
necesario presentarla totalmente distinta en su manifestación real, con tal que
la imagen deforme y caricaturesca logre sacar a luz lo que, por ejemplo, se
esconde tras la aparente dignidad e indiferencia exterior, tendremos sin duda
un método profunda-mente realista", en palabras de Lunacharski.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Meyerhold cumplió las nuevas reglas del juego, porque su instinto
estaba preparado para ello. La biomecánica, por consiguiente, se convierte en
soporte de ese nuevo realismo, capaz de deformar o de dar cara distinta a la
real, para que el tal realismo sea una consecuencia, no un procedimiento. No
analizará una realidad por trozos sino que ofrecerá un conjunto que historice
dicha realidad y la valore.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">3.
EL EXPRESIONISMO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se trata de un movimiento, mayoritariamente de habla alemana, que
afectó a las artes todas de la época, y que tuvo su periodo de esplendor entre
1910 y 1925.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">¿Por
qué se caracterizó?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Ante todo hay que decir que, como el simbolismo, intentará
oponerse al naturalismo positivista de final de siglo. Del mismo modo —nueva
coincidencia esencial con el simbolismo— el expresionismo por-pugnará que lo
importante no es la realidad objetiva en sí.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">¿Quién
puede preciarse de conocer el mundo en su realidad esencial?<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En consecuencia, fiel al pensamiento idealista alemán del siglo
sex, el expresionismo proclamará la primacía de lo subjetivo, del pensamiento y
de la intuición del hombre, como fuerzas capaces de cambiar el medio en el que
vivimos; al contrario de ciertos naturalistas, que veían en el hombre un
producto determinado por su medio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Pintores, escenógrafos, dramaturgos, músicos, todos ellos
intentarán transmitirnos su peculiar visión del mundo. Una visión inquietante,
ciertamente. Pero, ¿qué es lo que realmente perturba al artista, ese ser de
acusada sensibilidad donde los haya, nunca ajeno a su mundo?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Sin duda que las fuertes tensiones de tipo social e ideológico,
provocadas por las reivindicaciones de signo socialista frente a las tendencias
conservadoras e inmovilistas de la aristocracia y los estados. El hombre se
cuestionará, partiendo de ahí, la organización moral del Occidente cristiano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Descontento con él, reclamará en sus declaraciones y manifiestos,
insistentemente, un nuevo tipo de sociedad, un hombre nuevo, en un mundo de paz
y de concordia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Las
distorsiones en el arte teatral<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En su arte, no obstante, sólo podrá reflejar, de momento, la
distorsión reinante, su oposición manifiesta ante un estado de cosas que va
dando sobradas muestras de preocupación (primera revolución en Rusia en 1905;
guerra ruso-japonesa, 1904-1905; anexiones de Bosnia y Herzegovina por parte de
Austria en 1908; revolución china en 1911; guerra de los Balcanes, 1912;
atentado de Sarajevo, 1914; primera guerra mundial...).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El arte expresionista, por fuerza, estará impregnado de violencia
reivindicativa; de angustia y desconcierto, manifiestos en sus líneas
nerviosas, en sus contrastes de formas y color, en sus mil distorsiones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Los decorados del cine y del teatro lo confirman con toda
evidencia en sus líneas y planos inclinados y asimétricos que parecen desafiar
las leyes del equilibrio. El espectador de entonces —e incluso nosotros en la
actualidad— no podría por menos de sentirse desasosegado y temeroso ante tales
espectáculos teatrales o filmados (El gabinete del Dr. Caligari, El Gólem...).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Guionistas y dramaturgos proporcionaron a los directores y
escenógrafos relatos de un realismo desfigurado, surgido en parte del
inconsciente, de sus sueños y pesadillas, de los mitos colectivos y sus ritos
esotéricos, en los que es posible mezclar la reivindicación social con las
invocaciones a las fuerzas del más allá. No ha de extrañarnos la devoción que
expresionistas y simbolistas sintieron por el genio de Baudelaire.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En el espectáculo expresionista se rompe el equilibrio y la
proporción clásica; se puede retardar el relato con paréntesis, monólogos
exaltados o turbadores silencios. Todo ello exigió del actor un temple nuevo,
una dicción y unos movimientos acordes con el resto de los lenguajes escénicos,
al tiempo que un gesto capaz de pasar de la serenidad a la locura.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En su presentación, la plástica escenográfica se auxilia con los
efectos psicológicos que producen las proyecciones y los juegos de sombras y
claridades de la iluminación. No es menos importante el papel que en muchos
espectáculos suele concederse a la música. Se diría que todas las artes se
necesitan y auxilian, que todas surgen de un mismo corazón.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El
decorado expresionista<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Aunque los escenógrafos no coincidieron siempre en sus
realizaciones escénicas, sí parece que estuvieron de acuerdo en la filosofía
que los guiaba. Según ésta:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- el decorado debía excluir todo tipo de naturalismo que dejase al
espectador en la superficie de las cosas y de los sentimientos;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- el decorado, y el juego de los actores, no habría de construirse
a partir de la historia detallada de la obra, sino de sus líneas de fuerza, de
sus momentos de exaltación, de sus gritos. Sólo así podrá conmover al público
hasta la angustia, si es preciso. En 1917, la representación de El mendigo de
Sorge por Max Reinhardt, mostraba a los actores en figuras acordes con las
líneas resaltantes e inclinadas del decorado; si añadimos a esto la tonalidad
totalmente negra del decorado y los posibles juegos con luces y penumbras
comprenderemos la denominación de esqueléticos que se le dio a estos decorados
(D. Bablet);<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- se rechazará toda maquinaria o artificio moderno que distraiga
de las líneas de fuerza del espectáculo y que impida - pretensión constante de
los expresionistas - que el público entre en el mismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Algunas experiencias expresionistas han llamado la atención de los
historiadores del teatro. Entre ellas la del Gran Circo de Berlín, transformado
por Reinhardt y el arquitecto Hans Poelzig en un teatro para tres mil
espectadores. Estos debían ocupar tres cuartas partes de las gradas,
reservándose la otra, junto con la arena, para el juego de los actores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Reinhardt suprimió rampas y telones para que el público entrase,
desde antes de la representación, en el clima de la obra (esto será práctica
habitual en los nuevos teatros). En la representación de Danton de Romain
Rolland, los revolucionarios se movían y gritaban entre el público (en Francia,
Romain Rolland era, desde principio de siglo, promotor de un teatro popular,
entendido como un teatro sin distinción de clases sociales, a ser posible con
realizaciones multitudinarias).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La
música expresionista<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Los ruidos, los silencios, las melodías instrumentales
contribuyeron a crear la magia de los montajes expresionistas. Hablando de
música, no podemos silenciar los nombres de dos grandes maestros, de inmensa
influencia en nuestro siglo: Arnold Schonberg y Alban Berg.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Hubo en ellos una tendencia marcada a buscar la palabra, el guión
escénico (de temática mítica, bíblica u onírica). De ahí su afición por la
cantata o el teatro lírico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">También la música operó sus rupturas con la normativa tradicional.
La mayor innovación fue sin duda la substitución de la escala cromática por la
serie dodecafónica, que rompía con la sucesión tonal a la que estábamos
acostumbrados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Del timbre opina F. Sopeña: "Aparece como elemento
"expresivo" cerebral e irracional a la vez —ideal expresionista no
sin aperturas hacia Freud—, la inspiración timbrica, el timbre como búsqueda
abstracta y como alucinación, algo que leemos en los escritos de Schonberg,
pero no menos en los manifiestos pictóricos de Kandinsky y en los primeros
cuentos de Kafka."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Las óperas de Alban Berg de mayor dominio expresionista son
(Vozzeck (1923) y Lulú (1928) (esta última sobre el personaje de Wedekind), y
se cuentan como dos de los grandes monumentos del teatro lírico del siglo s.f.
"Lulú, explica Sopeña, lleva al extremo el teatro expresionista,
alucinado: la situación contemporánea, el mundo de la burguesía adinerada y de
la bohemia trágica, la insistencia en la "nada", la misma entrada del
"jazz", componen un cuadro tremendo..."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Significativas son igualmente las denominaciones que da a los
tiempos en uno de sus cuartetos: <allegretto giovane, andante amoroso,
allegro misterioso, adagio appassionato, presto delirando, largo
desolado".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">4.
LUIGI PIRANDELLO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Luigi Pirandello. (1867-1936) es, sin lugar a dudas, uno de los
mayores y más originales dramaturgos de nuestro siglo. Algunos datos de su
biografía pueden hacernos entender el origen de su obra narrativa y dramática,
su temática, enfoques, procedimientos peculiares y obsesiones. Hijo de un rico
propietario de minas siciliano, Pirandello cursará sus estudios en Alemania, en
donde obtiene su doctorado en filosofía pura. A los veintiséis años se casa con
la hija de uno de los socios de su padre. Pero la empresa acaba en la ruina,
arrastrando con ella a las dos familias. Su mujer se vuelve loca sin que llegue
jamás a recobrar la razón. Pese a ello no es internada hasta 1919, más de
quince años después de enfermar. El dramaturgo vive a su lado, mezclando la
generosidad y la paciencia con la reflexión sobre sí mismo y sus circunstancias
y la meditación profunda sobre la condición humana. La mujer, en cambio, lo
culpará obsesivamente de infidelidad. En Enrique IV encontramos ecos de estas
vivencias personales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Hasta 1910 Pirandello es un perfecto desconocido. A partir de
entonces se afirma como gran narrador y no menor dramaturgo. Dejando aparte ese
teatro costumbrista, en siciliano, del que es justo citar Liolà (1916), sus
cuatro grandes obras dramáticas son: A cada uno su verdad (1916), Seis
personajes en busca de autor (1921), Enrique IV (1922), y Esta noche se
improvisa (1930). A ellas habría que añadir algunas obras breves de la calidad
de El hombre de la flor en la boca, y un gran drama que andaba a punto de
acabar en el año de su muerte: Los gigantes de la montaña.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En conjunto, la obra de Pirandello se nos presenta como una
reflexión sobre el teatro considerado como el marco y el género más adecuado
para una reflexión vital sobre los grandes Interrogantes del hombre y de la
vida; del hombre enfrentado con los grandes problemas de la existencia (el ser,
el parecer, la verdad, el tiempo, la muerte) y del hombre enfrentado a sí
mismo. Una de las innumerables sentencias acunadas por este dramaturgo-pensador
nos. advierte que "el hombre vive y no se ve". Aparentemente
Insignificante, esta frase viene a decirnos que, en muchísimas ocasiones,
nuestros sentimientos, nuestros juicios y nuestros comportamientos pecan de
falsedad debido a que no nos detenemos en el examen de nosotros mismos. Huimos
de los espejos que nos devuelven nuestra imagen, o somos Incapaces de
interpretarla. Por ello mismo, el teatro se presenta como el gran espejo,
puesto que en él el hombre se nos muestra como en un escaparate, solo o en
pugna con los otros, para ser contemplado por una colectividad a la que hay que
incitar para que salga de su pasividad. Esta filosofía no está tan alejada de
la que Brecht propugnará para el público de su teatro épico, aunque las
finalidades entre uno y otro puedan variar. En Pirandello hay una mayor
preocupación psicológica y diríamos que incluso metafísica; en Brecht prima
particularmente su preocupación ética por la liberación socio-histórica del
ciudadano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El teatro le aporta a Pirandello nuevos motivos de reflexión: la
ilusión, la máscara, la denegación... Pero, ¿no es también todo eso la vida
misma? La innovación mayor de este autor reside en su intento por profundizar
en la ilusión escénica que le llevará a ensayar distintos procedimientos para
que el espectador cambie su modo tradicional de enfocar lo que pasa en escena.
Pirandello hace difícil que el espectador se identifique con sus personajes por
la sola vía del sentimiento. Antes bien, parece hacer su aliada a la razón.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Para conseguir estos efectos, el autor intenta romper con la
ilusión escénica, enfrentando comportamientos vitales a comportamientos
teatrales. Así, en Seis personajes en busca de autor el espectador asiste de
entrada al ensayo de una obra del propio Pirandello titulada El juego de las
partes. En esto se presentan en el teatro seis personajes: el Padre, la Madre,
la Hijastra, el Hijo, el Jovencito -que es otro hijastro de catorce años- y una
Niña de cuatro. Frente a la historia expuesta en el ensayo, estos intrusos exponen
al director y a sus actores otra historia real como la vida misma: sus propias
existencias. Pirandello, con este artificio, parece pretender que el espectador
no tome a estos personajes como seres de teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En Enrique IV, la perspectiva desde la que enfoca la realidad es
la locura. Para curar al tío materno del Marqués de Nolli, que, a raíz de un
golpe en la cabeza, se cree Enrique IV, el doctor Genoni transforma a todos los
amigos y familiares del loco en personajes de época. Lo curioso es observar cómo
el loco, con el que todos están fingiendo, empieza a recobrar poco a poco la
razón juzgándoles ahora a ellos, para lo que no encuentra mejor medio que
seguir aparentando su enfermedad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En El hombre de la flor en la boca, por poner un último ejemplo el
autor enfrenta a un personaje, que sabe que en breve ha de morir, con otro
normal y corriente. Este último se encuentra agobiado por una serie de
problemas que, como es de suponer, al primero le parecen triviales y sin
importancia comparados con los suyos. Dos modos distintos de enfocar la
existencia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">No es fácil el teatro de Pirandello; ha influido considerablemente
en los existencialistas, absurdistas, en el español Jacinto Grau, en Genet,
Weiss, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">5.
EL TEATRO POLÍTICO DE ENTREGUERRAS: PISCATOR<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Hacia 1923 comienza ya a sentirse el cansancio de los espectáculos
expresionistas. El momento histórico parecía exigir modos escénicos más
realistas. El expresionismo dejó así paso a la llamada Nueva Objetividad (Neue
Sachlichkeit) y a un teatro marcadamente político.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Este teatro tuvo su máximo representante en el gran director, que
se inicia con los expresionistas, Erwin Piscator (1893-1966). Tras abandonar
pronto el expresionismo se lanza abiertamente al teatro concebido como un
instrumento de propagación de la ideología marxista, de signo marcadamente
comunista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Piscator recluta a aficionados, más que a profesionales. Le
interesa más el testimonio y la denuncia que la calidad estética del producto.
En su afán por adoctrinar al pueblo en la lucha de clases, buscará al
espectador proletario en sus propios espacios —un taller, una fábrica, una sala
de reuniones de obreros, una cervecería—, a los que convertirá en escenarios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El ejemplo de Piscator prendió en las organizaciones de izquierda
durante el periodo de entreguerras. A imitación suya, veremos florecer, dentro
y fuera de Alemania, un sinfín de grupos de aficionados y semiprofesionales
entre los que, a veces, batallaron artistas de calidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Recordemos el caso del Groupe Octobre francés, de los hermanos Pierre
y Jacques Prévert; o los grupos españoles: La barraca de Lorca, Misiones
Pedagógicas de A. Casona, o el teatro de guerrilla de Alberti-Teresa León...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Con la mirada puesta en su público y en la finalidad del
espectáculo, este teatro político popularizó un subgénero peculiar de
"pieza" escénica: las actualidades. Consistían éstas en unos sketches
en los que comentaban y caricaturizaban, siempre que venía al caso, a los
personajes y noticias del momento. Las actualidades eran una especie de periódico
escenificado. Otro género popular fue el drama histórico, presentado como
parábola de fácil interpretación para criticar el presente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Piscator expuso todas estas teorías y experiencias en un texto
interesante titulado precisamente El teatro político. Tras la Segunda Guerra,
este tipo de teatro perdió interés en Europa Occidental. En España y en
Latinoamérica, sin embargo, siguió interesando. Perseguido por dictaduras y
oligarquías de derecha, los grupos progresistas supieron obviar la vigilancia y
las censuras en algún momento, o aprovechar descuidos o cansancios del Poder
para mostrar sus productos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La historia del teatro español, portugués y latinoamericano no
deberá olvidar el capítulo de su Teatro independiente. En ocasiones, este
teatro, con más voluntad que medios, intentó la evolución del arte escénico. De
resaltar la labor de algún grupo —con la injusticia que implica para tantos y
tantos colectivos— mencionaríamos la labor de Los goliardos, en España; la
continuada labor de los actores de Coimbra, en Portugal; el Teatro de la Arena,
de Sao Paulo, en Brasil, dirigido por G. Guarnieri y Augusto Boal.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Pero Piscator, que no abandonará nunca su vertiente política (ni
este teatro, al que volverá, en los suburbios de Berlín, hasta la ascensión de
Hitler), se consagrará pronto a montajes de calidad en Alemania, en Estados
Unidos, a partir de 1939, y, de nuevo en Alemania desde 1951. En sus grandes
montajes era amigo de distribuir la acción por diversas plataformas, de los
efectos de movimiento casi cinematográfico para el que usaba de la escena
giratoria, las proyecciones filmadas, altavoces, pancartas, movimientos de
actores y comparsas...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Dejó escrito: "El factor heroico de la nueva dramaturgia no
está ya en el individuo, en su destino personal particular, sino más bien en
nuestra época, en el destino de las masas... El hombre en escena adquiere el
valor de función social." Las ideas y la práctica de Piscator influyen sin
duda en... Bertolt Brecht.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">6.
BERTOLT BRECHT<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La personalidad artística de Bertolt Brecht (1898-1956)
transciende por momentos el tiempo histórico de su actividad teatral. Originó
un fenómeno de gran interés, pues desarrolló su práctica escénica según unas
directrices reguladoras, que fueron reciclando la experiencia, pero que
terminaron por construir una teoría revolucionaria. De esta manera transformó
el drama europeo. Tras su muerte, pasó a ser dios de algo más que un estilo
teatral, el brechtismo, que fue seguido fielmente por sus imitadores. Pronto el
fenómeno mostró sus limitaciones, porque faltaba él para ordenar sus escritos,
y decirnos cómo había que entenderlos, e incluso cómo continuarlos. Con el
tiempo, y las correctas lecturas que han hecho algunos de sus estudiosos, se ha
mostrado la originalidad de la experiencia, la enorme importancia de sus
postulados —desde los primeros impulsos expresionistas hasta su gran
dramaturgia marxista—, pero también la inicial miopía de correligionarios que
poco o nada sacaron en claro de sus experiencias, intentando embalsamar-las al
ponerlas en las antípodas del aristotelismo. Era la mejor manera de que
quedaran inmovilizadas para la historia. Pero Brecht, como buen creador, ha
sido mucho más grande tras su muerte que en vida, en donde no terminaron de
confiar en sus experiencias. Después de un periodo de alabanza sin más, es
cuando se ha podido explicitar la entidad de sus propuestas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Breve
panorámica de su producción escénica<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Yo,
Bertolt Brecht, vengo de los bosques negros. Cuando me trajo a las ciudades<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">mi
madre me tenía en su vientre todavía.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El
frío de los bosques permanecerá en mí hasta la muerte.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Para entender la obra y teoría de Brecht hay que partir de una
trayectoria autoral y expresiva muy variada en sus primeros años; no se puede
decir nunca que es contradictoria, porque asimiló bien todos los movimientos
artísticos y literarios que proliferaron en Europa. A finales de la Primera
Guerra Mundial, por ejemplo, lo encontramos en Munich. Escribe la primera
redacción de Baal (1918), que nos recuerda a Rimbaud, por quien siente profunda
atracción.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Juntaba combinaciones de palabras de resonancia sensorial, de
palabras que tenían un espesor y un color determinados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Los años 20 lo acercan a las teorías de Marx. Habiendo colaborado
con los movimientos espartaquistas de Munich, dedica su obra Tambores en la
noche (1920) a la sofocada rebelión de Berlín, producida un año antes. Brecht
empieza ya a mostrar una Alemania fracasada. En la jungla de las ciudades
(1922) inventa una América alucinante, kafkiana y mistérica. Por entonces
Brecht no es más que un joven médico con clara vocación poética. Las claves de
su formación hay que buscarlas en las relaciones con gentes como Karl Valentín,
Erich Angel o Carola Neher. Influido por el primero, conocido actor bávaro,
redacta piezas en un acto, más propias de cabaret que de teatro. Al tiempo,
ejerce la crítica teatral. El hecho de conocer en 1923 a la actriz Helene
Weigel marcará definitivamente su vida, en el terreno afectivo y en el
profesional. Brecht trabajaba como dramaturgo en un teatro muniqués, para el
que adapta la significativa obra de Marlowe Vida de Eduardo II de Inglaterra.
Recordemos que el término dramaturgo utilizado (en alemán, dramaturg) no se
corresponde exactamente con la acepción castellana de dramaturgo. El dramaturg
alemán es algo así como el adaptador de textos, aunque con mayor capacidad
creativa que el simple refundidor, pues puede seleccionar fragmentos de
distintas obras, diferentes poetas, incorporar canciones, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En Munich inicia el trabajo de adaptación de textos de otros autores,
a los que imprime una personalidad especial. Realiza un tratamiento riguroso
del original, dentro de una libertad de orden y agrupamiento secuencial propio
del punto de vista subjetivo del expresionismo. Había visto trabajar a Piscator
y aprovecha esta experiencia para buscar una nueva dimensión en los productos
teatrales manejados. En la desnudez y agresividad del texto marlowiano tuvo
buen campo de experimentación. Y no debió irle mal del todo la prueba, pues
enseguida continuó su oficio de dramaturgo en el Deutcher Theater de Berlín,
que estaba en manos de Max Reinhart. Es, como vemos, un momento de plena
actividad, pero también de intensa formación junto a los más importantes
directores del momento, de los que, sin dudar, el joven Brecht aprendió su oficio.
Su actividad literaria se potencia con la participación en la creación del
colectivo "Grupo 1925", en donde también están Dublín, Tucholsky y
Becher. Trabaja en su obra Un hombre es un hombre, que estrenará al año
siguiente, 1926, así como en La boda. La primera es un duro ataque al
colonialismo. Por este tiempo, Brecht lee con avidez filosofía marxista,
lectura que va dejando huella en su obra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Soy
amable con la gente. Llevo<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">un
sombrero hongo según sus costumbres.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Digo:
estos animales tienen curiosos olores.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Y
digo: tanto da, yo también.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En 1928 produce su primer gran texto, La opera de perra gorda,
es-trenado en Berlín, que no deja de ser, empero, uno de sus característicos
arreglos de una obra anterior, en este caso, La opera del bandido, del autor
inglés del siglo XVIII, John Gay. Introduce Brecht, funda-mentalmente, letras y
canciones originales, para las que cuenta con el compositor Kurt Weill. También
con el elemento musical en portada, escribe Esplendor y decadencia de la ciudad
de Mahagonny (1929), El vuelo de los Lindberg (1929), Pieza didáctica de
Baden-Baden (1929) y La decisión (1930). La primera es una auténtica alegoría
poética, no obstante Brecht se siente, por entonces, tan autor lírico como
dramático. Es un momento en el que produce un didactismo para el que busca los
medios escénicos más adecuados: sencillez expositiva, diálogos muy cortantes y
esquemáticos y el uso de la parábola como línea dramática. No se contenta, como
Piscator, con una simple teatralidad en la exposición, sino que la enriquece
con una cuidada literatura, en donde nunca pierde el sentido del humor ni la
ironía, como base del discurso estético. El estreno de Mahagonny, en Leipzig,
es saludado con curiosidad, pero también con entusiasmo. Algo nuevo afloraba en
la escena europea. Es también el año en que inicia La excepción y la regla,
periodo de pleno teatro didáctico, en donde proliferan muchos de sus más
importantes textos teóricos del principio de su ejecutoria.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La popularización de la radio, como elemento de rápida difusión
informativa y cultural, le lleva a realizar diversas adaptaciones para ese
medio, que parece dominar con pulcritud. Su obra Santa Juana de los mataderos,
que había escrito un par de años antes, inspira-da en una narración de
Elisabeth Hauptmann, se estrena en la radio en 1932. En esta línea de
refundiciones, escribe La madre (1932), siguiendo fielmente la novela de Gorki.
Su condición ideológica le reporta los primeros problemas con la censura
alemana. Comienza a redactar Cabezas redondas y cabezas puntiagudas, cuyo
fuerte simbolismo proyecta una terrible sátira contra la ya imparable filosofía
nazi, al igual que Los Horacios y los Curiacios (1934). Para entonces ya se
encuentra Brecht en el exilio en Praga, junto a su familia, iniciado tras el
incendio del Reichstag, en febrero de 1933; un exilio que durará bastantes
años, y en el que, sin patria —porque hasta su nacionalidad alemana perdió—,
condensará su teoría, merced a una obra dramática que iba subiendo sin parar a
los escenarios, estuviera donde estuviera. De Praga pasó a Viena, Zurich,
París, Thurá y Skovsbostrand (Dinamarca), en donde se instala. Desde allí
realiza numerosos viajes (París, Londres, Moscú). El estreno de La madre en
Nueva York, 1936, le lleva a una larga estancia en la ciudad norteamericana. En
1935, ha iniciado su obra Terror y miseria del III Reich, a base de pequeñas
piezas que presentan, como enorme fresco dramático, los desmanes de las
dominaciones nazis. Helene Weigel estrenará ocho piezas de dicha obra en
Copenhague, en 1938. En la misma ciudad había presentado Los fusiles de la
madre Carrar, estrenada un año anterior en París, en donde Brecht había
participado en el Congreso Internacional de Escritores, reunidos bajo el tema
de la Guerra Civil española. Todavía en 1938 empezaría La vida de Galileo, cuyo
primer título era La tierra se mueve.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Y
dicen: vendrán mejores tiempos. Y yo<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">jamás
les pregunto: cuándo.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En el 39 marcha a Suecia, pues se presentía la llegada de las
tropas nazis a Dinamarca. Vive allí un año, cerca de Estocolmo, y comienza los
trabajos de El proceso de Lúculu, Madre Coraje y sus hijos y La persona buena
de Sezuán. Es curioso, pero junto a un periodo de viajes, huidas e
incomodidades empiezan a surgir los grandes textos que situarían al autor en cabeza
de la dramaturgia europea. Es un momento en donde evoluciona de una posición
eminentemente didáctica, que trasluce una preocupación política evidente, a la
plena madurez de la creación total. Y también, como espectacular paradoja, se
produce el paso de una dramaturgia de tintes revolucionarios a otra inserta en
las tendencias del momento, aun sin olvidar que contiene todas y cada una de
sus innovaciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">De Suecia debe seguir huyendo a Finlandia, en donde redacta su
espléndida obra El señor Puntila y su criado Matti, inspirada en cuentos de
aquel país. Poco más de un año vive allí, pues se traslada a Moscú, para
enseguida embarcar hacia California. Cerca de Hollywood se encuentra con muchos
de sus colegas y amigos alemanes exilia-dos, como Peter Lorre, Fritz Lang, Paul
Dessau, Heinrich Mann o Ferdinand Bruckner. Comienza a redactar La resistible
ascensión de Arturo Ui, parábola sobre el gansterismo americano, cuyo telón de
fon-do es el gansterismo nazi, y Las visiones de Simone Marchard, en
colaboración con Lion Feuchtwanger, terminada en 1943. Acepta trabajar con
algunos de sus viejos camaradas, y aparece como guionista de películas
americanas. Su labor práctica de escritor no cesa, como lo demuestra Schweyk en
la Segunda Guerra Mundial, cuyo papel principal lo hizo pensando en Peter
Lorre. Sus obras empiezan a traducirse al inglés. Estrena ahora Terror y
miseria..., aunque con el título de The' private life of the Masterrace, y Vida
de Galileo, con dirección de Charles Laughton. Esto último sucede en 1947,
cuando Brecht ha de comparecer ante la Comisión de Actividades Antiamericanas.
Es el principio de su salida de los Estados Unidos. A finales de ese mismo año
está en Suiza, trabajando en una versión de Antígona. De su paso por América
dejó el estreno de El círculo de tiza caucasiano, al que no pudo asistir,
escrito en 1944.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 49.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Raza
frívola, nos hemos cerrado<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 49.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">en
casas que creíamos indestructibles.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 49.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">De
esta forma hemos construido los altos inmuebles de la isla de Manhattan y las
débiles antenas que dialogan por encima del Atlántico.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Su largo peregrinar acaba. En octubre de 1948, tras haber vivido
cerca de Zurich, se establece definitivamente en Berlín Este, en donde dirige
Madre Coraje, en colaboración con Erich Engel. Es el año en el que escribe
"El pequeño Organon", auténtica compilación de las ideas escénicas
que ha llegado a experimentar y definir en su trayectoria de hombre de teatro.
Posteriormente entraremos en su consideración. En 1949 funda el Berliner
Ensemble, teatro estable en donde, por fin, Brecht desarrollará una labor
práctica continuada, sin los sobresaltos de los últimos años. El autor entonces
cuenta con cincuenta años, y muchas posibilidades de realizar una larga y
tranquila labor. Todavía escribe un texto, Los días de la Comuna, inspirado en
La derrota, de Grieg, que a la postre será su última obra compuesta, pues
Turandot, o el congreso de los lavanderos (1954) no terminó de revisarla.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El trabajo de Brecht, desde 1949, se concreta en poner en marcha
el Berliner Ensemble, con obras propias o no, salir a dirigir producciones
fuera de su residencia y cuidar la publicación de poemas y textos teatrales
teóricos. En 1954 llega con su compañera a París, y logra el reconocimiento
total de la crítica europea. Quizá, hasta entonces, la obra de Brecht no había
sido tenida en cuenta en su integridad. Pero poco le queda de vida para
ratificar ese reconocimiento, pues en 1955, preocupado por la continuidad de su
labor, escribe a la Academia de las Artes de Berlín sobre las medidas que
habrían de tomarse en caso de fallecer. Un año después, en pleno ensayo de la
Vida de Galileo, muere de infarto de miocardio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Sabemos
que somos provisionales.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Y
que después de nosotros nada ocurrirá que valga la pena de ser comentado.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La
teoría teatral de Brecht<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Es significativo que ya en 1956, Roland Barthes dijera:
"Carece de riesgo profetizar que la obra de Brecht va a ser más importante
cada vez, no sólo porque se trata de una gran obra, sino también porque nos
encontramos ante una obra ejemplar; brilla, al menos hoy, de forma excepcional
en la mitad de dos desiertos: el del teatro contemporáneo y el del arte
revolucionario, estéril desde los comienzos de la burocratización." En
efecto, Brecht ha legado una importante herencia en sus textos teóricos, que
fue conformando a lo largo de su vida, y que se atreve a presentar, ordenados,
en 1948, en el conocido opúsculo "El pequeño organón". Resumamos,
pues, sus ideas principales, basándonos en ese artículo, sin entrar en el
proceso de gestión, en la solapación de pensamientos, en las contradicciones
que todo artista conlleva y en todo cuanto pudiera aclarar, pero no definir,
los puntos esenciales de su dramaturgia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Para Brecht, el teatro debía ser consecuente con el momento
histórico en que uno vive. Y su realidad exigía una escena racional,
científica, precisa y objetiva. Su propia vida le hace conocer directamente la
injusticia social, a la que combate desde sus dramas. En el primer punto del
"organon" da esta definición: "El teatro consiste en representar
figuraciones vivas de acontecimientos humanos ocurridos o inventados, con el
fin de divertir. Esto es, en todo caso, lo que damos por supuesto en este
escrito, y tanto al hablar del teatro moderno como del antiguo." Brecht se
va a plantear el fin mismo del drama y sus objetivos, más que su esencia. Es en
lo único en que se aparta abiertamente de Aristóteles, habida cuenta del
sentido contemporáneo de la función del teatro en nuestro siglo. Si Nietzsche
denunciaba la funcionalidad del fenómeno dramático como ilusión burguesa, Brecht,
desde planteamientos basados en el materialismo histórico, conduce aquella
funcionalidad hacia el sentido político del teatro, a partir de criterios de
utilidad y eficacia del arte. Esta es la encrucijada del discurso
antiaristotélico de Brecht, ya que a partir de ahí, la catarsis se convierte en
enajenación, cosa que rechaza y cambia por la mirada extrañada ante la fábula
escénica. "El rechazo de la identificación —dice Brecht en sus Escritos
sobre teatro— no surge de un rechazo de las emociones, ni conduce a ese
rechazo. Precisamente el deber de la dramática no aristotélica consiste en
demostrar la falsedad de las tesis de la estética vulgar, según la cual las
emociones sólo pueden ser producidas por la vía de la identificación. Sin
embargo, una dramática no aristotélica debe someter a una cuidadosa crítica
toda emoción condicionada por ella y por ella materializada."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El efecto de "extrañamiento" o
"distanciamiento" brechtiano (Verfremdungseffect, en alemán)
—avanzado en cierta medida por Schkowskij, en 1917— fue utilizado por primera
vez, por Brecht, en las notas a Cabezas redondas y cabezas puntiagudas,
estrenada en 1936: "Ciertas incidencias de la obra, mediante ruidos,
música entre bastidores y el juego del actor, deberían, en tanto que escenas cerradas
en sí mismas, quedar convertidas en algo extraño al mundo de lo cotidiano, de
lo evidente y de lo esperado." En el punto 42 del "organon"
describe el efecto: "Representación distanciadora es aquélla que permite
reconocer el objeto, pero que lo muestra al propio tiempo como algo ajeno o
distante (freud). El teatro antiguo y medieval distanciaba a los personajes con
máscaras de hombres y animales. El asiático emplea todavía hoy efectos
musicales y mímicos. Estos efectos impiden, sin duda, la identificación
(Einfühlung) y, sin embargo, esta técnica se basa en un fondo de hipnotismo y
sugestión, en un grado mayor que aquella técnica que busca la
identificación". Este tipo de teatro que pone en práctica Brecht, tras su
muerte la mayoría de los creadores europeos lo denominan "épico",
para resaltar la necesidad de establecer una distancia semejante a la que los
antiguos espectadores establecían con las narraciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Tales postulados se materializan gradualmente en la praxis de sus
grandes textos dramáticos. Cuando los hijos de Madre Coraje admiten su
participación en la guerra, se une de manera dialéctica el Brecht teórico y el
Brecht práctico. Los héroes dejan de tener una única perspectiva. Llegan al
espectador "extrañados", transportados unos metros más allá de donde
creíamos que estaban. Claro está que para conseguir tales logros, la
interpretación, los decorados, la iluminación, la música, todos los lenguajes
del teatro, han de contar con un grado de empleo, que no todos los creadores
son capaces de ejercer.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Finalmente, para explicar la experiencia brechtiana se suele usar
un cuadro, que si bien reduce la riqueza expresiva del método, también es
didáctico en su esquema, para mejor comprender lo que separaba al autor del
teatro dramático al uso. Aquí lo ofrecemos abreviado:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">FORMAS
DRAMÁTICAS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">FORMAS
ÉPICAS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se actúa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se envuelve al espectador en una acción escénica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se absorbe su actividad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se le hace experimentar sentimientos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se ofrecen vivencias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El espectador es introducido en algo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Sugestión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se conservan las sensaciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El espectador simpatiza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El hombre es algo conocido.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El hombre es inmutable.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La tensión aparece desde el principio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Cada escena está en función de la siguiente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La acción es creciente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El pensar determina el ser.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Expresión de sentimientos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se narra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se hace del espectador un observador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se despierta su actividad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se le obliga a adoptar decisiones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se ofrecen imágenes del mundo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se sitúa al espectador frente a algo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Argumento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Las sensaciones conducen a una toma de conciencia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El espectador estudia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El hombre es objeto de investigación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El hombre es mutable.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La tensión está en todo el desarrollo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Cada escena tiene sentido en sí.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La acción es oscilante.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El ser social determina el pensar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Expresión de la razón.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Brecht supone un paso adelante en la consideración social del
teatro, al que añade la originalidad de tratarlo como el producto artístico que
es, nacido del hombre y para los hombres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">(BERTOLT BRECHT.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">I. PEQUENO ORGANON<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">1. EI "teatro" consiste en representar figuraciones
vivas de acontecimientos humanos ocurridos o inventados, con el fin de
divertir. Esto es, en todo caso, lo que damos por supuesto en este escrito, y
tanto al hablar del teatro moderno como del antiguo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">4. Esto es lo que, Según Aristóteles, pretendían los antiguos con
sus tragedias: nada mas alto ni nada más bajo que el divertir a la gente.
Cuando se dice que el teatro tiene su origen en el culto, lo único que se dice
es que el teatro llegó a serio mediante una selección: no tomó de los misterios
su misión litúrgica, sino el placer que procuraban, pura y simplemente. Y la
catarsis aristotélica, la purificación mediante el temor y la piedad, es un
lavado que no solo se festejaba placenteramente, sino con el especial propósito
de divertir. Exigir más del teatro, o concederle más, es proponerle un objetivo
inferior al que le es propio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">33. El teatro que ya encontramos hecho muestra la estructura de la
sociedad (representada en la escena) como no influenciable por la sociedad (la
que se sienta en las butacas del teatro). Edipo, que pecó contra algunos
principios que mantenían la sociedad de su tiempo, es castigado por los dioses
a quienes no se puede criticar. Los grandes personajes de Shakespeare, que
llevan la estrella de su destino en el pecho, cumplen su irremediable y mortal
trayectoria, y se matan; la vida, y no la muerte, resulta obscena en su
derrota, ya que la catástrofe no es criticable. Por todas partes víctimas
humanas! ¡Bárbaros entretenimientos! Sabemos que los bárbaros poseen un arte.
¡Hagamos nosotros otro distinto!<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">7.
ARTAUD Y LA DESTRUCCION DEL TEATR</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">O<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 28.5pt; margin-right: -6.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En realidad, Antonin Artaud (1896-1948) no pretendió destruir el
teatro en sí, ya que su evolución como actor, director y teórico se encamina a
defender el teatro como forma de expresión y de vida del hombre, frente a los
intentos surrealistas que pretendían su muerte. Lo que sí es cierto es que
Artaud propuso un teatro cuya concepción era radicalmente distinta de la del
teatro tradicional que hasta él llegaba, con contadas excepciones. Para que ese
nuevo teatro fuera posible, era preciso acabar con el anterior, al menos por
parte de quienes lo intentaran. Por otro lado, el teatro que Artaud quería se
oponía al teatro digestivo, reconfortante, que no cuestiona al espectador en su
ser interior ni en su ser social. A cambio, propondrá un teatro inquietante,
destructor, revolucionario, siempre en el sentido que a estos términos hemos de
dar dentro de la teoría artaudiana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Ante la lectura de El teatro y su doble, que reúne escritos de
1931 a 1933, los actores y directores de los años 50 no sabían si estaban ante
un crítico, un creador o un visionario iluminado. Con la distancia que
proporciona casi medio siglo, comprendemos que las ideas de Artaud son el
resultado de un proceso de maduración interna del escritor, desde dentro del
teatro. Por otro lado, es fusto indicar que tales propuestas se vieron
favorecidas por anteriores intentos destructivos, como los ya citados de Jarry
y los surrealistas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">II.
EL TEATRO Y SU DOBLE<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">(Antonin Artaud, El teatro y su doble.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Romper el lenguaje para alcanzar la vida: en eso consiste hacer o
rehacer el teatro [...] Y lo importante es que no todos pueden conseguirlo, que
se necesita una preparación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Esto nos lleva a rechazar las limitaciones habituales del hombre,
a multiplicar hasta el infinito las fronteras de lo que se denomina realidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Hay que creer en un sentido de la vida renovado por el teatro, en
el que el hombre, impávido, se vuelve dueño y señor de lo que aún no es, y lo
haga renacer. Y todo lo que no es puede siempre nacer, con tal de no
contentarnos con seguir siendo simples órganos de grabación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Igualmente, Cuando pronunciamos la palabra vida, es preciso que
entendamos que se trata no de la vida reconocida en el exterior de los hechos,
sino de esa especie de frágil y agitado hogar al que no alcanzan las formas.
Que si todavía existe algo infernal y verdaderamente maldito en este tiempo,
ese algo consiste en continuar artísticamente con las formas en vez de ser como
ajusticiados en la hoguera que hacen signos en las llamas...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Los planteamientos del surrealismo, a partir de 1924, no dejaban
mucha opción al teatro. La búsqueda de una escritura generalizada, en contacto
con la totalidad de la vida del hombre, surgida de él, atentaba directamente
contra los géneros literarios en vigor: novela, poesía, diarios, teatro... La
escena debía perder todos sus caracteres distintivos: intriga coherente,
psicología de los personajes, verosimilitud. André Breton, fundador del
movimiento superrealista, achacaba al teatro su falta de autenticidad, y no
llegaba a comprender que un creador pudiera dejarse representar en escena por
el actor de turno. Cegados en su afán destructivo, Breton y sus adeptos no
llegaron a imaginar que el teatro surrealista era posible, a poco de aplicar a
este género las técnicas compositivas que propugnaban para el arte en general:
onirismo, resurgir de la infancia, escritura libre que dejase actuar al
inconsciente, irracionalismo, humor... Tampoco supo ver en las obras de sus
contemporáneos ejemplos de aplicación de la teoría. No conoció, por ejemplo, en
su momento los títulos de dos grandes obras de García Lorca, escritas en las
mismas fechas de las reuniones surrealistas de París: El público y Así que
pasen cinco anos. También Ramón Gómez de la Serna se había adelantado al
dadaísmo con su curioso teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Artaud fue un entusiasta del grupo surrealista, hasta su expulsión
por Breton en 1925. Cuando llegó a Paris, cinco anos antes, lo mejor que
encuentra de teatro es lo que esta haciendo Lugné-Poe y Charles Dullin. En el
Atelier de este último trabaja como actor; decía del maestro que sabía alcanzar
"la mística de la escena". Consideraba a Dullin muy superior a Craig,
Appia y los directores rusos. Sin embargo, poco a poco se irá distanciando de
él, como ya lo hiciera de Lugné-Poe, para acabar criticando su "mediocre
verosimilitud" en escena, y colocarlo entre los directores y actores del
llamado teatro digestivo. Con este epíteto designaba el teatro de los bulevares
de Paris, entre los que integraba también a Pitoeff y Jouvet, unánimemente
ensalzados por la crítica europea. Con esto, Artaud no salva prácticamente
ninguna experiencia escénica ni dentro ni fuera de Francia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En 1926 funda con Robert Aron y Roger Vitrac el Teatro Alfred
Jarry, que los surrealistas intentaron boicotear. La experiencia sólo duró dos
años. A partir de ahí, Artaud trabajó como actor en teatro y cine. Gracias
precisamente al cine, podemos hoy acercarnos al mito Artaud, a su peculiar
rostro, en películas como La pasión de Juana de Arco (1927),de Carl Dreyer, y
Napoleón (1928) de Abel Gance. Durante esos anos, hasta 1935, medita y redacta
sus grandes ensayos. En 1931 asiste, en París, a unas representaciones del
teatro Balinés. Fue tal su entusiasmo, que, a partir de entonces, volvió a
creer en lo maravilloso del arte de la escena y en sus poderes mágicos. Dicho
teatro le mostraba su "juego perpetuo de espejos que van desde un color
hasta un gesto, y desde un grito a un movimiento [...], en donde todo responde
como por medio de canales horadados al mismo espíritu [...]: exorcismo para que
afluyan nuestros demonios... ".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Ensayos célebres fueron La puesta en escena y la metafísica
(1932), Primer manifiesto sobre el teatro de la crueldad (1932) y El teatro y
la peste (1933). La lectura que Todorov hace de estos escritos puede ser, entre
otras, una buena guía para los mismos, siempre que estemos de acuerdo en que
Artaud rebasa todos los comentarios que sobre él se han hecho hasta la fecha.
Exponemos a continuación, una serie de puntos que marcan su progresión:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">1. Para Artaud, el teatro es un lenguaje. Pero este lenguaje
teatral tiene sus diferencias con el lenguaje articulado convencional. La
comparación entre ellos puede aclararnos lo peculiar del lenguaje teatral.
Empecemos por decir que el lenguaje convencional es sólo una parte o elemento
posible del lenguaje teatral. Su abuso ha provocado la muerte del teatro
occidental.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">2. En el lenguaje convencional usamos un sistema ya hecho. En
teatro, sin embargo, el actor debe hacer su lenguaje; algo así como si el
lenguaje no existiera y el actor, al sentir la necesidad de expresarse, debiera
crear su propio lenguaje. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 57.0pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 93.0pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">"El
lenguaje teatral se encuentra exactamente en el punto preciso en el que el
espíritu tiene necesidad de un lenguaje para, producir sus manifestaciones."<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">3. En consecuencia con lo dicho, el lenguaje en teatro será más
un, creación que una enunciación. Y si el lenguaje teatral, en cualesquiera de
sus elementos, nace de una necesidad del hombre, a 1a que va estrechamente
unido, esto debe tener una gran repercusión. Se diría que en teatro cuenta
menos lo significado (lo que se expone) que la forma en que se expone. Dicho de
otro modo, en el teatro occidental, el significante pasa desapercibido, pues al
actor y al espectador le interesa mucho más lo significado, hecho condenable
por Artaud. Aquel significante no quiere decir la imagen perceptible
sensorialmente, sino la peculiar creación de la misma hecha por el actor. Por
poner un ejemplo: a Artaud le interesa menos la pronunciación establecida por
la fonología que las mil posibilidades de emisión de la voz por parte del
actor, de las que elegirá aquellas que sienta como necesarias. En realidad,
significante y significado son inseparables, en el teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">4. En la percepción de este teatro, toman parte todas las
facultades que intervinieron en sus creaciones (anímicas y orgánicas;
conscientes e inconscientes) y no sólo la facultad intelectiva, de absoluto
dominio, el teatro occidental. Artaud afirma que este lenguaje está más cerca
del Caos que del Orden: "El lenguaje de la escena, si existe y se forma,
será por naturaleza destructor, amenazante, anárquico; evocará el Caos."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">5. Tras las premisas precedentes, el teatro se ha de entender como
un acto en el que el hombre se compromete en su integridad. De ahí que,
contrariamente al uso, un hecho teatral sea irrepetible. Cada noche, el actor
ha de volver a crearse. La idea de la repetición está prohibida. Como lo está
la improvisación a partir de un texto dado, es decir, de un pretexto, aunque sí
deba existir un postexto, de la creación). "Esas imágenes, esos
movimientos, esas danzas, esos ritos, esas músicas, esas melodías, truncadas,
serán cuidadosamente anotadas y descritas, hasta donde sea posible, con
palabras y, sobre todo, en las partes no dialogadas del espectáculo, como si se
tratase de una partitura musical." Este postexto será el verdadero texto,
más que la obra del dramaturgo o su adaptación. Hay que acabar con la tiranía
del escritor. El teatro es más, muchísimo más que la obra de un dramaturgo; en
su origen, en su proceso y en su representación al público.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">6. Hasta aquí hemos dejado entender que el lenguaje
específicamente teatral artaudiano admite entre sus signos-símbolos, todas las
formas expresivas humanas: del cuerpo y del espíritu, capaces de ser percibidas
por vía sensorial, orgánica, mental , inconsciente. Con una condición: que no
sean entendidas como manifestaciones autónomas (la música o la danza), sino
como conformantes del todo teatral. En el fondo, Artaud está actualizando y completando
las propuestas de Wagner sobre el drama lírico, yendo, evidentemente, mucho más
allá que él en su análisis del acto creador y en su manifestación externa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En suma, Artaud propone la consideración de un lenguaje de la
escena inmensamente rico, simbólico y sugerente. El lenguaje articulado, sólo
puede ser una parte de aquél, el emitido por la voz humana, o, con más
precisión, una de las posibilidades de dicha voz humana. Además, en su emisión,
su poder encantatorio ha de ser tan perceptible como sus significaciones
conceptuales. De otro modo, el teatro representado en escena, nos aclarará
Artaud, poco o nada se diferenciará del texto escrito.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Todo ello nos conduce a la finalidad del teatro, según el teórico
francés, totalmente apartada del concepto del arte por el arte. El teatro no es
ni gratuito ni utilitario. No se le pueden atribuir fines políticos o sociales
inmediatos. Ello implicaría una doble traición: al teatro y a la política. Por
contra, "el teatro debe intentar alcanzar las regiones mas profundas del
individuo y crear en él una especie de alteración real, aunque oculta, cuyas
consecuencias serán percibidas mas tarde", añade Artaud. En definitiva, se
trata de la fórmula que todos atribuyen a su poética: el teatro no tiene que
representar la vida, en lo que ésta posea de mas esencial; el teatro tiene que
ser la propia vida. Artaud sobrepasa los límites de la re-presentación; los
destruye.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Si Artaud fue tajante en el plano propiamente escénico, su rigor
no era tanto con las obras de los dramaturgos, que consideraba sometidas al
genio del creador. Sin embargo, resulta interesante saber lo que él consideró
aceptable para su teatro de la crueldad. Salvó bastante poco de lo escrito
basta él. Entre sus preferencias primeras, Ubú rey de Jarry, Victor o los ninos
al poder de Vitrac, y El sueno de Strindberg. En el manifiesto del teatro de la
crueldad nos presenta la siguiente relación, con la indicación expresa de
"sin tener en cuenta el texto":<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- algún Shakespeare;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- León-Paul Fargue;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- La historia de Barba Azul;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- La toma de jerusalem,<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- un cuento de Sade: El castillo de Valmor, adaptado por
Klossowski;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- algún melodrama romántico;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- Voyzeck, de Búchner;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">- algún isabelino.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">A Artaud le atrae en particular Séneca, en el que ve los mejores
ejemplos del teatro de la crueldad y de la peste. El mismo hizo una adaptación
del Atreo y Tiestes del dramaturgo latino. Adaptó también dos relatos que le
llamaban poderosamente la atención: El monje, novela gótica de Lewis, y Los
Cenci, según Shelley y Stendhal. Esta última la quiso llevar a escena. Todos
esperaban que Artaud mostrase en la práctica sus teorías sobre el arte teatral.
Pero el estreno de Los Cenci, en mayo de 1935, no fue precisamente un éxito.
Artaud dijo que se vio traicionado por la realización. Durozoi explicaba que el
director no llegó a expresar lo que tenia en la mente por falta de medios, de
tiempo y de materiales, pero, sobre todo, porque tuvo que plegarse a las
exigencias de la primera actriz, que era quien pagaba los gastos del montaje.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Artaud pasará a la historia del teatro como el máximo
representante del simbolismo-surrealismo, y como profeta de las modernas
vanguardias, pese a que su influencia inmediata fuese muy escasa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Un joven actor francés, que había colaborado en Los Cenci, hizo algunos
intentos por llevar a la práctica sus teorías.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Jean-Louis Barrault, que tal era su nombre, escogió para ello una
obra que permitía los despliegues poéticos, los coros, las alegorías que
desbordaran la noción psicológica de los personajes, los actos violentos, el
desgarro y el alarido, los enfrentamientos colectivos. Este texto fue la
Numancia, de Cervantes. Barrault recuerda el estreno de 1937: "En el plano
de la sociedad, yo aportaba mi contribución a los republicanos españoles,
respetaba al individuo, glorificaba la libertad. En el plano de la metafísica
del teatro, penetraba en lo fantástico: danza, realidad, superrealidad. El Río,
el Fuego, la Magia, mi teatro total."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">(A. Artaud, La puesta en escena y la metafísica.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">[...] ¿Cómo es posible que la escena occidental solo vea el teatro
bajo su aspecto de teatro dialogado?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El diálogo - cosa escrita y hablada - no constituye lo específico
de la escena, pertenece al libro; prueba de ello es el lugar que en los
manuales de historia de la literatura se le reserva al teatro, al que se
considera como una rama accesoria de la historia del lenguaje ar¬ticulado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Yo digo que la escena es un lugar físico y concreto que exige que
lo llenemos, que le hagamos hablar su lenguaje concreto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Yo digo que este lenguaje concreto, destinado a los sentidos e
independiente de la palabra, debe satisfacer ante todo a los sentidos, pues
existe una poesía para los sentidos como existe otra para el lenguaje, y que
este lenguaje físico y concreto al que estoy haciendo alusión sólo es teatral
en la medida en que los pensamientos que expresa escapen al lenguaje
articulado... Esto permite sustituir la poesía del lenguaje por una poesía en
el espacio que se desplegara en el ámbito de lo que no pertenece estrictamente
a las palabras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Veinte años más tarde, Artaud será desenterrado por los grupos
americanos y europeos más concienciados con la necesidad de un teatro entendido
como compromiso con uno mismo, con los demás y con el propio arte. Derrida
advertirá que en todos ellos -Living Theatre, Open Theatre, pánico,
Grotowski...- las simpatías y coincidencias con Artaud no excluyen
incomprensiones y traiciones al teatro de la crueldad. Derrida rechaza como no
artaudiano todo teatro no sagrado, todo teatro ideológico cuyo fin sea el transmitir
un mensaje que se agote en el acto de la palabra, todo teatro que privilegie la
palabra y no eche mano de los demás elementos escénicos; todo teatro abstracto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">8.
BECKETT Y EL ABSURDO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El irlandés Samuel Beckett pasa por ser la figura innovadora de mayor
relieve del llamado, entre otras denominaciones, teatro del absurdo. Una serie
de dramaturgos surgidos alrededor de 1950 fueron así definidos. Europa acababa
de salir de una guerra que había dejado perplejos a poetas y filósofos. Como
bien vio Wellwarth, si la sinrazón de la primera guerra mundial (1914¬1918)
hizo justamente desconfiar de la razón humana y de sus poderes en la ordenación
sensata de la historia - de donde se originó un arte antirracionalista:
expresionista, dadaísta y surrealista -, tras la segunda guerra (1939-1945), el
escepticismo se evidenció en obras en donde la lógica imperante - adulta,
socio-histórica, del poder y del orden - se ve desmentida e ironizada. Es
cuando el absurdo descubre el humor trágico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Ejemplos
del absurdo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Veamos el funcionamiento de este absurdo en un ejemplo más que
conocido. En Picnic, de Arrabal, asistimos, a una serie de comportamientos
ilógicos (absurdos): no es lógico que los padres visiten a su hijo en la guerra
para merendar; que inviten a la mesa a un soldado enemigo; que los soldados
canten y bailen en pleno combate; no es lógica la decisión del padre de parar
la guerra para que no se aburran los soldados, como tampoco lo es el modo de
hacerlo: que cada uno diga a sus compañeros que no quiere seguir luchando y que
se vayan a casa todos; y que a los generales les den panoplias para
consolarlos. La única proposición lógica es la final: una ráfaga de
ametralladora siega la vida de los cuatro personajes mientras celebraban su
decisión. La clave del absurdo, su moraleja, está en lo no dicho, en las
preguntas y respuestas que provoca en el espectador. Si la última proposición
era la lógica, ¿qué diferencia hay entre razón y locura?, ¿no estaremos
viviendo en un mundo de dementes?, ¿qué sentido tienen, entonces, las grandes
palabras, como conocimiento, solidaridad o comunicación?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El problema del teatro del absurdo está en su descodificación. Se
trata de crear elementos lo suficientemente extraños como para que el
espectador repare en ellos. La lección, de Ionesco, escrita por las mismas
fechas que La cantante calva, es otra obra significativa por su sencillez y
humor trágico. Es posible que sean éstas, junto con la citada Picnic, las obras
universalmente más representadas en la segunda mitad del siglo XX. En concreto,
las dos de Ionesco están ininterrumpidamente en cartel desde 1950 en el Teatro
de la Huchette de París.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En la escena vacía suena un timbre. Sale a abrir la Criada. Entra
la Alumna. La Criada llama al profesor. Este inicia su lección de todo: de
geografía, de historia, de aritmética y de la temida filología. Extraña lección
en tono de farsa, en la que Ionesco, en ocasiones, copia sin reparo al Molière
de EI burgués gentilhombre. Un inoportuno mal de muelas hace que la Alumna se
vaya desmoronando mientras crece la lascivia y la agresividad del absurdo
Profesor. Con la filología se explican las palabras, entre ellas
"cuchillo". Para hacer más gráfica su explicación, llevado de su
"realismo" pedagógico, el Profesor matará a la Alumna con el
cuchillo. Entra la Criada, retiran el cuerpo muerto de la Alumna. Suena el
timbre como al principio. La Criada sale a abrir a la nueva Alumna: la número
cuarenta y uno.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Muchas de estas obras absurdas, deliciosas y disparatadas, siguen
aún vivas, aunque en algún momento se hagan reiterativas y farragosas. De ahí
que las más breves sean las que mejor resistan el paso del tiempo. Aparte de
otras fuentes posibles, sus elementos nos eran conocidos en buena medida
gracias a la farsa tradicional, a las piezas breves de Courteline -considerado
como un genio por los ingleses-, a Audiberti y a precursores como Miguel Mihura
(1903-1977) y Wiltold Gombrowicz (1904-1969).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Samuel
Beckett</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Menos reconocible entre los absurdistas pareció Samuel Beckett
(1906-1989). En su aparente sencillez, su escritura dramática resulta la mas
innovadora del teatro de nuestro siglo. En nuestra opinión, su aportación al
arte escénico es legítimamente comparable a la que supuso la obra de Joyce para
la narrativa. La comparación no es ociosa, y no solo por la relación
profesional que tuvieron. Beckett fue secretario del narrador. El Ulises de
Joyce, modelo de obra abierta, lo es ante todo por su libertad de composición.
Contrariamente a lo que se piensa, su lectura puede resultar sencilla si
adoptamos el punto de vista de su escritura. Joyce, que no pone ninguna traba
al discurrir de su personaje, se limita a transcribir lo que éste piensa,
comenta, hace o dice, tal y como le ocurre en la "realidad"
extraliteraria: todo desfila por el relato, lo divino y lo humano, lo banal y
lo metafísico. Conciliar esta espontaneidad con una cuidada elaboración,
evitando que esta última no trasluzca sus esquemas, fue el secreto y la lección
de Joyce. Y la de Beckett. El drama más significativo de su teatro es, sin
duda, Esperando a Godot (1953).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Vladimir y Estragón, que se denominan familiarmente Didí y Gogo,
esperan a un tal Godot. El lugar de la cita es un cruce de caminos, cerca de un
árbol. Todo lo que hacen es exactamente eso: esperar a un señor que no vendrá
nunca. Ante esto, Didí y Gogo hablan... para matar el tiempo. Hablan del
tiempo, de los zapatos, de la Biblia... En un momento dado aparecen Pozzo y
Lucky, señor y criado. Más tarde, un muchacho llega para avisar que "Godot
no vendrá esta noche, pero que lo hará mañana". El primer acto termina con
la noche. En el siguiente, todo ocurre como habíamos visto en el anterior, a
excepción de algunos cambios. Al árbol seco le han salido unas hojas. Por su
parte, Pozzo y Lucky vuelven a aparecer, pero se les advierte más viejos. El
amo se ha quedado ciego y el esclavo, mudo. De nuevo el mismo mensaje: Godot
vendrá mañana. Vuelve la noche con su luna. Es el final de la obra. Didí y
Gogó, que habían dejado para la segunda jornada la decisión de ahorcarse,
vuelven a aplazar su decisión. ¿Hasta cuándo?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Después del estreno de la obra en Paíis, por Roger Blin, algún
crítico opinó que aquello era una tomadura de pelo; que el dramaturgo se estaba
riendo del teatro y del público con aquel bla-bla-bla que no tenía argumento
alguno, en una obra en la que no ocurría nada. Aquello estaba en las antípodas
de lo que durante más de dos milenios se venía entendiendo como teatro. Aquello
era el antiteatro. La mayor parte de los críticos fueron más comprensivos.
Hemos de señalar que el estreno tuvo lugar en el "Babylone", un
teatro para iniciados, de unos 250 asientos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Entre otros significativos textos de Beckett está Final de partida
(1957), que nos presenta una habitación siniestra habitada por una extraña
familia: Hamm, el padre, paralítico y ciego; Clov, su hijo adoptivo, que puede
andar, pero jamás sentarse; Nell y Nagg, los abuelos, dos lisiados sin piernas
metidos en unos contenedores de basura, por los que muestran sus cabezas cuando
alzan las tapaderas. Aparentemente, tampoco pasa nada. "El final está en
el principio y, sin embargo, uno sigue, se continúa", dice Hamm.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En La última cinta (1959), el viejo Krapp, sordo y reumático,
dialoga con un magnetófono, en el que "escucha" grabaciones de
juventud. Luego sigue la cinta, con su ruido sin voz, mientras Krapp mira al
vacío. En Díar felicea (1961) no parece existir referencia de lugar ni de
tiempo. Apenas si existe un personaje: Winnie, a la que vemos hundiéndose poco
a poco en un montículo de tierra. Pronto sólo se le vera la cabeza. Sin embargo
- ironía amarga o resignación -, Winnie exclamará risueña: "¡Buen día el
que va a hacer hoy, ya lo creo!"<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La parquedad de elementos, de mobiliario, de movimientos, de
luces; las voces semiapagadas, los seres insignificantes o limitados en sus
atribuciones, contribuyen a que lo poco que se nos presenta en escena alcance
un gran nivel significativo. Teatro de la descomposición, de la imposible
comunicación. Este, más que el de Sartre o Camus, fue el verdadero teatro
existencialista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Por otro lado, frente a los grupos y gritos revolucionarios,
propios del teatro en el siglo XX, Beckett opone las notaciones mínimas,
precisas, para expresar la degradación. Estos personajes, al borde de la
desesperación los unos, del no ser los otros, constituyen para quien sepa
decodificarlos sentimentalmente, un grito de tanta o mayor violencia que el de
las manifestaciones épicas o el de las resurrecciones artaudianas. El humor, la
ironía en Beckett, son de una intensa y desconsolada melancolía, y de una gran
tensión dramática: la tensión de lo no-dicho, pues en estas obras cuenta, tanto
o más que lo que vemos y oímos, el silencio y la estupefacción que provocan e
imponen. Beckett nos acerca el teatro de la mudez, al límite de la
representación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Del laconismo escénico de Beckett es un ejemplo ilustrativo
Breath, su más breve farsa, en cinco actos, sin actores, con una duración de
treinta segundos, estrenada en Nueva York en 1969:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se alza el telón sobre una oscuridad casi total: unos instantes de
negro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">De repente, una iluminación muy débil deja ver una especie de
descampado cubierto de basuras y desechos diversos. La luz permanece fija
durante cinco segundos de silencio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se oye una breve fracción del vagido de un recién nacido, seguida
de una inspiración humana amplificada, que dura diez segundos, durante los
cuales la luz va aumentando progresivamente. El màximo de luz coincide con el
final de la inspiración.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Siguen luego cinco segundos de silencio y de iluminación estable.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Se oye después una expiración amplificada que dura diez segundos,
durante los cuales la luz va subiendo. El màximo de la luz coincide con el
final de la expiración.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La iluminación coincide con el final de la expiración y es seguida
inmediatamente de una fracción de vagido idéntica a la anterior en longitud y
volumen.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Cinco segundos de silencio y luz fija.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La iluminación débil se apaga de súbito. Tras unos instantes de
oscuridad absoluta cae el telón.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Para Pérez Navarro, Pozzo había anticipado esta obra: "Nos
paren a horcajadas sobre la tumba, la luz brilla un instante, luego otra vez la
noche."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">La
poética del absurdo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Los personajes caricaturizados en Ionesco o degradados en Beckett
hiperbolizan al hombre en nuestro tiempo. Lo mismo cabría decir de los
personajes-marionetas de La parodia, de Adamov, sin nombre propio: La Madre, la
Hermana, el Mutilado, el Empleado o simplemente N. El Empleado, eufórico y
confiado, acaba ciego y encarcelado. N, pesimista, termina aplastado por un
automóvil y echado entre desperdicios por los basureros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En opinión de Adorno, este teatro crea realmente el efecto de
distanciamiento del que habló Brecht. En efecto, el público difícilmente se
identifica con toda esta galería de personajes de comportamientos tan extraños.
Al mismo tiempo, lo anormal e hiperbólico alterna con situaciones y lenguajes
de un incontestable realismo, que nadie hasta la fecha, ni siquiera los
naturalistas, habían hecho suyo, sin duda por no considerarlo teatral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Es decir, hasta ahora no se había considerado conveniente ese
hablar por hablar de las cosas más anodinas, de la realidad más simple y
casera, sin segundas significaciones. Semejante lenguaje que, según Duvignaud,
se atiene a la "lógica del pie de la letra", sólo sería posible en
boca de niños o de extranjeros, ajenos a las connotaciones del idioma y de la
historia que lo conforma. Curiosamente, algo de niños tienen algunos de los
personajes creados por estos dramaturgos extranjeros residentes en París.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Frente a la composición tradicional clásica, con su planteamiento,
nudo y desenlace, este teatro da la impresión de carecer de progresión
narrativa. Da la impresión, decimos, pues, en realidad, el dramaturgo del
absurdo suele ir introduciendo sutilmente toda una serie de signos de la
degradación que harían poco probable mantener indefinidamente las estructuras
reiterativas o circulares que vienen a suplantar la progresión aristotélica.
Así, por entenderlo una vez más con Esperando a Godot, recordemos los cambios
del acto II, de los que hemos dado cuenta, la acentuación de la impaciencia, la
tensión emocional y la aceleración del ritmo de la representación. Para
explicar la composición del nuevo teatro se ha hablado de estructuras oníricas
revisadas. Como advierte Jacquart, es necesaria esta revisión, ya que es
difícil trasladar un sueño a escena sin caer en el hermetismo o en el
simbolismo mas radicales. Por lo demás, no podemos contar nuestros sueños, sino
nuestros recuerdos de los sueños. Pero podemos extraer del sueño su falta de
sucesión lógica, sus divagaciones, el azar o lo fortuito, que sustituyen a la
causalidad aristotélica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El nuevo teatro suele echar mano de las estructuras cíclicas,
referidas ya al conjunto de la obra, ya a sus temas o proposiciones. La
secuencia final completa o repite la secuencia inicial, dando la impresión de
que todo podría volver a empezar indefinidamente. Por lo demás, al examinar
todos sus recursos formales y técnicos, hemos de concluir señalando que la
originalidad del teatro del absurdo estuvo en saber combinarlos. Muchas de
estas técnicas, como ya advirtió tempranamente Martin Esslin, están tomadas de
la plástica surrealista, del cine, novela, circo, marionetas, mimo, guiñol...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El cine está más que visible en este tipo de teatro,
particularmente el cómico de los hermanos Marx, de Chaplin, de Buster Keaton
con sus gags, sus objetos inesperados, sus sorpresas. Todos los dramaturgos
confiesan esta deuda. A la novela moderna deben algunas técnicas compositivas,
ambientes, contenidos argumentales e ideológicos. Pensemos aquí en novelistas
que han marcado la conciencia del escritor moderno: Dostoievski, Faulkner,
Virginia Woolf y, sobre todos ellos, Lewis Carroll, maestro del non-sense,
Joyce y Kafka. Por su lado, la influencia surrealista es innegable. Más
soterrada y parcial parece la de Artaud. El absurdo es un teatro de predominio
de la palabra, lo que no es precisamente muy artaudiano. Pero los efectos
revulsivos que provoca, su manifestación trágica, aunque sea por vía de la
tragicomedia, si lo acercan a los dobles del teatro: la peste, la crueldad, la
propia vida.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Por todo lo dicho hasta aquí, este teatro exige de los actores una
inmensa naturalidad. Para el intérprete del absurdo no debe existir ni la sala
ni la escena. Debe borrar su conciencia de actor para hacer abstracción de su
propia evolución, de su cultura. No ir más allá del tono y las referencias
primeras denotadas en el texto. De otro modo, traicionará a su personaje.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Ejemplos
fuera de Francia<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Indiscutiblemente, Beckett, Ionesco, Arrabal y el Adamov de la
primera etapa están considerados como los maestros del Teatro del Absurdo. Pero
éste no fue propiedad exclusiva de aquéllos en la década de los 50. Para Roland
Barthes, a finales de dicha década este teatro fue asimilado por la burguesía a
la que criticaba. Al menos, así ocurrió en Paris. Ello significó su muerte como
vanguardia. En otros países pudo tener una vida menos fulgurante y una muerte
más lenta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En Inglaterra participan de la poética absurda dramaturgos como
Harold Pinter, H. F. Simpson, J. Sanders y Tom Stoppard. Pinter nos muestra, en
sus juegos y diálogos que a veces recuerdan a Ionesco, el agobio y la opresión
que se cierne sobre sus personajes, un poco al modo de Kafka. Destacamos: La
habitación (1957), El aniversario (1958), El portero (1960) y El montacargas
(1960). A Simpson se le ha relacionado con el non-senso de Lewis Carrol, pero
acusa igualmente su conocimiento de los estrenos de París. Stoppard (n. 1937),
produce una obra más tardía. Con el absurdo se ha relacionado su Rosencrantz y
Guildenstern han muerto, donde, como en Beckett, vemos sometidos a una espera
interminable, en la corte de Dinamarca, a dos personajes secundarios del Hamlet
de Shakespeare.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En Estados Unidos, que muy pronto estará a la cabeza de las
vanguardias escénicas y artísticas del mundo, se continúa con una lenta pero
imparable evolución desde el realismo psicológico de O'Neill y, sobre todo, de
la variada producción de Williams. En Arthur Kopit (n. 1937) encontramos el
absurdo y el freudismo un tanto parodiados y caricaturizados, como en las
farsas más desbocadas del teatro francés, sobre todo en su éxito Oh, papá,
pobre papá, mamá te ha encerrado en el armario y a mí me da mucha pena (1961).
Edward Albee (n. 1928) destaca particularmente por su Historia del zoo (1959),
en la que todo parece adecuarse a ese lenguaje del pie de la letra del que
hemos hablado. Son muy conocidos, por los demás, títulos Como El sueño
americano y ¿Quién teme a Virginia Woolf?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Menos renombre han alcanzado dramaturgos europeos igualmente
relacionados con el Absurdo, como H. S. Michelsen, considerado de forma abusiva
como el Beckett alemán, o Gunter Grass, más conocido como novelista. Entre los
polacos destacan merecidamente Tadeusz Rosenwicz, con EI fichero, de clara
tendencia cinematográfica, y Slawomir Mrozek, con Tango.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">El
absurdo hispano<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">En España, al nombre de Miguel Mihura habría que añadir el de
otros autores precedentes, como Enrique Jardiel Poncela, el mismo Ramón Gómez
de la Serna, Tono y los humoristas de La Codorniz, fundada por Mihura en plena
posguerra y dictadura española (1942), y denominada "la revista más audaz
para el lector más inteligente". Quizá sea justo también recordar el humor
absurdo de Miguel Gila en sus chistes gráficos, artículos y emisiones
radiofónicas. Durante los años 40, el grupo vanguardista de los postistas
cultivó un humor en la línea del absurdo. Para Francisco Nieva, dos componentes
de este grupo, E. Chicharro y S. Sernesi, con su obra inacabada La lámpara,
prefiguran el teatro de Ionesco. Arrabal, que acusa un absurdo a lo Gila en
Picnic (1952), se alinea con Beckett en El triciclo (1952) y en la que es quizá
su mejor obra, Fando y Lis (1955). Este absurdo ingenuo se advierte en El
parque se cierra a las ocho, de F. Martín Iniesta. Al Absurdo se acerca
igualmente el autor catalán Manuel de Pedrolo, con Cruma (1957), La nostra mort
de cada dia (1958) y Técnica de Cambra (1961). En los últimos años de la
dictadura de Franco, el Absurdo fue utilizado por un grupo de autores con la
función específica de evitar la censura. Entre ellos, José Ruibal (El hombre y
la mosca, 1968), Jerónimo López Mozo (Moncho y Mimí, 1967), Luis Matilla (El
observador, 1967) y Ángel García Pintado (Las manos limpias, 1967).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">Sin duda, Fernando Arrabal (nacido en 1932) es el dramaturgo
español de mayor proyección exterior, gracias a la tendencia escénica al
Absurdo que adoptó desde sus inicios. Fue introducido en Francia por Jean-Mario
Serreau, en 1959, con un montaje de la citada Pic-nic. El dramaturgo fue
evolucionando hacia formas cada vez mas vanguardistas, siempre llenas de polémica,
y dirigidas por los mejores directores, como Savary (El laberinto), Víctor
García (El cementerio de automóviles) y Lavelli (El arquitecto y el emperador
de Asiria). Al inicio de los 60, Arrabal fue admitido en el grupo Superrealista
de André Breton. Pronto lo abandonará por considerar que éste imponía una
determinada censura moral y estética. Funda entonces el "Grupo
Pánico", en donde concilia tendencias barrocas y superrealistas. Según él,
los pintores influyen en, su trayectoria más que los dramaturgos a la hora de
dar forma a sus obsesiones, particularmente el Bosco, Bruegel, Goya y los
superrealistas Matisse, Max Ernst, De Chirico y Duchamp, junto a ellos hemos de
citar a sus autores favoritos: Dostoievski, Kafka, Lewis Carrol, Gracián,
Góngora y los dramaturgos griegos e isabelinos. Pero su principal materia
dramática procede de su biografía, deformada por la memoria y los sueños de su
infancia. De tener que resaltar las notas mas sobresalientes de esta vanguardia
arrabaliana destacaríamos: <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 57.0pt; margin-right: 28.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">a) su origen y concepción libres de censuras, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 57.0pt; margin-right: 28.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">b) el predominio de las fijaciones y de las imágenes oníricas, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 57.0pt; margin-right: 28.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">c) su carácter marcadamente psicodramático, que explica en parte
su éxito en sociedades como la americana y la japonesa, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 57.0pt; margin-right: 28.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">d) la acentuación de la relación sádica en sus personajes, <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 57.0pt; margin-right: 28.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">e) su imaginería sagrada, y <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 57.0pt; margin-right: 28.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; line-height: 115%;">f) la tendencia a la ceremonia y al teatro total.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-9475665661613869662017-10-19T10:26:00.002-04:002017-10-19T10:26:53.237-04:00Del realismo a la primera vanguardia escénica en España<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-left: 64.5pt; mso-pagination: none; text-align: center;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 20.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Del realismo a la primera
vanguardia escénica en España</span></b><b><span lang="es" style="background: #C9DAF8; font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 22.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 1.
Introducción al teatro español de principios del siglo XX<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 2.
La continuidad de la "alta comedia"<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 3.
Del naturalismo al Sainete social: el populismo escénico<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 4.
El teatro de la generación del 98: la aportación de Valle-Inclán<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1.
INTRODUCCIÓN AL TEATRO ESPAÑOL DE PRINCIPIOS DEL SIGLO XX</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La Europa posterior a la Comuna de París de 1870 definió una serie
de regímenes típicos del nuevo capitalismo, en donde se alinea la Restauración
española de 1874. El avance de los países más industrializados produjo una
potente y nueva burguesía, así como la configuración del proletariado como
clase social. Aquella idea general de ruptura existente en Europa desde la
última década del siglo XIX tuvo algún reflejo en España, aunque de manera muy
matizada. Nuestros teatros no dispusieron de renovadores escénicos de la talla
de Antoine, Stanislavski, Appia o Gordon Craig. Aunque la literatura española
sí alcanzara el reconocimiento externo, las salas se vieron pronto envejecidas
frente a las innovaciones extranjeras. Todavía el modelo por combatir era el
Romanticismo evolucionado hacia la comedia moralista, descendiente directa de
la llamada comedia lacrimosa, que encontró en la alta comedia su medio ideal de
desarrollo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En los años 20 del nuevo siglo no es difícil encontrar referencias
al arte del cinematógrafo, que tanto influirá en el escénico. Valle-Inclán sí
lo hizo con frecuencia, anunciándolo como "el Teatro nuevo, moderno. La
visualidad. Más de los sentidos corporales; pero es arte. Un nuevo Arte. El
nuevo arte plástico. Belleza viva. Y algún día se unirán y completarán el
Cinematógrafo y el Teatro por antonomasia, los dos Teatros en un solo
Teatro". Aun con retraso, en las pantallas españolas de ese tiempo se
habían presentado varias películas fundamentales en la historia del nuevo arte.
En cabeza, El nacimiento de una nación (1914) de Griffith, El gabinete de¡ Dr.
Caligari (1919) de Wiene, y Nosferatu (1922) de Murnau.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A principios del siglo XX. la escena española estaba dominada por
grandes compañías que dictaban la ley de la programación. Elencos como María
Guerrero y Fernando Díaz de Mendoza eran capaces de imponer sus gustos a los
empresarios, verdaderos artífices de la regresión del teatro español. Estos
grandes actores no permitían, en general, ser dirigidos por nadie, asumiendo
ellos mismos ese cometido. Su papel de divos, procedente del siglo anterior, se
vio reforzado. Ellos eran los que fundamentalmente vendían la mercancía
artística, con unos hábitos anticuados poco o nada desarrollados, habida cuenta
la carencia de escuelas y centros en donde aprender. Ese tipo de primeros actores
fueron también empresarios y, como tales, no se arriesgaron con programaciones
más o menos innovadoras. Tragedias rurales, alta comedia, dramas modernistas en
verso o algún clásico refundido constituían la gran oferta del teatro
profesional de entonces. Habría que llegar a la figura de Gregorio Martínez
Sierra para encontrar un tipo de empresario que buscó en lugares no comunes. Su
dirección del madrileño Teatro Eslava, de 1917 a 1926, con Catalina Barrena de
primera actriz, abrió el periodo más insólito de la escena española de
principios de siglo, por su evidente carácter innovador. Esta iniciativa tuvo
feliz continuidad con el paso de Margarita Xirgu por el Teatro Español de
Madrid, de 1928 a 1935. Similar papel desempeñó Cipriano Rivas Sheriff, discípulo
de Gordon Craig, intelectual y colaborador asiduo de la Xirgu. No obstante, su
campo de acción se limitó a los teatros íntimos o a grupos no profesionales.
Gran incidencia tuvo la creación del Teatro Escuela de Arte (TEA), en donde
Rivas Sheriff jugó un papel fundamental.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En Cataluña, la creación del Tetare Intim por Ardía Cual, en 1898,
significó la más moderna aportación a las nuevas formas escénicas. El Tetare
Intim, que aunó con exquisito gusto las corrientes modernistas y naturalistas,
consiguió una programación de corte absolutamente europeo. Entresacamos de
ella, Silencio (1898) del propio Cual, L'alegria que passa (1898) de Rusiñol,
Interior (1899) de Maeterlinck, Espectros (1900) de Ibsen, Els teixidor de
Silésia (1903) de Hauptmann, Juan Gabriel Borkman (1904) de Ibsen, y Torquemada
en el foc (1904), versión libre de la obra de Galdós.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La renovación teatral también se produjo en Cataluña gracias a
Ignasi Iglesias y Felip Cortiella, que representaron a Ibsen, aunque la
estética que generalmente aplicaron fue modernista. El propio Ángel Guimerá se
movió a caballo entre un romanticismo trasnochado y una tendencia socializante,
emparentada con el Dicenta de Juan José. En esa línea son destacables María
Rosa (1894) y Terra Baixa (1897). El ruralismo naturalista se iba tiñendo de
cierto barniz social. El campesino escenificado ya no era el del Beatus Ille,
sino un pequeño burgués, que generalmente no ocultaba sus aspectos vulgares y
rudos ante la nueva sensibilidad de final de siglo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El público de ese tiempo seguía acudiendo en masa a los teatros,
pese a que el siglo XIX, al menos desde Larra, había acuñado el término de
"crisis", referido más a la calidad que a la cantidad. El Madrid de
entonces, que no pasaba de 600.000 habitantes, mantenía un trepidante ritmo de
estrenos y reposiciones, no siempre en teatros convencionales, de la misma
manera que ocurría en Barcelona y otras importantes ciudades. Por eso el
público que seguía llenando los teatros no tenía ya las características del de
los corrales de siglos anteriores. Por ejemplo, fue perdiendo la heterogeneidad
de antaño, la posibilidad de convivir ante un mismo espectáculo, del cual
recibían, según cultura y formación, aquello que cada receptor deseaba. El
siglo XIX se encargó de seleccionar al público, pues la sociedad lo hacía en
sus múltiples vertientes. Y el procedimiento no fue otro que valorar la
condición de clase de la burguesía según sus dos máximas posibilidades:
culturales y económicas. Las primeras supeditaron la recepción de obras, que se
movían en temáticas y formas de vida de esa misma clase. El aumento de precios,
sólo accesibles a quienes pudieran costear ese divertimento, hizo el resto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El panorama de los escenarios españoles a finales del siglo XIX, a
grandes rasgos, está constituido por un teatro "de calidad", propio
de la burguesía que lo ampara y protege, que sigue las líneas generales de la
alta comedia, y un teatro menor, de consumo fácil y baja condición social de
sus protagonistas que, de alguna manera, representa a sus espectadores. El
primero, verdadero "teatro de declamación", supone el gran pacto
entre escenario y público, aunque ello no signifique, ni mucho menos, la
ausencia de crítica ni la posibilidad de atacar los mismo principios de ese
espectador, algo que está implícito en toda literatura burguesa. Su temática
refleja las dificultades de la clase media y sus problemas proceden muchos de
ellos de un querer vencer viejos hábitos decimonónicos. El teatro menor tuvo su
época dorada tras la revolución de 1868, con el sistema que se llamó
"teatro por horas", que consistía en la oferta continuada de piezas
en un acto, sátiras, parodias de éxitos dramáticos, que podrían tener música o
no, dentro de un cerrado carácter urbano con caracterización similar a la de
los sainetes. Este teatro, pese a su tono proletario, no tenía soporte crítico
alguno, y estaba destinado, en efecto, al simple consumo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2.
LA CONTINUIDAD DE LA "ALTA COMEDIA"</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Al considerar el teatro burgúes español de este periodo, hemos de
partir del reinado de JOSÉ ECHEGARAY (1832-1916), conocido político en
ejercicio por aquellos años y representante de un drama posrromántico lleno de
conflictos melodramáticos y habla grandilocuente, que se había instalado en la
confortable audiencia de este tiempo. Sus obras eran auténticos dramas de
chistera, cuyo estudio da importantes claves para la sociología de la escena de
la época. LY loco Dios (1900) se inscribe en esa serie de títulos efectistas,
que empezaban a declinar ante las nuevas corrientes que representaba Benavente.
A nadie se le oculta, sin embargo, el significado que debió tener Echegaray
dentro y fuera de España, pues fue uno de los primeros premios Nobel, en 1904.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La obra de Benito Pérez Galdós (1843-1920) anuncia una nueva
sociedad, que poco tiene que ver con la tremendista de Echegaray. De alguna
manera, muestra la existencia de un precapitalismo, con heroínas capaces de
amar y defender sus causas con la misma terquedad. El estreno de Electra
(1901), contemporáneo al de Las tres hermanas de Chejov, en la citada puesta en
escena de Stanislavski, supuso un hito en la historia del teatro de ese
periodo. Su presentación tuvo una conflictividad motivada por la inspiración
anticlerical de la obra que, al parecer, partía de las ideas que había
propuesto Canalejas frente al gobierno Silvela un año antes. El dudoso origen
de Electra, como el de Casandra y tantos otros personajes galdosianos, que,
además, servía extraordinariamente a sus planes regeneracionistas, se enfrenta
al fanatismo y oscurantismo de los antihéroes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Dentro de campos de expresión comparables, el auténtico rupturista
finisecular fue JACINTO BENAVENTE (1866-1954), mucho más en el estilo escénico
que en la forma. Ciertamente, su acierto consistió en dirigirse al mismo
espectador que Echegaray, sólo que hablándole por derecho, en la comodidad del
salón burgués, sin gritos ni alharacas. Esto le supuso el final del teatro
declamatorio, y la presencia de fórmulas emparentadas con un realismo moderno.
Aunque su primer estreno, El nido ajeno (1894), no significó acontecimiento
alguno, las bases de su nueva dramaturgia estaban marcadas: conflicto amoroso
con clásico triángulo, estilo naturalista y habilidad verbal. Todo ello
ofrecido en prosa, con lo que el diálogo era mucho más apto para sus
necesidades temáticas, despojado de la retórica de aquel verso escénico. Le
bastó a Benavente evolucionar levemente su estilo para conseguir su primer gran
éxito. La comida de las fieras (1898) lo fue, y todo por conjugar su innata
habilidad escénica con la moda modernista, de la que fue aventajado cultivador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Dramatúrgicamente, este tipo de obras dispone de una tradicional
segmentación. Tanto sus habituales tres actos, como las secuencias que
encierran, están en la línea de los autores del momento. Lo que significa un esfuerzo
por condensar el argumento en tres conjuntos de tiempo determinados, así como
la habilidad necesaria para presentar los materiales escénicos en un orden y
concierto dados. Esos mecanismos, y la adaptación del espacio como pie forzado
en donde transcurre la acción, dotan a este tipo de comedias de un evidente
convencionalismo teatral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El itinerario de Benavente prueba su enorme versatilidad temática,
siempre fiel a modos escénicos similares, presididos por una valoración de la
palabra que fue anulando los propios recursos teatrales o, mejor dicho,
poniendo éstos en función del texto. Ello condujo a una dramaturgia "sin
acción y sin pasión, y por ende sin motivaciones ni caracteres, y lo que es
peor, sin realidad verdadera. Es un teatro meramente oral", en opinión de
Pérez de Ayala. Benavente no hizo sino repetir la fórmula, con toda habilidad,
eso sí, y permanecer de espaldas a las renovaciones que en Europa se producían,
desde Irlanda (Yeats, Synge, Lady Gregory) hasta Italia (Pirandello). Y ello pese
a sus salidas estilísticas, abandonos momentáneos del salón burgués,
consiguiendo así sus mayores logros: con referentes literarios claros en Los
intereses creados (1907), conexiones con el drama rural en La malquerida
(1913), Señora Ama (1913) o La infanzona (1945), y con ambientes fantásticos en
El príncipe que todo lo aprendió en los libros (1909) o Cuento de primavera
(1892).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Realmente, Benavente significa el teatro español de principios del
siglo XX., sobre todo como parámetro referencial de lo que el público quería
ver. Sus contemporáneos Manuel Linares Rivas (1867-1938) y Gregorio Martínez
Sierra (1881-1947) se enmarcan en niveles de expresión dramática similares.
Ambos con gran prestigio, y estrenados por las mejores compañías, el primero
tiende a acentuar su mirada crítica al medio burgués, con burdos perfiles,
mientras que el segundo presenta una sociedad mucho más mistificada, ahondada
en su vertiente más amable. La conocida labor de Martínez Sierra en la práctica
teatral, auxiliado siempre por María, su esposa, alcanza una importancia
superior. Realmente es nuestro único equivalente a Meyerhold o Piscator, aunque
las comparaciones sean odiosas, y las diferencias separen evidentemente la
dramaturgia española de las europeas contemporáneas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los últimos restos de un trasnochado romanticismo, difícil de
comprender posteriormente, se deben a Eduardo Marquina (1879-1946), aunque
algunos conocidos y muchos más apreciados autores también participarán del
mismo estilo. Recordemos, con todas las reservas que queramos, la naturaleza de
Cuento de abril (1909) o Voces de Gesta (1911) de Valle-Inclán, contemporáneos
de los más conocidos títulos de Marquina: Doña María la Brava (1909), En
Flandes se ha puesto el sol (1910), Por los pecados del rey (1913) y El gran
Capitán (1916). Insistimos en las diferentes intencionalidades de ambos
dramaturgos, pero también en el reconocido prestigio del poeta barcelonés, que
fue puesto en escena por los principales actores y actrices del momento, como
Josefina Díaz Artigas, en Fruto bendito (1927), y Margarita Xirgu, en La
ermita, la fuente y el río (1927), Fuente escondida (1931) y Los Julianes
(1932). Están por estudiar algunas de las influencias de Marquina en
dramaturgos tan dispares como Federico García Lorca o Alejandro Casona.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">También el poeta Francisco Villaespesa (1877-1936) gozó de
prestigio, entre el gremio profesional y público, por la utilización de
elementos líricos en un teatro de corte histórico y romántico. 1911 fue el año
del estreno de El alcázar de las perlas; de Canción de cuna de María y Gregorio
Martínez Sierra; de Pigmalión, de B. Shaw; y de la aparición On the art of
theatre, de G. Craig.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3.
DEL NATURALISMO AL SAINETE SOCIAL: EL POPULISMO ESCÉNICO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otra de la contestaciones que surgieron al Romanticismo a finales
de siglo fue el drama social de matiz naturalista, en el que Juan José (1895),
de Joaquín Dicenta, tuvo una influencia que duró hasta bien entrados los años
30. A pesar de la continuación de esta tendencia, su mayor incidencia y
prolongación la tuvo en el sainetismo. Muchos de los autores que lo cultivaron
se formaron en el ejercicio del "teatro por horas", como Ramos
Carrión, José López Silva, Ricardo de la Vega y el propio Carlos Arniches. Esta
es la zona más equívocamente conocida como popular, ya que la galería de
personajes que utiliza son de extracción popular, aunque estereotipados en
grado sumo: el joven Manolo, pretendiente de la discreta Paloma, dominado por
la presencia de un donjuán casquivano, al que le debe algún favor inapelable; y
la sacrificada madre del chico o el acomodaticio padre de la chica,
entremezclados con alguna aventura chulesca, en donde no falta la presencia de
una tía Celestina.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Estos autores, que basan muchos de sus éxitos en partituras
pegadizas, de superior calidad a los libretos, advierten cierto cansancio
creativo en la segunda década del siglo. Es el momento final del "teatro
por horas", ahogado por el populismo del cine y las salas para el cuplé y
sus derivados. Y entonces surge el genio e ingenio de CARLOS ARNICHES
(1866-1943), empezando a configurar lo que se llamará "tragedia
grotesca". De 1914 es El amigo Melquíades, todavía inscrita como libreto
sainetesco de zarzuela, pero de 1916 será La señorita de Trévelez, su primera
obra ciertamente innovadora. Arniches presenta aquí una tonalidad social de los
ambientes madrileños, dotando a sus héroes de lo que se llamaría conciencia de
clase, que, en definitiva, fue lo que caracterizó al Juan José vicentino, e
incluso al Julián de La verbena de la Paloma. Esa circunstancia se sitúa en la
propia estructura de las obras, pues requiere que, al final, aparezca una
moralina en forma de personaje que lanza el mensaje social paternalista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Arniches, que siempre se mostró dotado para la utilización de la
palabra, fue elogiado por Pérez de Ayala en el ensayo antes mencionado, Las
máscaras, viendo acertadamente todas las novedades que, por otro lado, aportaba
ese nuevo sesgo que daba el alicantino a sus obras. La aparición de La señorita
de Trévelez en plena decadencia del sainete daba pie a una caricatura cruel y
patética de la clase media que vive el aburrimiento provinciano. En 1918, con
¡Que viene mi marido!, Arniches incorporó definitivamente el término de
"tragedia grotesca", verdadera burla de la clase media española. La boda
de un moribundo que no llega a morirse, define un tipo, el "fresco",
que llegará a popularizarse por esos años. En Los caciques (1920), otra sátira
sobre el provincianismo, ofrece también pintorescos tipos de frescos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Arniches consiguió, bien avanzada su carrera autoral, un notable
prestigio, más allá del que le dispensaba su público.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">4.
EL TEATRO DE LA GENERACIÓN DEL 98: LA APORTACIÓN DE VALLE-INCLÁN</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Si Arniches representó la crítica a la sociedad desde el
escenario, mitigada y limitada por el condicionante comercial, Valle fue mucho
más lejos, aunque pagara tributo con la ausencia de los teatros. La sociedad
maurista, despreciada directamente en Luces de bohemia (1920), fue denostada
por el autor gallego, que, con su posición contraria a las normas de la
representación, atacó las bases mismas de la entidad dramática. Aunque en 1917
Valle publica un ambiguo libro de estética titulado La lámpara maravillosa,
mezcla de elementos aristotélicos con una continua apuesta por lo sublime, la
idea de "la superación del dolor y de la risa" poco tenía que ver con
sus antiguos gustos románticos. Aplicando una ponderación verbal procedente aún
de su modernismo estético, crea un avanzado lenguaje escénico, apoyado
precisamente en el desconocimiento de las líneas dramatúrgicas que se llevaban
en Europa. Sólo tuvo que apartarse de lo que hacía Benavente, Linares o
Villaespesa, para acercarse a la obra de Yeats o, años después, a la del propio
Brecht. Las fuentes de su teatro eran, como se ha demostrado, la propia realidad:
la historia diaria que veía reflejada en la prensa, e incluso la parodia
literaria. Como acertadamente vio Mainer en La edad de plata (1983), la
peculiar medida de La cabeza del Bautista (1924) o Las galas del difunto (1926)
recuerda la del "teatro por horas", pues parodia, además, mitos
literarios como el de Salomé y el Tenorio respectivamente; y, añadimos, ironiza
también el entonces famoso Nudo gordiano, de Sellés, con Los cuernos de don
Friolera (1921), y a cualquiera de las zarzuelas que poblaban la escena
española de principios de siglo con La hüa del capitán (1927).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La originalidad del teatro valleinclanesco pudo proceder, sin
duda, de la ausencia de obligaciones comerciales, materializadas en su
manifiesta oposición al actor español, al que menospreció de continuo.
Desligado de la profesión, Valle hurgó en otras posibilidades, como las
valoraciones de iluminación escénica influido por el cubismo y otros
movimientos de base pictórica. El propio Valle fue crítico de arte, y llegó a
dirigir la Academia de España en Roma, manteniendo, pues, una constante
relación con distintos medios de expresión artística.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el aspecto dramatúrgico, la gran aportación de Valle-Inclán
viene del citado alejamiento de la escena convencional. Aunque en literatura
había seguido la tendencia modernista, en teatro, continuando con en el
consabido naturalismo de finales del siglo XIX, sus obras carecían de cualquier
aliento innovador. Sólo la palabra permitía una caracterización inhabitual en
sus primeros dramas casi románticos: El yermo de lar almas (1908), refundición
de su ópera prima Cenizas (1899), El marqués de Bradomín (1906), Cuento de
abril (1909) y Voces de gesta (1911), justamente su teatro más pensado para la
representación. Casi al mismo tiempo concebía obras cuya intención inicial
nunca fue el escenario, pero que, por ello mismo, se convertían en problemas de
imposible solución escénica en su época. Águila de blasón (1907) y Romance de
lobos (1908) fueron llamadas "comedias", como más tarde Cara de plata
(1922), pero también "bárbaras": comedias por su disposición
dialogada, pero su elevado número de cuadros, personajes y núcleos dramáticos
las alejaban de cualquier consideración escénica, como el mismo Valle
reconoció. He aquí, sin embargo, las primeras innovaciones imprevistas por el
autor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Posteriormente, y aunque su gusto por la commedia dell'arte le
inspiró, a veces abiertamente, ligeras comedias modernistas, como La Marquesa
Rosalinda (1912) y Farsa italiana de la enamorada del rey (1920), produjo un
teatro contra las formas escénicas del momento, que caracterizó con el equívoco
término de esperpéntico. Así, su quizá último drama puramente teatral, Divinas
palabras (1920), de inspiración gallega y textura próxima a las "comedias
bárbaras", recibió los primeros envites del esperpentismo contemporáneo.
Tras él asistimos a una serie de escenarios que dan la imagen de una realidad
teatral "sistemáticamente deformada", imágenes explicadas en la
famosa escena XII de Luces de bohemia (1920), aquélla en que Máximo Estrella,
poeta ciego, define su estética metafóricamente a Latino de Hispalis. Con ello,
más que las aportaciones que Valle-Inclán hace al mundo del drama español del
siglo XX., interesa resaltar las que lega al mundo de la escena, pues las
define, con lenguajes de enorme precisión, como lugar dialécticamente puro, en
donde espacio, luz, gestos y pasiones se funden en cuadros plásticos, que jamás
ocultan las muchas influencias de los movimientos artísticos del momento. De
esta manera, trabajando para un teatro que no era el de su tiempo, el gran
innovador que fue Valle-Inclán no gozó del estreno regular habitual.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No corrieron mejor suerte el resto de autores del 98, para los que
el teatro fue siempre más experimentación que profesión, aunque no todos desearan
semejante condición. Sin embargo, tampoco desperdiciaron la oportunidad para
cultivar el arte de la escena, sin sustraerse a esa tonalidad vocacional. José
Martínez Ruiz, Azorín (1874-1967), fue estrenado por compañías de primer orden,
como la de Rosario Pino, con la trilogía de Lo invisible (1927), drama de
resonancias simbólicas, como ya hemos indicado en un capítulo anterior; otros
títulos suyos de cierto interés son Old Spain (1926), Brandy, mucho brandy
(1927) y Angelita (1930). Pío Baroja (18721956) trató con mucho menor interés
el teatro, aunque en su juventud fue un durísimo crítico, quehacer que abandonó
al dejar de interesarle las obras que se hacían en España. Su más preciada
contribución a la escena fue El horroroso crimen de Peñaranda del Campo (1926),
aunque más por las grandes dosis de crítica literaria que contiene que por otra
cosa. Miguel de Unamuno (1864-1936), sin embargo, sí tuvo una mayor vinculación
al mundo de la escena, aunque nunca supiera desvincular su condición de
intelectual regeneracionista, de esa pasión nada oculta que fue el teatro.
Estrenadas algunas de sus obras, incluso por la propia Margarita Xirgu, sus
dramas no alcanzaron nunca notoriedad de público; destaquemos entre ellos La
esfinge (1909), El otro (1926) y El hermano Juan (1931). Mayor éxito de público
consiguieron los hermanos Manuel y Antonio Machado, no plenamente vinculados a
la generación del 98, triunfadores con seis de los siete dramas que
escribieron; entre ellos, La Lola se va a los puertos (1929) y La duquesa de
Benamejí (1932).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">5.
LA INNOVACIÓN ESCÉNICA EN ESPAÑA DURANTE LOS AÑOS 20<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El concepto de vanguardia se enarboló con enorme inmediatez.
Aquéllos que no veían posibilidad de estrenar por norma debían ampararse en
teatros íntimos, agrupaciones que no miraban los resultados de taquilla como
objetivo principal, igual que los catalanes habían hecho con absoluta
coherencia. También los intelectuales madrileños de los años 20 empezaron a
reunirse en casas particulares -como fue el caso de los hermanos Baroja-, para
poder hacer y experimentar el teatro que quisieran. Esto no significó que no
estrenaran en salas comerciales llegado el momento, pero sí que, cuando lo
hacían, tenían cierto carácter extraordinario. "El Caracol", grupo
animado por Rivas Cherif, también fue otro estimable centro de investigación,
como lo fueron en la década de los 30, el "Club Anfistora", de Pura
Ucelay, las "Misiones Pedagógicas", de Alejandro Casona, o,
iniciativas universitarias con sus características propias: "La
Barraca" de García Lorca y Eduardo Ugarte, y"El Búho", de Max
Aub.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1921 vio la quizá mejor obra de otro innovador por excelencia,
terrible opositor a la moda naturalista: El señor de Pigmalión, de Jacinto Grau
(1877-1956). Iniciado muy a principios de siglo, con Entre llamas (1905) y El
Conde Alarcos (1907), pronto hizo valer su notoriedad como dramaturgo con un
grotesco Don Juan de Carillana (1913). sólo matizado años después con El
burlador que no se burla (1930). La aportación más importante de Grau a la
escena europea, y lo que más le define en el teatro español, fue su espléndido
Pigmalión. Con todo, sufrió el desdén de la profesión, pues incluso un director
tan avanzado como Martínez Sierra, amigo y colaborador durante años, rechazó su
programación en el Eslava. Sin embargo, Charles Dullin la montó para inaugurar
el Théátre de l'Atelier de París (16 de febrero de 1923) y Kapec la estrenó en
el Teatro Nacional de Praga, en 1925. Tres años después se presentó en España.
El drama, cuyo prólogo aprovecha el autor para fustigar el gusto por el
sainetismo imperante, propone con absoluta coherencia el unamuniano conflicto
del personaje respecto a su creador, a través de la rebelión de los muñecos
inventados por Pigmalión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La oscilación minoría/mayoría tuvo un ejemplo sorprendente en el
genio creador de Federico García Lorca (1898-1936), poeta de inmensa
bibliografía, dada su influencia en la vida cultural española, no sólo de su
tiempo, sino del resto del siglo. Lorca se incluye en la llamada Generación del
27, grupo salido del homenaje que ese año se tributó, en al Ateneo sevillano,
al autor cordobés Luis de Góngora, con motivo de su tricentenario. Fue más un
movimiento poético que otra cosa, aunque para el teatro aportará innovación,
ruptura con modelos anteriores y el deseo de llevar la lírica a los escenarios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">García Lorca fue autor abocado al mundo de las minorías, aunque su
talante autoral le impulsó a metas más elevadas. En él, como decimos, se dan
las dos vertientes en continuo conflicto: la renovadora y la tradicional. De la
primera, aunque buscara siempre la habitual profesionalidad, cabe citar el
estreno de El maleficio de la Mariposa (1920), con dirección de Martínez
Sierra, y la redacción de sus farsas de matiz guiñolesco e inspiración
valleinclanesca: Títeres de Cachiporra (1923), La zapatera prodigiosa (1926,
primera redacción), Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (1928), El
retablillo de don Cristóbal (193 1), Así que pasen cinco años (1931), El
público (1933) y hasta Comedia sin título (1936). Es un Lorca imaginativo y
renovador, que tuvo salida gracias al "Club Anfistora". La segunda
vertiente muestra al Lorca profesional, conocedor de su veta popular
tradicional y del enorme juego que daba la misma en los escenarios. Es el
Federico de Mariana Pineda (1925), estrenada en Barcelona con decorados de Dalí
e interpretación de Margarita Xirgu, pero, sobre todo, el de Bodas de sangre
(1933), Yerma (1934) y Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores
(1935), y que, de no haber estallado la guerra civil, hubiera podido seguir sus
ininterrumpidos contactos con los escenarios comerciales con La casa de
Bernarda Alba (1936).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Esos dos Lorcas antes referidos suponen, más o menos, dos
posibilidades escénicas diferenciadas. Aunque en toda su trayectoria la utilización
de los tres actos se mantuviera regular, la manera de exponer la acción
variaba. Es distinta la composición en cuadros, que marca un moderno avance de
la progresión dramática, que el sometimiento de la exposición a grandes escenas
en donde, con medida tradicional, instala los núcleos de acción en superiores
segmentos teatrales. Por ejemplo, en Amor de don Perlimplín o en Así que pasen
cinco años, la acción no avanza de manera lineal, sino ramificada; de los
acontecimientos (le una secuencia se deducen resultados que, aunque hagan
avanzar la historia, van cargando de contenido cualquier aspecto colateral de
la misma. En este tipo de teatro es frecuente la intersección de tramas
derivadas, que llevan acciones perpendiculares, además de la central y principal.
El público sería el caso más claro de suma indiscriminada de elementos
escénicos, dentro de un bien estudiado y moderno orden dramático. No cabe duda
de que nos hallamos ante un teatro influido por movimientos estéticos
contemporáneos, principalmente el surrealismo. García Lorca plantea un
surrealismo escénico semejante al textual, que ha sido el de identificación más
inmediata. Por contra, sus grandes dramas, desde Mariana Pineda, proponen
fórmulas de desarrollo más tradicionales. Y esto no se debe al tono, pues la
farsa La zapatera prodigiosa bien que se mantiene en idéntica línea, sino a la
forma de narrar. Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba han sido
analizadas a la luz de sus clásicos contenidos de tragicidad, e incluso en la inspiración
griega de su descarnada sustancia dramática. Son obras mucho más lineales,
hasta cierto punto aristotélicas, en donde el espacio tiene estrecha relación
dramática con su tema y gestus. En estas obras, García Lorca hace verdadero
alarde de carpintería teatral, pues conjuga la historia con el medio donde la
cuenta, haciendo compatibles los espacios escénicos con los espacios lógicos,
con el fin de desarrollar en perfecto equilibrio entradas, salidas y
contenidos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">También otros poetas del momento, como Rafael Alberti y Miguel
Hernández, se iniciaron en el teatro imaginativo, que buscaba horizontes
distintos a los convencionales de los años 30, aunque ello estuviera en
oposición a lo que normalmente se veía en los escenarios profesionales. La
condición poética de los citados autores originó tendencias muy diversas. Por
ejemplo, Rafael Alberti (n. 1902), que se había dado a conocer espléndidamente
con los poemas de Marinero en tierra (1924), comenzó su trayectoria escénica
con una especie de extraño auto sacramental moderno titulado El hombre
deshabitado (1930), en donde el autor mostraba sus obsesiones simbolistas con
influencias calderonianas. Después, la propia Margarita Xirgu le estrenó un
documental escénico llamado Fermín Galán (1931), aguafuerte propio de cartelón
de feria, e inspirado en los sucesos de jaca del año anterior, que fue recibido
por el público con más ilusión que éxito. No obstante, la obra hurgaba en la
realidad escénica del momento, y planteaba soluciones alternativas a las usuales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Miguel Hernández (1910-1942) tuvo aquella inspiración
pseudorreligiosa que movió al auto albertiano, cuando inició su andadura
dramática con Quién te ha visto y quién te ve y sombra de lo que eras (1933),
obra de corte estilístico semejante a la de Alberti, aunque más entronizada con
los principios esenciales del barroco en su utilización del verso e incluso en
su sinceridad religiosa. Ambos poetas entraron en la guerra civil con un bagaje
escénico inmaduro, que, a lo largo de la contienda, tuvo ocasión de acrisolarse
en el llamado "teatro de circunstancias", en donde se mostraron como
auténticos artesanos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otro autor que también llegó a participar en la guerra desde el
bando republicano, y con ese mismo teatro de urgencia, fue Max Aub (1903-19
72), que en el 36 era ya considerado como intelectual de prestigio, y hombre de
un teatro imaginativo y renovador. Precisamente en los años 20 se dio a conocer
con una serie de piezas vanguardistas, de avanzada inspiración estética, para
las que se sirvió no poco del conocimiento de tendencias europeas del momento.
Sea como fuere, Aub contaba en la década de los 30 con una bien nutrida obra:
Crimen (1923), El desconfiado prodigioso (1924), Una botella (1924), El celoso
y su enamorada (1925), Narciso (1927), Espejo de avaricia (1927-1935) y la
Jácara del avaro (1935).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El teatro de los hombres del 27, y de quienes a su alrededor
mostraron similares tendencias innovadoras, mayoritario o minoritario, si se
nos permite utilizar la terminología de la época, es el único que, en su
momento, utilizó nuevos caminos en el plano de la construcción escénica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">TEXTOS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-¡Don Latino de Hispalis, grotesco personaje, te inmortalizaré
en una novela!<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">DON LATINO.-Una tragedia,<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-La tragedia nuestra no es tragedia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">DON LATINO.-¡Pues algo será!<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-El Esperpento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">......................................<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-Los ultraístas son unos farsantes. El esperpentismo lo ha
inventado Goya. Los héroes clásicos han ido a pasearse en el callejón del Gato.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">DON LATINO.-¡Estás completamente curda!<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el
Esperpento. El sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una
estética sistemáticamente deformada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">DON LATINO.-¡Miau! ¡Te estás contagiando!<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-España es una deformación grotesca de la civilización
europea.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">DON LATINO.-¡ Pudiera! Yo me inhibo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-Las imágenes más bellas en un espejo cóncavo son absurdas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">DON LATINO.-Conforme. Pero a mí me divierte mirarme en los espejos
de la calle del Gato.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-Y a mí. La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una
matemática perfecta. Mi estética actual es transformar con matemática de espejo
cóncavo las normas clásicas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">DON LATINO.-¿Y dónde está el espejo?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">MAX.-En el fondo del vaso.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 120.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(VALLE-INCLÁN, Luces de bohemia, Esc. 12.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El teatro que ha perdurado siempre es el de los poetas. Siempre ha
estado el teatro en manos de los poetas. Y ha sido mejor el teatro en tanto era
más grande el poeta. No es -claro- el poeta lírico, sino el poeta dramático. La
poesía en España es un fenómeno de siempre en este aspecto. La gente está
acostumbrada al teatro poético en verso. Si el autor es un versificador, no ya
un poeta, el público le guarda cierto respeto. Tiene el respeto al verso en
teatro. El verso no quiere decir poesía en el teatro. Don Carlos Arniches es
más poeta que casi todos los que escriben teatro actualmente. No puede haber
teatro sin ambiente poético, sin invención... Fantasía hay en el sainete más
pequeño de don Carlos Arniches... La obra de éxito perdurable ha sido la de un
poeta, y hay mil obras escritas en versos muy bien escritos que están
amortajadas en sus fosas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 120.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(FEDERICO GARCÍA LORCA,<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 120.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Declaraciones a Nicolás González-Deleito, 1935.)<o:p></o:p></span></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-15487785434166278002017-10-19T10:23:00.001-04:002017-10-19T10:23:05.243-04:00Naturalismo frente al realismo<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none; text-align: center;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 22.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Naturalismo frente al realismo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 1. El advenimiento del realismo-naturalismo<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 2. Zola y la teoría del arte naturalista<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 3. Los Meininger<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 4. El teatro nórdico<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 5. El teatro libre de Antoine<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 6. La "Freie Buhne" y la
consolidación del teatro alemán<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 7. El realismo ruso. Stanislavski<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 8. De Dublín a Londres: Actores y dramaturgos
irlandeses<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 9. El realismo dramático en los Estados
Unidos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 10. La primera gran contestación al realismo:
Alfred Jarry<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 11. Adolphe Appia y Gordon Craig<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Textos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1.
EL ADVENIMIENTO DEL REALISMO-NATURALISMO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El teatro moderno nace con el realismo, del que el naturalismo es
su inevitable acentuación. Cualquier puesta en escena actual de Ibsen, Chekov u
O'Neill permite reconocer referencias a nuestro tiempo y a nuestras
preocupaciones, como si fuéramos sus contemporáneos. Esta apreciación la
podemos extender a sus modos de exposición dramática, formas y técnicas, y a
sus exigencias con respecto a la representación. Sin embargo, entre Ibsen y
Buero Vallejo, por poner un ejemplo de realismo actual, median más de ochenta
años. No se puede decir lo mismo del teatro precedente, drama romántico y
postromántico. A este último hemos de ubicarlo en otro tiempo, un tiempo pasado
que nos concierne bastante menos, por muchos atractivos que encierre. Llevamos,
pues, más de un siglo de teatro realista, y todavía mantienen su vigencia
determinados autores y obras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Se dice que desde el Romanticismo hasta las primeras
manifestaciones naturalistas en el teatro europeo se produce un lamentable
bache. En realidad, durante esos años la tendencia más notable es la que
prefigura la nueva estética realista. Ya en plena exaltación romántica se
propugnó la necesidad de una representación más acorde con la realidad; tal era
el deseo de Taima. En la mayoría de los casos, eso chocaba con los textos:
temas, historias, lenguajes, elementos descriptivos, etc., no conectaban con lo
cotidiano, con la realidad del espectador. Es muy significativo al respecto que
las piezas consideradas intrascendentes o incluso irrepresentables fuesen
precisamente aquéllas que implícitamente reconocían la saciedad de la
representación romántica. Es el caso de algunos proverbios-comedias de Musset,
de las piezas tardías de Víctor Hugo agrupadas en su Teatro en libertad (1865-1867),
de Kleist y de los dramas sobre la historia reciente, de Büchner. Pero es muy
curioso y significativo que las mejores obras de estos autores permaneciesen
durante mucho tiempo sin representar; lo que nos hace entender que cuando un
dramaturgo se adelanta a la escena de su tiempo, ésta le impondrá una larga
espera, con riesgo de desfase, del que sólo se salvan las grandes obras. Eso
sucedió con las representaciones tardías de Lorenzaccio de Musset, o de Woizeck
y La muerte de Danton, ambas de Büchner.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Durante los años de transición al realismo-naturalismo, Europa
volvió la vista a Francia. A falta de otros modelos, ahí estaba Scribe
(1791-1861), un maestro en enredos y peripecias, que sabe llevar las acciones
al límite, antes de desenmarañar la madeja. Ese breve esquema es el de la piéce
bien faite, en expresión personal del autor, que hará fortuna en el teatro
realista. Aún en plena época romántica, Scribe orientó la escena hacia la
comedia de costumbres, pero en realidad, más que a su ingenio romántico, su
notoriedad se debe a los constantes estrenos que realizaba, hasta alcanzar las
casi cuatrocientas obras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Al nombre de Scribe hay que añadir el de Emile Augie (1820-1889),
que se inicia en la comedia burguesa para pasar a la crítica de la vida moderna
en El yerno del señor Poirier (1854), actualización de El burgués gentilhombre
de Moliére. Por su lado, Alexandre Dumas (1824-1895), tras el éxito de su drama
postrromántico La dama de las camelias, se desviará hacia un prerrealismo
moralizante: El hijo natural (1858), Las ideas de Mme. Aubray (1867) y Monsieur
Alfonso (1874). En esta breve relación es justo mencionar igualmente a
Victorien Sardou (1831-190$), que cultivó todos los géneros y tendencias y a
Eugéne Labiche (1815-1888), cuya comedia Un sombrero de paja de Italia (1851)
-que aún hoy se sigue representando con éxito anuncia el nuevo vodevil francés,
en el que destacará más tarde Georges Feydeau (1862-1921).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Estamos a las puertas del naturalismo, mas con un ir y venir de
experiencias que caracterizan la inconstancia realista, y afirman la dificultad
de establecer compartimientos estancos en arte. La primera constatación de ello
es de carácter histórico. En 1857 aparece en Francia la que la crítica
considera la máxima novela realista del siglo, Madame Bovary, de Gustave
Flaubert. Los pasos de la protagonista, el ambiente que la rodea en la pequeña
ciudad de provincias en que vive, los giros todos de su alma, aparecen
descritos de tal modo que resulta difícil, en su lectura, no sentirse transportado
al marco de la acción, y que, aún hoy, viajeros por la Normandía de Emma
Bovary, parece como si el paisaje hubiera copiado al libro. Con Madame Bovary,
varias veces adaptada al teatro y al cine, se mostraba el arte realista, aquel
que consigue hacernos ver la realidad en la que vivimos y nos movemos, esa
realidad que por pereza o por rutina no llegamos a advertir y en la que no
llegamos a penetrar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero ésa no es la única tendencia del momento. El mismo año de
Madame Bovary aparece otro libro que marcará gran parte del arte moderno hasta
nuestros días: Las flores del mal de Baudelaire. En él se confirma la tendencia
postrromántica, se anuncia el simbolismo y se profetiza el surrealismo del
siglo XX. Cinco años después, en 1862, surge el voluminoso relato de Víctor
Hugo Los miserables, donde el elemento épico, que se adelanta al socialismo
naturalista de fin de siglo, queda enmarcado en una historia melodramática.
Estos ejemplos hablan claro de la imbricación de unas tendencias en otras,
imbricación que podemos advertir desde la segunda mitad del siglo XIX hasta
nuestros días, con alternados predominios de tales estilos diversos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La segunda constatación del fenómeno antes mencionado es de
carácter estético, y se refiere a la inconstancia de esos propios dramaturgos
realistas, dentro de este marco estilístico. Flaubert necesitaba escapar del
detallismo realista y dar rienda suelta a su fantasía e inconsciente. La mejor
prueba de ello la tenemos en la constante reescritura de La tentación de San
Antonio, inmensa obra del teatro de la imaginación, cuya realización sólo las
actuales técnicas cinematográficas podrían abordar. O el mismo Zola, que siente
la necesidad de descansar, tras su enorme esfuerzo naturalista, para ofrecer
historias, como la narrada en Ensueño, en la que la criada Angélique, que ha
crecido a la sombra de la catedral de provincias, nos muestra sus sueños y
fantasías de amor por el Cristo y los santos multicolores de las vidrieras. Por
consiguiente la práctica totalidad de los naturalistas evolucionaron hacia el
simbolismo, de no impedirlo la muerte prematura de algunos, como Chejov.
Naturalismo y Simbolismo influirán en la mayoría de las tendencias dramáticas
del siglo XX.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2.
ZOLA Y LA TEORÍA DEL ARTE NATURALISTA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El advenimiento del teatro naturalista ocurre con evidente retraso
respecto de la novela. Así lo señala Zola, quien lo achaca a que el teatro
representa "el último bastión del convencionalismo", lo que no
encajaba en el científico siglo XIX. Si el XVII fue el siglo del teatro, vino a
decir Zola, el XIX había de ser el de la novela; y aunque así lo crea, y a
posteriori la historia lo confirme, el autor no arrojó la toalla del teatro,
antes bien propugnó la necesidad y posibilidad de una escena adecuada al nuevo
estilo: "El teatro será naturalista o no será."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En 1881, Zola resumiría todas estas ideas, que de tiempo atrás le
venían preocupando, en un texto cuyo enunciado, El naturalismo en el teatro, no
podía ser más explícito. Fiel a la idea ya aplicada a la novela de que el medio
determina el comportamiento, Zola se detiene en los elementos que, en el
teatro, representan ese medio: el decorado, el vestuario y los accesorios.
Razonará que nuestra época no puede ya aceptar el escenario vacío de
Shakespeare, ni los espacios convencionales y neutros de los clásicos
franceses. Se pregunta cómo puede ser creíble una representación, dar eco de la
vida cotidiana, si el medio en el que se mueven los personajes es convencional,
falso, de objetos pintados, con actores y actrices que salían a escena
maquillados y vestidos siempre de gala.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero había que hacer mayores cambios aún para acertar con la
representación objetiva. Había que desterrar los tonos declamatorios,
grandilocuentes, en la dicción de los intérpretes. Había que cambiar los gestos
si se quería desmentir a los críticos que, ironizando sobre los intentos
naturalistas, hablaban de "sus actores falsos en medio de decorados
verdaderos". Algunos dramaturgos también solicitaban esta naturalidad en
escena. Valga como ejemplo esta acotación de Sardou: "Los actores se
sientan en torno a una mesa situada en el centro y hablan con toda naturalidad,
mirándose unos a otros como ocurre en la realidad." Pese a estos deseos, a
los comediantes les era difícil suprimir sus modos de actuar; dejar de responder
a los aplausos repitiendo, como en la ópera, sus parlamentos más celebrados; en
definitiva, ceder a los caprichos del público, otro factor de difícil cambio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ciertamente hubo en esta época actores de talento, intermediarios
entre el antiguo y el nuevo estilo. Actrices como Sarah Bernhardt, Gabrielle
Réjane y la famosa Rachel pasearon su arte por Europa, justificando el culto a
la vedette que denunciaría Stanislavski viendo en Moscú a la Bernhardt. Los
mejores intentos naturalistas (los Meininger, Antoine...) borrarán estos
individualismos para insistir sobre la representación como un acto colectivo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A distancia de estos hechos, es fácil advertir hoy día los
aciertos y desaciertos de Zola. Entre los primeros está el haber roto las
barreras moralistas del público burgués, poniendo en entredicho la moral
burguesa y sus comportamientos sociales. También Zola abrió el mundo teatral a
la objetividad poco menos que rechazada por la tradición escénica. Entre los
desaciertos está, sin duda, el querer suprimir radicalmente las convenciones
del género dramático, sus denegaciones. Está claro que, por mucho que se
intente el naturalismo escénico, la realidad exterior no cabe en el escenario,
los personajes han de ser re -presentados o figurados, y el propio lenguaje es
ya de por sí una pura convención. Todo el teatro naturalista no tardaría mucho
en dejar de ser un equivalente de la realidad, para convertirse en otra serie
de convenciones. El error de Zola estaba en querer aplicar a la escena las
recetas de la novela, estableciendo un sistema de imposibles transferencias de
un género a otro. Es imposible pretender que el decorado o la caracterización
de los personajes suplan las extensas descripciones y digresiones de la novela
naturalista, tal y como quería Zola. Las muestras de teatro naturalista
adaptadas de relatos, en especial de las propias obras de Zola -a excepción de
La taberna-, no fueron del gusto de la crítica ni del público de París. Ni lo
fueron los estrenos de Los cuervos (1882) o de La parisina (1883), ambas de
Henri Becque, considerado como el más destacado naturalista francés según la
fórmula de Zola. Porque, además, este teatro no representaba la realidad
cotidiana a fin de suscitar el interés del público, sino sólo aquellos casos
más sobresalientes y disparatados de la misma. Teresa Ranguín, de Zola, que en
1873 no pasó de las nueve representaciones, cuenta cómo Teresa y su amante dan
muerte al marido de aquélla. Teresa acabará suicidándose ante la mirada de la
madre del esposo, muda y paralítica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La teoría iba por delante de la práctica. El teatro de París no
daba con la fórmula de la representación naturalista. Pronto lo conseguirá
Antoine. En Alemania, mientras tanto, una ejemplar compañía lo estaba logrando:
los Meininger.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3.
Los MEININGER<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ocurrió esto cerca de Weimar, en donde Goéthe había puesto las
bases de la futura afición al teatro lírico y dramático alemán. En Meiningen,
el propio duque Jorge II se hizo cargo de la dirección de los actores en su
Teatro de Corte. Este duque era consciente de la decadencia de la escena
alemana en décadas precedentes, lo que achacaba a la influencia de la
preocupación de las cortes alemanas por los problemas económicos y políticos
que habrían de desembocar en la creación del Imperio de Bismarck, en 1871. El
duque de Sax-Meiningen advirtió que las programaciones del teatro en Alemania
estaban calcadas de las del bulevar parisino -operetas, piezas sentimentales
imponiéndose la fantasía sobre los tan repetidos deseos de autenticidad
escénica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El entusiasmo del duque no tenía límites. Entrenaba a los actores,
los dirigía con férrea disciplina, tanto a los protagonistas como a las
comparsas, que habían de actuar como elemento ambientador y realista. Su manejo
de las masas fue siempre muy ensalzado. Pero, además, prodigaba todos los
detalles del decorado, para el que prefería la habitación cerrada, incluso por
el techo. Amante de la historia y de la pintura, disciplinas que había
estudiado en la Escuela de Munich, él mismo diseñaba los decorados, buscaba
originales perspectivas y dibujaba el vestuario, indicando siempre los colores
más apropiados. Se dice que los tonos marrones rojizos eran los preferidos,
pues sobre ellos sobresalían vivos colores para el vestuario. Este naturalismo
no era el de Zola, sino más bien el que perseguía la fidelidad histórica y la
verdad absoluta en ella. Las armas, por ejemplo, tenían que ser auténticas. De
ahí que su repertorio tuviese como norma la calidad de las obras. En este
sentido, superó el debate de las reglas, sin hacer distinción ni de tono ni de
nacionalidad ni de escuela. Representó a Shakespeare, a Moliére y a Schiller, y
se interesó igualmente por autores alemanes no estrenados, como Kleist, y
jóvenes dramaturgos nórdicos, como Bjórnson e Ibsen. De éste hizo el estreno absoluto
de Espectros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Entre 1874 y 1890, los Meininger dieron más de tres mil
representaciones en gira por Europa. Su campo preferido, no obstante, era la
propia Alemania, y principalmente Berlín, considerada ya como nueva capital del
imperio germano, en donde, en 1883, se fundaba el Deutscher Theater, que será
el primer teatro alemán. En esas giras por Alemania los Meininger se vieron
favorecidos por la infraestructura teatral existente, que ellos supieron
estimular. Es significativo que, a partir de 1870, empezarán a florecer teatros
privados junto a los viejos teatros de corte. Pero sorprende aún más el ritmo
con que este fenómeno se propaga, pues en quince años el número de salas pasa
de doscientas a seiscientas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En sus giras, los Meininger llegaron a los países escandinavos y
Rusia. Por su lado, Ibsen ya había entablado contacto con ellos en Alemania,
donde acudió para estudiar su arte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">4.
EL TEATRO NÓRDICO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La escasa tradición del teatro escandinavo se había contentado en
el siglo XIX con las comedias de estudiantes y la aclimatación del vodevil
francés, que florece a partir de 1830 en Copenhague y Estocolmo. En esa
dramaturgia, el teatro de vodevil constituye el primer escaño de la ascensión
realista. A mitad del siglo XIX, se crean dos grandes teatros: la Escena
Nacional de Bergen y el Teatro de Christiana, luego Teatro Nacional de Oslo. La
animación de este último fue confiada primero a Henrik Ibsen, y,
posteriormente, a Bjórnstjerne Bjórnson.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Para su propia instrucción, Ibsen recorrió Europa. A partir de
1864 vivió casi permanentemente fuera de Noruega. En la escritura dramática se
inició con obras de inspiración romántica, y comedias al modo de Scribe. Por su
lado, Bj6rnson admiró particularmente al Musset de las comedias y proverbios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En la obra de HENRIK IBSEN (1828-1906), la crítica suele hacer
varios apartados. Dejando a un lado sus primeras comedias, tenemos un primer
bloque de dramas poéticos nacionales, como Brand (1866), ataque metafórico a la
falta de solidaridad panescandinava ante la violación prusiana a Dinamarca en
la persona del sacerdote Brand, que, por mantener sus principios, sacrifica a
su mujer y a su hijo; Peer Gynt (1868) es un personaje radicalmente distinto
del anterior, caricatura del genio noruego. La segunda etapa la compone su
época realista, con Casa de muñecas (1879), Espectros (1881), Un enemigo del
pueblo (1882) y El pato salvaje (1884), entre las más conocidas. Finalmente, se
encuentra su etapa simbolista, en la que sobresalen La dama del mar (1888),
Hedda Gabler (1890) y Solness el arquitecto (1892).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Entre los problemas sociales que más le preocupan durante su
segunda época, adquiere gran relieve el de la liberación de la mujer, tema que
le proporciona excelentes desarrollos dramáticos. Se dice que había en ello
razones muy profundas, incluso biográficas, y que el dramaturgo se identifica
frecuentemente con sus protagonistas femeninas. Para Freud, Ibsen era el
escritor más interesante de su tiempo. Pero no conviene limitar el alcance
crítico a este sólo problema. Aplicando las mismas intencionalidades a Ibsen y
a Bjórnson, Maurice Gravier escribirá:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Conservando
siempre el sentido del arte y de la medida, Ibsen y Bjórnson evitan normalmente
proponernos soluciones demasiado concretas. Pero despiertan las conciencias,
hacen salir de su letargo las mentes propensas a satisfacerse fácilmente con
las situaciones adquiridas. Ibsen y Bjórnson viven en una sociedad petrificada,
tiranizada y entristecida por el espíritu pietista. Un vicio quieren denunciar
antes que cualquier otro: la hipocresía. "Vivir según la verdad", ése
es el ideal que Bjórnson propone a los espectadores de sus dramas, mientras que
Ibsen les pide que sigan "la exigencia ideal", que descubran su
vocación y disipen, si es preciso, la "mentira vital". Mas decir la
verdad a un pueblo que se mantiene simple y zafio no es ciertamente nada fácil.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Cualquiera de las obras de Ibsen, y no sólo las de este periodo,
muestra la enorme dosis de autenticidad y de valor para desafiar a los sectores
denunciados. Un enemigo del pueblo puede ser propuesta como el paradigma de
tales denuncias. Por su lado, los estrenos de Ibsen se encargaron de
demostrarlo. Como anécdota podemos citar el enfrentamiento que hubo en Francia
entre dos grandes políticos, Clemenceau y Jean Jaurés, con motivo del estreno
de esa obra. Aunque tuvo mayor eco, en Noruega y en toda Europa, la polémica
suscitada por Casa de muñecas. Hace más de un siglo, el dramaturgo se convirtió
en abanderado del movimiento feminista. La obra propone la dialéctica de estar
a favor o en contra de Nora, la protagonista. Cuando el tema salía a debate,
era difícil contener los nervios. Se dice que en invitaciones y tarjetas de
visita se rogaba abstenerse de hablar de Nora.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Nora es la esposa gentil del abogado Helmer. Para salvar a su
marido de una grave enfermedad, Nora contrae una gran deuda con un acreedor,
viéndose obligada a falsificar su firma para mantener este hecho en secreto. La
buena de Nora va pagando poco a poco dicha deuda sin que el marido sepa nada de
ello. Pero un buen día todo se descubrirá: Helmer quiere despedir del banco, en
el que es director, a un empleado, que resulta ser el acreedor de Nora. Este la
amenaza con el chantaje. Para los esposos ha llegado la hora de la verdad, la
hora de actuar ante la verdad, característica del drama ibseniano. Helmer
aparece ahora frente a Nora como un ser mezquino, al que sólo le interesa su
reputación. A Nora el mundo se le derrumba y todo le parece sin sentido. De
pronto, descubre que aún le queda un asidero para evitar su desesperación: su
libertad. Desoyendo las súplicas del marido, Nora abandona la casa dando un
portazo, que algún comentarista ha conceptuado como el más valiente y
consecuente de toda la historia del teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A Ibsen le preocupaba sobremanera la composición dramática. Muy
superior en ese terreno a los franceses, sus obras sí son modelo de la llamada
piéce bien faite. Sabe administrar el pathos dramático, mantener los
enfrentamientos en su cumbre, emplear el lenguaje y las fórmulas psicológicas
adecuadas. Ese es el secreto de su pervivencia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Durante su tercer periodo se interesa menos por lo social,
cuidando más la simbología de la obra y su conformación poética.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otro nombre estelar del teatro nórdico es el del sueco August
Strindberg (1849-1912). Dejando aparte sus inicios, en los que se opone al
drama romántico y a la comedia burguesa importada de Francia, hemos de reseñar
sus dramas naturalistas: El padre (1886), Señorita Julia (1888) y Acreedores
(1888). En ellas ahonda en los detalles del relato, de modo incluso obsesivo, y
en la huella que deja en el alma de los personajes, a veces con insistencia
masoquista. Estaríamos ante una escritura que, partiendo de la observación
minuciosa de la realidad, y de su propia biografía, se nos presenta como el
drama de las obsesiones del yo frente a la realidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero Strindberg escapa del naturalismo para convertirse en
precursor del expresionismo. A la salida de una grave crisis psíquica y moral,
que dejó reflejada en sus relatos Infierno y Combate con el ángel, el dramaturgo
escribió una extensa obra, Camino de Damasco (1898-1901), en la que las
alucinaciones crean un mundo interior en el cual simbolismo y expresionismo se
han aunado en diversas ocasiones para escenificarlo. Aún se podría decir más
sobre su siguiente obra, El sueño (1902), que cabe conceptuar de precursora del
teatro surrealista, pues el inconsciente liberado se adueña de la escena,
imponiendo sus esquemas incoherentes. Esta obra puede ser considerada
justamente como una de las grandes concepciones del teatro moderno. Artaud y
los surrealistas de entreguerras pensaron en ella como ejemplo ilustrador de
sus propias concepciones dramáticas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La aportación de Strindberg a la escena fue más allá. A raíz de su
decepción por la ciencia, en la que tanto había confiado -e incluso por la
alquimia, pues había intentado fabricar oro-, se convierte a una fe a caballo
entre el budismo y el cristianismo. Ello explica su concepción simbolista, la
nueva estructura compositiva en la que incluye himnos en latín y desarrollos
litúrgicos en títulos como Adviento o Pascua.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En 1902 fundó en Estocolmo el Intim Teatern. El término íntimo
puede aplicarse tanto a las modestas dimensiones del local, como a la temática
de las obras a las que se destina, o a su modo de representación. En ésta se
procedió a la simplificación de los elementos decorativos para estimular en
todo momento la imaginación del espectador; se preocupó de la creación de
climas psicológicos, particularmente con juegos de iluminación que proyectaban
las sombras de los personajes. Para algunos, esta experiencia del Intim Teatern
podría ser considerada como la cuna del expresionismo. Allí representó sus
piezas íntimas o, como él prefería llamarlas, piezas de cámara, imitando la
expresión musical: Tempestad, La casa quemada, El pelícano y La sonata de los
espectros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Cabe decir que todo en la obra de Strindberg fue íntimo, en el
sentido de que toda la realidad fue modelada en su interior, en su propia
atormentada biografía. En él están presentes casi todos los desarrollos
dramáticos vanguardistas del siglo XX.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">5.
EL TEATRO LIBRE DE ANTOINE<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Como hemos indicado al hablar de Zola, las piezas francesas
representadas en París, adaptadas directa o indirectamente de la novela, no
convencieron. Pero las ideas de Zola tampoco cayeron en terreno baldío. Un
aficionado al teatro, ANDRÉ ANTOINE (18581943), por quien pocos habrían
apostado en un principio, quiso crear un teatro donde todo fuese verdadero, tan
real como une tranche de vie (una tajada de vida), expresión que define elocuentemente
su idea de la puesta en escena naturalista. Antoine había estudiado la teoría
naturalista con Taine, y conocía los escritos de Zola. Fue comparsa en la
Comedie Française y asistió al curso de declamación de Lainé. Vivía como
empleado de la Compañía de Gas, formando el grupo galo junto a otros jóvenes
aficionados con la decisión de renovar el teatro. El 30 de marzo de 1887, noche
memorable para el arte escénico, Antoine inauguró su Théátre Libre (Teatro
Libre) en la humilde sala del Elíseo de Montmartre con capacidad para unas
trescientas cincuenta personas. Se representaron cuatro obras breves, una de
ellas Jacques Damour, de Zola, adaptada por Léon Hennique. La visita a
Bruselas, para ver actuar a los Meininger, le confirmó en sus ideas dramáticas.
De lo que fue su labor de dirección en los años que siguen nos da cuenta otro
director importante, Gaston Baty:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Antoine
puso al desnudo todos los artificios de las fórmulas antiguas, arrojó fuera las
complicaciones, los trucos, los golpes efectistas, la ampulosidad, los largos
parlamentos, la verborrea de la pieza de intriga, mostrando la vanidad de las
maquinarias complicadas y las exhibiciones sensacionalistas. La obra
reconstructiva de Antoine creó el gusto por la acción simple, rápida, concisa y
visual, tanto en los gestos como en las actitudes y en las palabras, buscando
sus motivaciones en los caracteres y no en los enredos de la situación,
interpretando las obras sin muletillas, con naturalidad y en medio de un marco
expresivo.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Como puntos fuertes habría que subrayar dentro de su labor de
coherencia, acorde con el realismo impuesto a los medios visuales, la
representación antiteatral, es decir, la técnica de actuar como si no se
estuviese en un teatro, como si entre los actores y el público existiera
realmente una cuarta pared, y uno se encontrase sólo con los otros personajes,
en una situación real de la vida; de ahí que importe poco, contrariamente a las
prescripciones del cuadro plástico, hablar de espaldas, o desde fuera del
escenario visible. Insistió en la labor de conjunto de la compañía, que nunca
debía conformarse con ser una banda de comparsas en torno al primer actor o
vedette de turno. Por estas razones, buscó y estimuló la escritura de obras
nuevas. Se dice que estrenó más de ciento veinte, de cincuenta y un autores, de
los cuales cuarenta y dos eran menores de cuarenta años, la mayoría en un acto
y de fácil representación. Pero no olvidó por ello los grandes nombres
extranjeros, como Tolstoi, Hauptmann o Ibsen.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por otro lado, cuidó de su público al abaratar las entradas, y se
interesó por el confort de la sala. Concentró la luz en el escenario, dejando a
los espectadores en la oscuridad. Siguiendo a Zola, en escena dio mayor
importancia al ámbito de la acción sobre la acción misma, "porque es el
medio el que determina los movimientos de los personajes, y no los movimientos
de los personajes los que determinan el medio". De ahí que propugnara la
solidez de los elementos escénicos: prefirió los objetos y muebles auténticos,
rechazó los bastidores de tela que imitan la madera, imponiendo que las paredes
y ventanas fuesen realmente practicables y no meramente decorativas. Este
rechazo de las convenciones escenográficas le acarreó las más duras críticas, y
algunos llegaron a caricaturizar sus excesos: se han citado con harta
frecuencia los pedazos de carne auténtica colgados en la escenificación de la
obra Los carniceros, y el desagradable olor que generó a los pocos días; o las
gallinas vivas picoteando por el escenario de La tierra. Pero sería injusto
quedarse en estos ejemplos e ignorar lo mucho que Antoine significaba en su
momento para la evolución del arte teatral, tanto para los que en la fidelidad
reformaron sus ideas, como para los que, desde la oposición a las mismas,
abrieron vías antinaturalistas a la representación escénica. En el mismo París,
esta oposición, tan beneficiosa para la escena, fue encabezada por el citado
Paul Fort y su Teatro del Arte. En los epígrafes finales del presente capítulo
entraremos más a fondo en esta cuestión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En 1906 Antoine pasó ala dirección del Odeón, en la que se mantuvo
hasta 1914. Después abandonó la dirección teatral para dedicarse al cine, medio
que juzgó verdaderamente expresivo para mostrar la realidad. Como actor y
director impuso también su estilo naturalista a montajes de textos de Zola,
Hugo y Dumas. Con Antoine, tanto en teatro como en cine, se estaba diseñando
netamente la moderna figura del director de escena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">6.
LA "FREIE BUHNE" Y LA CONSOLIDACION DEL TEATRO ALEMÁN<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En 1889, el movimiento naturalista alemán funda la Escena Libre
(Freie Bühne), dirigida por Otto Brahn. Brahn reclama para ella la misma verdad
que Antoine proclama en su Teatro Libre. Pero Brahn no quiso experimentar con
actores aficionados y, desde el principio, reclutó actores profesionales. En lo
que al repertorio se refiere supo tomar buena nota de los Meininger y de los
naturalistas franceses. Inició sus representaciones con Ibsen (Espectros), al
que se unirán los nombres de Tolstoi, Zola, Becque y Strindberg. Pero supo
también apostar por los dramaturgos alemanes del momento. Dos nombres quedarán
para la historia del teatro unidos al suyo: Gerhart Hauptmann (1862-1946),
revelado por la Freie Bühne, y Frank Wedekind (1864-1918), al que conoce en el
Deutscher Theater, en 1912.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El segundo estreno de la Freie Bühne fue precisamente una obra de
Hauptmann, Antes del amanecer. En la línea de Zola, el naturalismo de Hauptmann
está también imbuido de un manifiesto socialismo. Este queda especialmente de
relieve en otro conocido texto, Los tejedores, igualmente estrenado en la Freie
Bühne por Otto Brahn. Cuando éste pasó al Deutscher Theater siguió rodeándose
de los mejores actores. Entre ellos se encontraba Max Reinhart, que le sucederá
en la dirección de dicho teatro. Reinhart se convirtió en una de las más
interesantes figuras de la dirección escénica de nuestro siglo, dentro de una
tendencia abiertamente antinaturalista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Como muchos otros naturalistas, Hauptmann evolucionó hacia el
drama poético y simbolista. Lo mismo le ocurría a Wedekind, que de actor pasó a
consagrarse a la escritura dramática. Su naturalismo se vio pronto teñido de
una extraña y amarga simbología, que exigía puestas en escena cuyo atrevimiento
chocaba muchas veces con la sensibilidad del público de su época: ambientes
marginales y depravados, personajes asociales, prostitutas, criminales,
lesbianas; todo ello con los lenguajes propios de tales personajes y ambientes.
Lo cual le hará engrosar pronto las listas de los repertorios expresionistas. A
Wedekind debe el teatro ese tipo turbio, sincero, morbosamente atractivo,
llamado Lulú, que encontramos en dos de sus mejores creaciones: Gnomo (1895) y
La caja de Pandora (1902).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">7.
EL REALISMO RUSO. STANISLAVSKI<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En San Petersburgo, un joven entusiasmado por el teatro desde su
infancia contempló admirado a los Meininger en su gira por Rusia. Su nombre era
Constantin Stanislavski (1863-1938). Sus padres construyeron para él dos
teatros: uno en sus propiedades del campo y otro en su casa de Moscú. Todo fue
teatro en la vida de Stanislavski. Los Meininger, a los que citará con
frecuencia a lo largo de su vida, le enseñaron cómo la verdad del poeta, del
dramaturgo, puede convertirse en la verdad hecha vida por los actores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En Rusia, el terreno estaba abonado cuando los Meininger
aparecieron en su gira. El teatro realista ruso hunde sus raíces en el teatro
de siervos, que cubre el último tercio del siglo XVIII y la primera mitad del
XIX. Catalina II hizo que la nobleza fuera no sólo propietaria de las tierras,
sino también de los campesinos que las trabajaban. Emulando a los reyes
europeos, los grandes señores rusos organizaron sus propias cortes ilustradas,
en las que el teatro constituyó un tipo de ocio frecuente. Cuando en 1861 fue
abolido este régimen de servidumbre, Rusia se encontró con un elenco
impresionante de actores, bailarines, músicos y pintores provenientes de la
servidumbre. Estos actores-siervos, a los que se les había dado instrucción y
que habían representado particularmente el repertorio francés -de Moliére al
vodevil-, comprendieron la necesidad de crear un teatro más conectado con la
realidad rusa, que alguien ha descrito como drama sin las cofias ni los
delantales de las criadas francesas. Durante mucho tiempo, los grandes actores
eran siervos: la Semenova, Matchalov, Chtchepine...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Volviendo a Stanislavski, es memorable la conversación de más de
quince horas que mantuvo con Vladimir Dantchenko, autor y profesor de arte
dramático en Moscú. Se cree que ello fue el origen de la nueva época realista
que coincide con la creación, en 1898, del Teatro de Arte de Moscú. Este
teatro, gracias a un mecenas entusiasta, Morozov, dispuso pronto de un moderno
edificio, bien dotado, en el que los actores disponían por primera vez de
confortables camerinos y de un salón-biblioteca. Todo estaba preparado para
iniciar la aventura. El Teatro de Arte contaba con actores, directores y
técnicos. Stanislavski pensó, no obstante, que faltaba el elemento esencial:
los poetas, como él gustaba llamar a los dramaturgos. Fue Dantchenko quien
propuso un nombre: Chejov. Anton Chejov era ya un dramaturgo conocido que había
fracasado con La gaviota, en 1896, en el Treatro Alexandrine de San
Petersburgo. Pero ése fue el reto de Stanislavski-Dantchenko: empezar con una
obra tildada de decadente. En 1898, el Teatro de Arte invitó al público
moscovita a contemplar una nueva versión de La gaviota. Se dice que
Stanislavski consiguió que el corazón hablara, que el silencio fuera elocuente,
que a los espectadores llegase la suave melancolía, aquella resignación tan
rusa de los personajes; todo un éxito que convirtió a La gaviota en símbolo del
Teatro de Arte de Moscú y del teatro ruso moderno.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Según el método psicológico-realista de Stanislavski, el actor
debe reflejar los sentimientos que, en una situación dada, pueden experimentar
sus personajes en razón del grado de conocimiento y de compromiso que les
vinculen a dicha situación. Todo esto es lo que el actor, ayudado por su
director, debe reconstruir para apropiárselo. Así, comentando años más tarde la
interpretación de Hamlet -obra que conceptúa como la más grande de la historia
del teatro-, exige que el actor que represente al protagonista conozca los
impulsos vitales que animan al personaje. Ello no debe implicar una
interpretación monocorde, pues aunque tal conocimiento dé la tónica al actor,
éste modificará su expresión según los estímulos que le lleguen desde las
circunstancias de la acción, desde los otros personajes con los que se
enfrenta, de acuerdo siempre con el conocimiento progresivo que de los demás
personajes y de sí mismo vaya adquiriendo a medida que avanza la
representación. El método Stanislavski, considerado como el método por
antonomasia en el mundo del teatro, tiene como finalidad ahondar en las leyes
ocultas del proceso creador, intentando, a través de una práctica asidua,
formularlas del modo más objetivo posible.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Para el actor ruso los textos de su propia dramática debían ser,
en un principio, los más adecuados, ya que hablaban de su realidad. Tras el
éxito de La gaviota en el Teatro de Arte, Stanislavski y Dantchenko suplicaron
a Chejov que siguiera escribiendo para el teatro. Chejov les entregó tres
nuevas obras, que siguen actualmente vivas: Tío Vania, iniciada en 1896 y
terminada en 1899, Las tres hermanas (1901) y El jardín de los cerezos (1904).
El éxito de estos textos les llevó a desempolvar otras anteriores, breves en su
mayoría, que Chejov había escrito hacía diez años, con algunos elementos de
farsa y de melodrama: El oso (1888), El canto del cisne (1888), La petición de
mano (1889), Tatiana Repín (1889), El aniversario (1891), etc. Por desgracia
para el teatro, cuando Chejov se encontraba en plena euforia creativa, con un
gusto exquisito por la escena, murió de una afección pulmonar en 1904.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Cabe evocar en este epígrafe a otros dramaturgos rusos. Leónidas
Andreiev (1871-1919) se inicia en una línea realista que pronto recarga de
símbolos. Lo propiamente ruso se mezcla con otras dramaturgias -Maeterlink en
particular- y acusa influencias de concepciones vitales -Schopenhauer y
Nietzsche, sobre todo. Como en Dostoievski, sus personajes se debaten entre la
inseguridad, la angustia y el impulso de la muerte. Pero Andreiev escapa
incluso al primer simbolismo para anunciar otras tentativas, como la del
absurdo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Máximo Gorki (1868-1936) muestra un realismo más constante, más
palmario, en el que los problemas y las reivindicaciones sociales lo acercan a
veces a lo revolucionario. Los pequeños burgueses (1901) y Los bajos fondos
(1902), estrenadas por el Teatro de Arte de Moscú, responden a estas
inquietudes. Gorki luchó por la revolución, colaboró con el régimen leninista,
aunque por diferencias ideológicas y pragmáticas dejó Rusia en 1921.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La vía realista de todos estos autores había sido preparada por
otros creadores a lo largo del siglo XIX. Entre ellos hemos de citar a Nicolai
Gogol (1809-1852), Alejandro Ostrovski (1823-1886) e Iván Turgueniev
(1818-1883). Gogol abogó desde sus inicios por un teatro autóctono ruso.
"¿Qué tenemos nosotros que ver con los franceses y todas esas gentes
exóticas? Que se nos dé algo ruso", reclamaba. El inspector (1836), es una
sátira de la Rusia zarista; una dramatización de su novela Almas muertas fue
representada mucho más tarde por el Teatro de Arte de Moscú. En Turgueniev
vemos ya prefigurado el tono chejoviano, sobre todo en Insolvencia (1849) y en
Un mes en el campo (1850). De Ostrovski hay que señalar su gran labor en el
Teatro Malí de Moscú, y el breve periodo, hasta su muerte, como director del
Teatro Imperial y de la Escuela Dramática. Entre sus obras destacan La tormenta
(1860) y El bosque (1872).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">8.
DE DUBLIN A LONDRES: ACTORES Y DRAMATURGOS IRLANDESES<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La creación del Teatro Independiente de Londres en 1891,
constituye otro intento de trasladar a Inglaterra la experiencia del Teatro
Libre de Antoine. Todo se debió al entusiasmo puesto en la empresa por J. T.
Grein. Grein siguió el camino de franceses y alemanes al elegir para sus
primeros estrenos a Ibsen (Espectros) y Zola (Teresa Raquín). El Teatro
Independiente tuvo también su dramaturgo: BERNARD SHAW (1856-1950), que estrenó
en 1892 Casa de viudos, escrita un año antes. A esta feliz circunstancia
debemos que Shaw, entusiasta estudioso de Ibsen, siguiese escribiendo para el
teatro comedias realistas, de gran agilidad de diálogo, provistas todas ellas
de una buena dosis de carga crítica hacia injusticias, hipocresías y tabúes de
la burguesía inglesa. Esta tendencia ha hecho que se le compare con otro
dramaturgo, igualmente de origen irlandés: Oscar Wilde, poeta maldito para la
sociedad puritana de Londres, a la que llegó a conocer como nadie en su
interior.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pese a su declarado fervor ibseniano, y pese a sus manifiestos
propósitos críticos, Shaw rebaja el tono realista para ofrecernos comedias
-algunas de tono tragicómico- en las que lo hiriente no va reñido con un
diálogo de fino y soterrado ingenio o manifiesto humor. De sus primeras obras,
que dividió de modo curioso en comedias agradables, comedias desagradables y
comedias para puritanos, hemos de destacar Cándida, y entre las últimas, La
conversión del capitán Brassbourd. Con posterioridad a esta etapa, Shaw
frecuentará la escritura dramática asumiendo la superación del naturalismo,
aunque sin dejar de ser él mismo en ningún momento. Subrayemos su conocido
Pigmalión (1913) y Santa Juana (1923), una de las grandes construcciones
dramáticas de este siglo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por su lado, Óscar Wilde (1856-1900) alterna, en la última década
del siglo XIX, la escritura simbolista y la comedia de costumbres que, sin
duda, podemos incluir en el realismo. Su origen -idolatraba a su madre, de
origen italiano-, formación -estudios en Dublín y Oxford, simpatizando con el
Romanticismo y Simbolismo franceses-, su psiquismo -excéntrico, snob,
homosexual-, su conocimiento directo de la alta sociedad puritana londinense
-las grandes damas se lo disputaban como la mayor atracción de sus salones, en
los que era el invitado más ocurrente y divertido- hicieron posible obras
poéticas como La duquesa de Par,," (1891) o Salomé (1984) -escrita para
Sara Bernhardt-, así como las comedias finas y bien construidas El abanico de
Lady Windermere (1892) y La importancia de llamarse Ernesto (1895).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Estos dos dramaturgos irlandeses universales no fueron, sin
embargo, los propulsores del notable movimiento escénico de este país en el
periodo que nos ocupa. El verdadero advenimiento teatral irlandés girará en
torno a dos figuras: el poeta William B. Yeats y la emprendedora Lady Gregory.
Todo partió de la institución de Dublín conocida como el Teatro literario
inglés. Poco después, en 1901, actores ingleses e irlandeses se unieron a Yeats
y Lady Gregory y constituyeron el Teatro Nacional Irlandés. Si en un principio
todo parecía indicar el nacimiento de un teatro poético, muy pronto los
hermanos Fay, que se encargaron de la dirección, juzgaron conveniente seguir
los consejos de Antoine. La adopción del estilo naturalista, teñido de humor y
de poesía, pareció sin duda la fórmula adecuada si tenemos en cuenta la
propuesta inicial del Grupo: mostrar, de modo costumbrista, la realidad social
y cultural de Irlanda, sin excluir las reivindicaciones de tipo patriótico
dirigidas sin paliativos contra la corona británica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Miss Horniman, una entusiasta del arte escénico de los actores
irlandeses, les ofreció como sede el Teatro de la Abadía de Londres. Todas
estas circunstancias, en especial su sentido nacionalista, hicieron que actores
irlandeses e incluso ingleses valoraran este grupo, así como los dramaturgos
irlandeses. De estos últimos hemos de mencionar a O'Casey y a Synge. Sean
O’Casey (1884-1964) participó durante esos años de la poética naturalista,
reivindicando la protesta proletaria irlandesa, la independencia y unidad de su
país, en definitiva, la lucha por la libertad. A lo largo de su carrera,
O'Casey siguió fiel a esta temática, aunque, tras la Primera Guerra Mundial,
derivó hacia una poética que incluía elementos simbolistas y expresionistas que
le valieron el rechazo del Teatro de la Abadía. John M. Singe (1871-1909)
poseía una gran formación artística. Pronto se instaló en París, donde entró en
contacto con Yeats, quien le aconsejó, felizmente para el teatro, que volviera
a su tierra irlandesa y conviviese con los campesinos a fin de estudiar sus
costumbres, lenguajes y problemas. Así lo hizo Singe. Pero-en él habla sobre
todo un poeta, más que un novelista al estilo de Balzac, a quien estas pruebas
de conocimiento de la realidad eran enteramente necesarias. En Synge, las
leyendas, mitos y usos populares irlandeses, unidas a las técnicas dramáticas
modernas, justifican para su teatro - y para el teatro irlandés de sus
compañeros - la denominación de poético-realista, aunque quizá también la de
realista<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">simbolista. Señalemos, en esta Iínea, Jinetes hacia el mar (1903)
y El héroe del mundo occidental (1907), que se considera su obra maestra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En 1911, los irlandeses, que en Londres y en Europa eran
reconocidos ya como el mejor grupo teatral de expresión inglesa, cruzaron el
Atlántico para mostrar su arte en los Estados Unidos de América.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">9.
EL REALISMO DRAMÁTICO EN LOS ESTADOS UNIDOS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Aunque el teatro en América del Norte era tan antiguo como la
misma colonización que lo importó, la aparición de una dramaturgia propiamente
autóctona se sitúa en torno a la Guerra de Secesión. La Guerra Civil
proporcionó multitud de relatos que, contados sobre las tablas, no disimulaban
un halo romántico algo trasnochado. Por otro lado, la infraestructura teatral a
principio del siglo XX. era considerable. Echando mano del propio estilo de los
cómputos americanos, ofrecemos estas cifras dadas por los historiadores: cinco
mil salas de teatro en todo el país, con una capacidad superior a los cinco
millones de localidades. El tren hacía posible los necesarios desplazamientos
de los actores para cubrir tan extensa geografía. En las ciudades más
importantes había de quince a veinte locales de teatro. Por su parte, las
universidades empiezan a tomarse en serio este arte. Hay un nombre que citar al
respecto: George Pierce Baker, profesor de Harvard. Según él, las obras
dramáticas deben ser estudiadas en laboratorios. En teatro, el laboratorio es
el escenario. Entre los discípulos de Baker se encontraba un joven que se
convertirá en el dramaturgo iniciador y propulsor del moderno teatro americano:
Eugene O’Neill (1888-1953).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En Nueva York florecieron algunos grupos importantes de jóvenes
actores y dramaturgos ansiosos por emular lo que ocurría en Europa. Uno de
estos grupos, los Provincentown Player, pasarán a la historia del teatro por
haber lanzado al joven O'Neill con Rumbo a Cardiff (1916). A éste seguirán
otros estrenos memorables, como los de El emperador Jones (1920) y El mono
peludo (1922). La fama lo llevó a Broadway, donde obtuvo sus más resonados
éxitos gracias, sin duda, a su talento para construir dramas, aunque también, y
en buena medida, a las magníficas escenografías de Edmund Jones en El deseo
bajo los olmos y A Electra le sienta bien el luto. Las fechas de los estrenos
de estas obras, principio de los años 30, a los que debemos añadir el de Largo
viaje hacia la noche, en 1940, ponen de manifiesto el retraso del realismo
dramático americano en relación con el europeo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Sin embargo, no es O'Neill un epígono de las corrientes realistas
del viejo continente. Es cierto que los actores irlandeses enseñaron mucho en
los Estados Unidos, incluso al propio O'Neill. Pero hemos de recordar
igualmente que su repertorio e interpretación ya suponían una variación con
respecto a los movimientos europeos de finales del siglo XIX, a pesar de
inspirarse en ellos. Para entender el fenómeno O'Neill hemos de tener en cuenta
su gran conocimiento tanto del mundo teatral como de su público, pues no en
vano es hijo de un gran actor, hecho que le hace viajar con la familia por todo
el país, y conocer la profesión desde los bastidores. Añadamos a eso su
admiración y estudio de la tragedia griega, iniciada con el profesor Baker, y
que influye manifiestamente en su obra, según sus críticos; también
condicionaron su obra el conocimiento de la vida americana, de sus
frustraciones y deseos, así como su rica y accidentada biografía (madre depresiva
que es preciso internar y mantener con alucinógenos, sus tres matrimonios,
etc.).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No se deben medir con el mismo parámetro todas las piezas de
O'Neill. Es preciso evitar la tentación generalizadora a la hora de enfocar su
comentario o proyectar su puesta en escena. Si es cierto que su teatro arranca
del naturalismo, también lo es que éste evoluciona hacia tendencias muy
diversas: expresionismo, simbolismo, psicologismo. Se puede decir que el
realismo psicológico va a caracterizar buena parte del teatro americano
posterior a O'Neill. Es notable su influencia, junto con la de grandes autores
europeos, como Ibsen y Strindberg, en dramaturgos como Tennessee Williams y
Arthur Miller. El primero es autor de piezas tan conocidas como Un tranvía
llamado deseo (1947) y La gata sobre el tejado de cinc caliente (1955), pero
también de otras menores, y menos representadas -muchas de ellas situadas en el
barrio francés de Nueva Orleáns-, que constituyen un buen exponente de ese
absurdo a la americana que de los hermanos Marx nos lleva a la más reciente y
genial novela de T. Kennedy, La conjura de los necios. Miller, que con su
fórmula realista presenta una producción más monótona y monocorde, nos ha
dejado títulos memorables como Todos eran mis hijos (1947), La muerte de un
viajante (1949) y Las brujas de Salem (1953).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otros nombres que completan la lista de dramaturgos
norteamericanos son William Saroyan, Arthur Laurents, William Inge, Robert
Sherwood, Clifford Odest... Ocurre con frecuencia en la historia del teatro,
que los autores surgen cuando las condiciones de la escena les son favorables.
En este sentido, a los citados habría que relacionarlos con el llamado Group
Theatre, fundado en Nueva York en 1931 por Harold Clarman, Lee Strasberg y
Cheryl Crawford. Este grupo contó con un elenco de buenos actores, entre los
que hemos de citar a John Gorfield, Stella Adler, Elia Kazan y M. Carnowsky. El
Group Theatre adoptó el método Stanislavski, con las sugerencias y adiciones de
Strasberg, su más dinámico director. Tras la disolución del Group Theatre en
1941, Strasberg continuó con su labor de dirección y de enseñanza de actores,
para lo que fundó, en 1947, el famoso Actor's Studio. El teatro y el cine
americano, de tendencias psicologistas y realistas, tiene, desde esos años, una
deuda inmensa con Strasberg y, por su mediación, con Stanislavski y su método.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">10.
LA PRIMERA GRAN CONTESTACIÓN AL REALISMO: ALFRED JARRY</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No tardaría mucho en aparecer la primera gran contestación al
realismo de las últimas décadas del siglo XIX. Paul Fort y, sobre todo,
Lugné-Poe exageraron la reacción, llegando el segundo a auténticas ceremonias
de recitados altisonantes que, sin embargo, evolucionaron hacia un
"realismo mitigado". La principal destrucción de la norma imperante,
desde el texto dramático propiamente dicho, fue debida a un joven alumno de
enseñanza media, llamado Alfred Jarry (1873-1907). A la edad de dieciséis años
escribió una obra que, en su primera versión, era un teatro de marionetas, de
ahí la carga caricaturesca y el carácter de farsa de los personajes, sus tics,
lenguajes, gestos y poses. El texto, llamado inicialmente Los Polacos, será
pronto su universalmente conocido Ubú rey. Se ha dicho que con Ubú rey se
inicia el surrealismo y otros intentos vanguardistas del siglo XX., como el
absurdo, particularmente el de Ionesco. No hace falta ser muy perspicaces ni
conocer su origen para ver que Jarry se está riendo de sus criaturas, ante todo
del protagonista, el Pére Ubú, o tío Ubú, como quizá haya que traducirlo. Pero se
mofa también de su mujer, la tía Ubú, así como de los ambientes y lenguajes que
se incluyen en la obra, de las historias y relatos que en ella se ironizan, del
propio teatro trágico, con sus héroes, reyes, intrigas, conflictos ridículos,
ambiciones e incultura. Esta risa destructiva y grotesca no era la risa de la
comedia o del vodevil, siempre controladas por el buen gusto y la moderación
exigidos por el público teatral. En el fondo, Jarry se está riendo del propio
teatro. Para Oliver Walzer, en Ubú rey, como luego en el teatro dadá, se
produce una voluntad de ruptura, de querer sorprender y provocar, de lanzar el
lenguaje teatral por las aventuras menos controladas y hacer saltar en pedazos
los castillos del sueño, de lo maravilloso y del humor. Ubú rey representa,
desde esta perspectiva, algo nuevo, un comienzo absoluto. Es la primera brecha
abierta en la concepción del teatro tradicional en nombre de lo absurdo, de lo
irrisorio e irracional.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ubú, antiguo rey de Aragón y capitán de dragones de Polonia, es
representado como un obeso fanfarrón. Su mujer, la tía Ubú, lo empuja a
destronar al rey Wenceslao para enriquecerse. Así lo hace Ubú. Acto seguido
apremia a los nobles y a los financieros con una energía que deja atónita a la
propia tía Ubú. Pero Ubú será echado del trono por Bougrelas, hijo del rey
destronado, que cuenta para ello con el apoyo del zar de Rusia. Por su enorme
barrigón, por sus juramentos y tacos, entre ellos ese merde (mierda) que tanto
escandalizó en su estreno, este personaje burlesco, tirano, tonto y cruel se
gana un lugar en la mitología dramática. Por su parte, la historia del siglo
XX. se ha encargado, por desgracia, de mostrárnoslo repetidas veces en la
realidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Jarry tomó el tema de las humoradas de sus compañeros del Liceo de
Rennes, que tenían como blanco a un ridículo profesor de física, llamado
Monsieur Hébert. A éste lo convirtieron en personaje de letrillas y héroe de
una canción de gesta grotesca, a la que todos iban añadiendo hazañas. Del
traslado de parte de esa gesta a la farsa Los polacos partió Jarry, que
representó la pieza con sus compañeros, en una especie de ritual privado. Era
1889. Años más tarde, en París, Jarry se convirtió en secretario de Lugné-Poe,
a quien persuadió para que montara Ubú rey, convertida en comedia dramática en
cinco actos. El estreno tuvo lugar el 10 de diciembre de 1896, con el actor
Firmin Gemier en el papel protagonista. El escándalo fue inenarrable.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Algunos otros hitos se pueden señalar en la Francia finisecular o
de los inicios del siglo XX., como Las tetas de Tiresias, de Apollinaire,
representada en 1917, o Las impresiones de África, de Rousell. Con ello
llegamos a los intentos del teatro dadaísta que, a su modo, pretendía destruir
la escena, aunque todo quedara en unas veladas encaminadas a provocar al
público, a irritarle o a tomarle descaradamente el pelo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">11.
ADOLPHE APPIA Y GORDON CRAIG<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No todos los grandes hombres de teatro durante el realismo fueron
realistas. El teatro no podía cerrarse a una imitación más o menos pasiva de la
realidad, en tanto que imitación, y había que iniciar el camino de aproximación
a esa realidad, dentro de su propio contexto, como hecho mutable. El suizo
Appia y el inglés Craig, a quienes ya aludimos en el capítulo anterior al
tratar de la escenografía simbolista, se situaron en el frente de lucha que
tenía como objetivo el hacer un teatro teatral, un teatro cuyo punto de partida
fuera esa convencionalidad innata que desdeñara Zola.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Adolphe Appia (1862-1928) fue uno de los grandes renovadores del
teatro, a partir de sus trabajos sobre la música escénica, sobre todo en el
drama wagneriano. Había estudiado música en Ginebra y Leipzig. Precisamente su
libro más importante se titula La música y la puesta en escena, comenzado en
1892, con primera edición (Munich, 1899) ilustrada con dibujos del propio
autor. Los bocetos de sus "espacios rítmicos" los inició en 1909.
Curiosamente, Appia no es un creador prolífico. Sus más importantes
aportaciones vinieron de diseños de ópera. En este sentido, ha sido más interesante
la influencia que generó, que su propio trabajo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La estética de Appia se dirige a reforzar la acción dramática a
través de la escena simbolista, apartándose totalmente del naturalismo. Para
ello manejó con especial énfasis la luminotecnia (la "luz viva" que
decía, mutable además), utilizando las nuevas posibilidades de la electricidad;
rompió con el viejo escenario a la italiana, sustituyendo el decorado de tela
por construcciones corpóreas y practicables, en donde el juego del actor, su
movimiento corporal, tendría una importancia básica ("la puesta en escena
es un cuadro que se compone en el tiempo"). En sus diseños, Appia colocaba
a los actores en lugares distintos según cada escena, siempre con sus
correspondientes cambios de luz. Era la primera vez que se producía el
razonamiento de la puesta en escena, como algo vivo y cambiante. Asimismo, sus
esfuerzos buscaron la integración de la música en el teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Gordon Craig (1872-1966) es el otro gran hombre de teatro de entre
siglos. Actor primero, su labor como director, escenógrafo y teórico, dejaron
decisiva huella en el desarrollo de la escena imaginativa y antinaturalista. El
Arte del Teatro (1905) fue su primer \ más importante ensayo. Para él, la
esencia del arte teatral está en proporcionar valor dramático a la línea y al
color con el movimiento. "Si admitimos que el hombre de carne y hueso se
exprese por medio de gestos realistas, ¿por qué no aceptar también que la
realidad escénica pueda soportar una pantomima realista?", afirma Craig.
De sobra es conocida su relación artística y sentimental con Isadora Duncan,
famosa por sus alardes con el cuerpo en la danza moderna.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">De 1908 a 1929 publica la revista The Ma.rk, donde escribe
artículos con más de setenta seudónimos. En ella aporta, además de ensayos
sobre historia del teatro, estudios sobre aspectos rituales de la escena, que
se sitúan más cerca del teatro griego y el Noh japonés, que de la literatura
dramática y el realismo. Su encuentro con Appia (Zurich, 1914) hizo más
identificable la trayectoria de ambos. Como el teórico suizo, Craig se fija en
el espacio, las luces y el ritmo. Renuncia a las bambalinas y telones pintados
en beneficio de estructuras tridimensionales. Inventa pequeños y móviles
biombos para sustituir la función del escenario habitual; así presentó un
Hamlet (1912) en el Teatro de Arte de Moscú, a requerimiento de Stanislavski.
Al igual que Appia, los trabajos prácticos de Craig fueron muy escasos, en
comparación con sus escritos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">TEXTOS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">... El decorado del XVIII le iba de maravilla a los personajes del
teatro de la época; a dicho decorado, como a sus personajes, les faltaban las
particularidades; por ello se mostraba amplio, difuminado, perfectamente
adecuado al desarrollo de la teórica y a la pintura de héroes sobrehumanos. De
modo que, para mí, constituye un sinsentido volver a representar hoy las
tragedias de Racine con gran brillo de vestuarios y de decorados [...].<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hemos contado con las tragedias de Voltaire, en las que el
decorado ya desempeñaba su papel; luego con los dramas románticos que
inventaron el decorado fantástico y obtuvieron de él los mayores efectos
posibles; hemos contado más tarde con los bailes de Scribe, ejecutados ante un
fondo de salón... En estos momentos, el decorado exacto es consecuencia de la
necesidad de realidad que nos atormenta. Es inevitable que el teatro ceda a
este impulso, en esta época en la que la novela en sí no es otra cosa que una
encuesta universal, un proceso verbal alzado a cada hecho. Nuestros personajes
modernos, individualizados, actuantes bajo el imperio de las influencias que
los rodean, viviendo nuestra vida en el escenario, resultarían completamente
ridículos en el decorado del siglo XVII.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">¿Cómo no advertir el interés que un decorado exacto añade a la
acción? Un decorado exacto, un salón, por ejemplo, con sus muebles, sus
jardineras, sus baratijas, muestra de inmediato una situación, dice el mundo en
el que estamos, expone los hábitos de los personajes [...]. Soy consciente de
que, para apreciar todo esto, hay que sentir a los actores vivir la obra en vez
de figurarla. El procedimiento es sensiblemente distinto. Scribe, por ejemplo,
no tiene necesidad de ambientes reales porque sus personajes son personajes de
cartón. Yo hablo de decorado exacto para aquellas obras en las que haya
personajes de carne y hueso, que lleven con ellos el aire que respiran.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Un crítico ha dicho con mucha sagacidad: "En otro tiempo,
personajes verdaderos se movían ante decorados falsos; hoy, los personajes
falsos se mueven ante decorados verdaderos" [...]. La evolución
naturalista en el teatro ha comenzado fatalmente por el<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">lado material. Era lo más cómodo... Porque cambiar los personajes
falsos por personajes verdaderos es más difícil que transformar los bastidores
y los telones [...]. Un escritor vendrá, no lo dudemos, que pondrá por fin en
escena personajes verdaderos en decorados verdaderos. Entonces lo entenderemos
todo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 128.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(EMILE ZOLA, El Naturalismo en el teatro.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 128.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 128.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No hay papeles pequeños, sólo hay actores pequeños. Hamlet hoy,
figurante mañana, servidor del arte siempre... El actor, el pintor, el
atrezzista, el tramoyista, tienen una misma finalidad: la de servir al poeta...
Inexactitud, pereza, caprichos, nervios, papeles mal aprendidos, necesidad de
que el jefe repita varias veces lo mismo... He aquí algunas de las trabas que
deben desaparecer [...].<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">He probado por todas las vías y con todos los medios. He pagado mi
tributo a todas las modalidades de la puesta en escena: realista, histórica,
simbólica, ideológica. He estudiado las corrientes y los principios más
diversos: realismo, naturalismo, futurismo, arquitectura, estatuaria,
estilización por medio de colgaduras, biombos, tules y efectos de iluminación.
Y he llegado a la convicción de que ninguno de esos medios le crea al actor el
fondo que reclama su arte. El único soberano de la escena es el actor de
talento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 92.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 128.25pt; margin-right: 56.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(Extractos de STANISLAVSKI.)<o:p></o:p></span></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-59052906748748163442017-10-19T10:03:00.002-04:002017-10-19T10:03:15.650-04:00La ópera del teatro simbolista<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none; text-align: center;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 24.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La ópera del teatro simbolista<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1.
La ópera<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 1. Nacimiento<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 2. Componentes principales<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 3. La ópera en Europa: expansión
y evolución. La ópera bufa<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 4. Y llegó Wagner<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">II.
Simbolismo y teatro total<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 1. Los inicios<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 2. Características<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 3. Las representaciones
simbolistas<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 4. Los primeros teatros<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 5. Autores y obras<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 6. Simbolistas españoles<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 72.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Textos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">I.
LA ÓPERA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1.
NACIMIENTO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La ópera nace en Italia en el siglo XVII. Este hecho hace justicia
a un país que, desde el teatro antiguo romano, pasando por la Edad Media y el
Renacimiento, marca la pauta en Europa, entre otras innovaciones: por el uso de
la música y el canto en el espectáculo, por las investigaciones escenográficas,
por la cultura de sus magnates y mecenas que al buen gusto unen el deseo de
ostentación y lujo como demostraciones de poder. Por ello, la ópera constituye
en sus orígenes un espectáculo principesco, para un público distinguido. La
primera ópera, como tal considerada, fue estrenada el 6 de octubre de 1600, día
de la boda de María de Médicis con Enrique IV, en Florencia. Su título fue
Eurídice, un mito que hará fortuna en el teatro lírico, y su autor, Jacopo
Peri.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Antes de pasar adelante convendría definir, en sus rasgos más
sobresalientes, este nuevo género. Se trata de un teatro de gran espectáculo
cuyo componente esencial, de principio a fin, es el canto, acompañado por la
orquesta. En la ópera la acción se expone en los diálogos y solos cantados, y
transcurre en el marco de una escenografía de lujo. El coro aparece también en
este género, en intervenciones polifónicas, solemnes; en momentos de danza...
Difiere bastante, pues, del primitivo coro de las tragedias 'griegas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Podríamos desarrollar algunos de sus aspectos o plantearnos
algunas interrogantes. Por ejemplo: ¿no queda la ópera fuera del espectáculo
dramático, para convertirse con frecuencia en un concierto escenificado? ¿No es
la ópera un espectáculo elitista, para minorías? Parece que algo de todo esto
existe en la realidad. Sólo en Italia la ópera contó con un público fiel desde
sus inicios. Pero, como veremos, este género se ha ido acercando, gracias al
esfuerzo de modernos directores escénicos, al teatro dramático. En la
actualidad cuenta con un número cada vez mayor de adeptos en todas partes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2.
COMPONENTES PRINCIPALES<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La
escenografía<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La ópera lleva al grado máximo de su desarrollo las invenciones de
las que el artesano y el artista del teatro han hecho gala, desde el
theologion, o cielo de los griegos, hasta los ingenios renacentistas, pasando
por el teatro medieval con sus originales Misterios. Este lujo se evidencia en
los telones de terciopelo, en los grandes decorados pintados, en el desarrollo
de maquinarias que permiten hazañas tales como representar un cielo poblado de
ángeles, desplazar nubes y dragones, convertir el mar en un prado de flores,
sorprendernos con cavernas en llamas que figuran las mansiones infernales...
Desde el principio destacó por su inventiva en estas artes Bernardo
Buontalenti, especializado en diversos juegos de agua, inundaciones, travesías
de barcos y los más sorprendentes cambios a la vista del espectador: un
fantasma que abre los brazos para dejarnos ver todo un palacio, soldados que
plantan sus lanzas, las cuales se transforman en surtidores y árboles que
conforman un bello jardín... Estos cambios se operaban por rotación de prismas
triangulares colocados en los laterales de la escena, desplazamientos de
telones, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el escenario, sin embargo, la perspectiva de los decorados se
avenía mal con los personajes. Desde el momento en que el actor entraba por
ellos o se aproximaba al telón de fondo, se echaba de ver el contraste ridículo
de las mansiones y paisajes con su figura. Se dice que era ésta una de las
razones por las que los solistas solían avanzar hasta el proscenio, particularmente
en sus momentos de lucimiento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Vestuarios<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En principio no solían atenerse al criterio de fidelidad a la
realidad o a la época, pues ello habría ido, en muchos casos, contra el boato y
el lujo que la ópera debía mostrar. Por otro lado, los anacronismos en el
vestuario no son infrecuentes en la pintura posrenacentista y barroca de los
grandes maestros, como tampoco lo son los referidos a los ambientes naturales o
arquitectónicos. Por su lado, los accesorios y los muebles son menos usuales en
este género.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Iluminación<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En este punto se limitan a perfeccionar los inventos de Serlio y
de Sabbatini, de los que ya hemos hablado al tratar del Renacimiento italiano,
a fin de hacer visible el lujo escénico y crear ambientes de magia y de
misterio. En 1822 tuvo lugar un acontecimiento capital en la Opera de París: la
iluminación por gas, al que ya nos hemos referido al término del capítulo
anterior. Se utilizó por primera vez en el estreno de la obra Aladino o la
lámpara maravillosa, de Isouard. Finalmente, en 1849, con El Profeta, de
Meyerbeer, se empleará, por primera vez, la luz eléctrica en escena. No es
necesario insistir sobre los mil efectos que este medio ponía en manos de
directores y escenógrafos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Interpretación<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los cantantes-actores constituyen el componente más delicado y
controvertido del espectáculo. Ante todo han de tener buenas dotes musicales,
pero deben poseer también genio interpretativo, pues representan a unos
personajes. Aunque, desde un principio, los compositores advierten que el cantor
no debe olvidarse del actor, hemos de confesar que, en la ópera, primó ante
todo el canto y el marco escenográfico. Dicho de otro modo, la música era el
objeto del espectáculo, mientras que el drama constituía sólo su medio o marco
argumental. No al revés. Por otro lado, el acompañamiento de la orquesta, la
intervención del coro, el tono agudo de las sopranos, hacían difícil el
seguimiento del texto, incluso para los espectadores que comprendían el idioma
en que el texto estaba escrito. Advirtamos que las mujeres empiezan a
convertirse en virtuosas del nuevo arte a finales del siglo XVII, aunque esto
no hizo que desapareciesen de inmediato los numerosos castrados que,
habitualmente, eran los destinados a los papeles femeninos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por su lado, los autores seguían abrigando inicialmente la ilusión
de ser seguidos por el público. Para salvar los escollos aquí señalados, el
texto de la representación podía ser adquirido por los espectadores a la
entrada del teatro y seguido con la ayuda de pequeñas velas o cerini. Todas
estas incomodidades hacen que el público, que puede quedarse mudo de admiración
ante las magnificencias del arte visual y el deleite del bel canto, también se
distraiga cuando éste se hace monótono, hable con su vecino, se entrometa con
los intérpretes, se mueva por la sala... Por su parte, los solistas llegaban a
pavonearse de sus interpretaciones; acudían, al término de las mismas a saludar
a los amigos... Todo esto nos hará sin duda recordar al público las comedias de
Plauto y de Terencio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Teatros<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Este género necesitaba de espacios apropiados, por lo que pronto
se echó de ver la conveniencia de disponer de teatros dedicados exclusivamente
a él. El primero de ellos no se hizo esperar. Fue construido en 1637 en
Venecia. Pero fue tan frecuentado que a final de siglo ya contaba esta ciudad
con dieciséis teatros de ópera. No hay que decir que a Venecia no tardaron en
sumarse de inmediato Roma, Florencia y otras ciudades italianas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3.
LA ÓPERA EN EUROPA: EXPANSIÓN Y EVOLUCIÓN. LA ÓPERA BUFA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pronto prendió por toda Europa la ópera italiana. Era lógico que,
bajo la tutela de Mazarino, se la favoreciese en Francia. Cuando, en 1647,
Luigi Rossi representó su Orfeo en París, dejó admirado al público francés con
sus efectos y portentos. Durante el reinado de Luis XIV, los italianos fueron
los maestros de ceremonias en la Corte francesa. Ellos organizaban los
cortejos, las parades, las comedias-ballets. Pero pronto, los franceses pasaron
de discípulos a maestros, con la pretensión incluso de competir (Mansart, Boucher,
Rameau...) con los propios italianos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hay algo todavía más destacable. Los franceses fueron los
creadores, en el siglo XVIII, de un subgénero operístico conocido como ópera
bufa. Sus precedentes habría que buscarlos en la propia tradición francesa, en
sus comedias con cantos y sus recitales juglarescos. Recordemos el fuego de
Robín y de Marión, del siglo XIII, conceptuado como un precedente de la
opereta. En realidad, la ópera bufa es, finalmente, una comedia con cantos,
ideada por los artistas de las ferias de Saint Laurent y de Saint Germain, en
París, que eran un poco de todo: recitadores, cómicos, marionetistas y
saltimbanquis. En los ambientes serios -Opera de París, Comédie Française- se
creía que estos feriantes pretendían poner en ridículo tanto la ópera como la
comedia. En consecuencia, estas instituciones echaron mano de su fuerza y de
sus influencias, entre las que contaban con la del propio rey, para prohibir el
espectáculo de los feriantes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Sin duda, el nacimiento de esta ópera bufa parisiense constituye
una de las anécdotas más curiosas de la historia del teatro. Vale por ello la
pena contarla en sus principales momentos. A los artistas cómicos de feria se
les prohibió primero el diálogo en escena, permitiéndoseles el monólogo como forma
suficiente para exponer lo que ya venían haciendo anteriormente. Esta
prohibición dio origen a diversas astucias para burlarla: que un actor
respondiera entre bastidores dejando el escenario a su interlocutor, quien, a
su vez, se ocultaba al término de su réplica para dejar salir al primero...,
dando lugar con este juego a gags de gran comicidad. Como tantas otras veces en
la historia del teatro, las prohibiciones y censuras provocaban invenciones
formales y estructurales que enriquecían el arte de la representación. Pues
bien, ante estas burlas por respuesta, el consejo del rey prohibió entonces a
los foráneos el uso de la palabra y, por su parte, la Real Academia de la
Música les prohibió que cantasen. Sólo les quedaba la música instrumental y el
mimo. Y pensaron, antes de claudicar, en presentar al público el texto escrito
en paneles de uno o dos metros. Con esto el público seguía, mal que bien, la
historia contada, se divertía y acababa cantando, al son de la música, las
canciones que astutamente se presentaban en los paneles.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Al igual que en Francia, en Alemania e Inglaterra la ópera se
inicia bajo el consejo y la imitación de los italianos. A lo largo del siglo
XIX, la ópera irá evolucionando por vías diversas, antes de aproximarse a ese
espectáculo total que pretende ser con Wagner.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Una de las preocupaciones mayores de los autores era la de dar con
los cantantes-actores adecuados. Para Mozart, la interpretación debía ser
verdadera; el cantante debía transmitir, a través de la voz, la expresión, el
sentimiento, el tono, la tensión de lo que dice el texto, pues las melodías han
sido compuestas precisamente de acuerdo con tal texto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otro cambio podría estar en la elección de temas y argumentos.
Poco a poco vemos cómo los temas mitológicos griegos dejan paso a historias más
recientes, ubicadas en Oriente, en España o en los propios lugares de la
creación. <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Recordemos algunos títulos de Mozart: Don Juan, Las bodas de
Fígaro, El rapto del serrallo, La flauta mágica... Con los románticos, en el
siglo XIX, la temática se hace más variada, al tiempo que la escenografía se
puebla de cascadas, ruinas, bosques, ambientes góticos. Los argumentos se toman
de grandes obras dramáticas, entre las que no faltan los dramas de Shakespeare;
de la Biblia, de la historia romana. Algunos títulos lo ratifican: Otelo,
Macbeth, Aida, Nabuco, Don Carlos, de Verdi; Guillermo Tell, La italiana en
Argel, El barbero de Sevilla, de Rossini; Norma, de Bellini; Don Quijote,
Manon, de Massenet; Romeo y Julieta, de Berlioz; El profeta, de Meyerbeer;
Fausto, de Gounod...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">4.
Y LLEGÓ WAGNER</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Wagner fue un autor exigente hasta el máximo consigo mismo, en
primer lugar, y con los demás, en segundo término. Particularmente, con los
cantantes. Al tiempo que grandes intérpretes debían éstos ser grandes actores,
sobrepasando a los del drama o de la comedia. Y con razón, pues dada la larga
duración del canto, el actor de ópera debe contener el gesto; administrar con
medida los movimientos; reflejar el impacto de las réplicas de sus
interlocutores o del coro. No hay que decir que Wagner prohibió radicalmente
todos los guiños de connivencia entre cantores y público (no se debía, según
él, lanzar la voz a la sala; había que acompasar los recitativos al mismo ritmo
que el canto...).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Como modelo de su gran teatro lírico tomó sin dudarlo al teatro
griego. En la tragedia griega encontró cuanto andaba buscando: Una mitología
que explicaba la propia identidad de un pueblo; una concepción religiosa y
poética del espectáculo; una perfecta estructura dramática; una adecuada
combinación de ciertos lenguajes escénicos. Clarividente a partir de esos
principios, Wagner, que lo es todo -músico, poeta, dramaturgo, director-,
emprende la reforma de la ópera. El romántico francés, Gérard de Nerval, que
acudió a Weimar, el 25 de agosto de 1850, al estreno de Lohengrin, nos aclara
certeramente: "El carácter de este poema imprime a la obra la forma de un
drama lírico más que el de una ópera." Esta afirmación apunta al fondo del
problema. Wagner quiere recuperar el drama, sin que éste se diluya en voces,
arias, danzas, coros y demás componentes del espectáculo. Partirá de un mito o
leyenda. La música, la pintura, la poesía deben servir a esa leyenda, juntas o
por separado, según convenga para el mayor esplendor de la exposición dramática.
De este modo, Wagner pensaba que lo que hicieron los griegos se podía hacer
también en la Europa de XIX, buscando en sus mitos las raíces de su identidad,
de su conformación religiosa y cultural. Los dioses antiguos se verán
reemplazados, en algún momento rodeados, por las divinidades nórdicas o por los
héroes de las leyendas cristianas de la Edad Media: Tanhaüser, Lohengrin, la
tetralogía El oro del Rhin, Parsifal, .Sigfrido...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">II.
SIMBOLISMO Y TEATRO TOTAL<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1.
Los inicios<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Resulta del todo imposible e inadecuado estudiar el teatro
simbolista separándolo del movimiento artístico global en el que se produce. El
simbolismo conecta, a este respecto, con tres predecesores de talla: Hegel, en
el terreno de la intuición pensante; Baudelaire, en el redescubrimiento de las
correspondencias de todos los seres, cosas y sensaciones que el hombre
encuentra en su caminar; Wagner, en el intento de reunión de todas las formas
de la expresión artística en un espectáculo total capaz de despertar en el
espectador modos y ámbitos de percepción muchas veces dormidos. (Por estas
razones, aunque el simbolismo pueda explicarse en sus inicios como una reacción
contra el naturalismo, o como un cansancio del detallismo realista -como
veremos en el próximo capítulo-, nos ha parecido adecuado presentarlo aquí, en
este momento.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Aunque bastante de lo que hicieron los simbolistas, tanto en el
teatro como en otros campos artísticos -música, poesía, pintura, narrativa-
haya dejado de interesar en la actualidad, hay también que decir que otra gran
parte de dicha producción sigue aún vigente a finales del siglo XX. Por otro
lado, este movimiento ha sido de capital importancia en el arte de nuestro
siglo, particularmente en la mayoría de las tentativas de corte vanguardista,
empezando por los propios superrealistas. De los artistas simbolistas -belgas y
franceses en su mayoría- hemos de citar a los dramaturgos y poetas Mallarmé,
Villiers de 1'Isle Adam, Edouard Dujardin, Josephin Péladan, Maurice
Maeterlinck, Saint-Paul Roux, Elemir Bourges, Paul Claudel, Francis James. Si
los románticos franceses, en contra de la opinión general del público, se
entusiasmaron con Wagner, Baudelaire fue el verdadero intermediario entre el
compositor y los simbolistas. Bajo la protección del maestro lograron fundar
éstos en París, en febrero de 1885, la Révue wagnérienne. Esta revista, junto
con la Révue indépendante que le sobrevivirá a partir de 1888, tuvo el mérito,
aparte de exponer y comentar la obra del músico alemán, de aunar y dar forma a
las tentativas e intuiciones del movimiento simbolista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2.
Características<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Como características más importantes del simbolismo podemos
señalar:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- La búsqueda de la Idea por el Hombre, por medio de la intuición
y de la meditación. No se tomará como modelo, como ha hecho el arte realista o
impresionista, la cosa en su objetividad externa. Hay que penetrar más en lo
profundo. Hay que buscar en la mente, en el espíritu, a través de la cultura,
de la mitología y de la historia, las ideas y las imágenes capaces de expresar
al hombre en su totalidad. El simbolismo es un modo de conocimiento que
antepone el Espíritu a la materia. En el principio fue el Espíritu, que dirá
Dujardin, en la línea de Hegel. De ahí que se interprete también como una
reacción contra el realismo-naturalismo de signo materialista, del que es su
contemporáneo, particularmente contra Zola.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- Pero para expresar artísticamente la Idea, necesitará del
auxilio de la materia. En este punto, los simbolistas adoptan dos caminos
distintos: el de la depuración y aquilatamiento de los medios expresivos, aun
forzando su sintaxis y sus relaciones semánticas, o bien el de la prolijidad o
acumulación en la obra dramática de símbolos y lenguajes. Mallarmé optó por la
primera vía, ofreciéndonos sólo breves esbozos dramáticos: Herodías, La siesta
de un fauno. La vía de la prolijidad y de un cierto barroquismo decadente fue
la más seguida, a imitación de lo que en pintura legendaria y ornamental hacía
Gustave Moreau.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- Preferencia por los relatos míticos, por las leyendas, antes que
por la historia. El mito, aparte su interpretación como ejemplo y símbolo, es
más maleable. La historia es más rígida. Cuando los simbolistas acuden a la
historia es para mitificarla, aunque para ello sea preciso echar mano de todo
tipo de libertades con ella. Así ocurre con todo el teatro de Claudel de signo
"histórico".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- La búsqueda de lo simbólico se confunde, en muchas ocasiones,
con la búsqueda de lo trascendente, de lo oscuro y muy en particular de ciertos
temas obsesivos (el más obsesivo de todos ellos, y el más teatral sin duda,
será el de la Muerte). Ello explica que los dramaturgos simbolistas sean unos
estudiosos de los fenómenos mágicos, esotéricos, religiosos. Más que de
religión cabría hablar de teosofía o de gnosis mística, tal como la explica
Edouard Schuré en su libro Los grandes iniciados, de 1889, que fue ávidamente
leído por algunos dramaturgos simbolistas. Entresacamos esta cita:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La
gnosis o mística racional de todos los tiempos es el arte de encontrar a Dios
en uno mismo, desarrollando las profundidades ocultas, las facultades latentes
de la conciencia (...). Las perspectivas que se abren en el umbral de la
teosofía son inmensas, sobre todo si se las compara con el horizonte estrecho y
desolador en que el materialismo encierra al hombre o con las propuestas
infantiles e inaceptables de la teología clerical. Al percibirlas por primera
vez se experimenta el deslumbramiento de lo infinito. Los abismos del
inconsciente se abren en nosotros mismos, nos muestran las simas de donde
salimos, las alturas de vértigo a las que aspiramos.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- Finalmente, este teatro no puede dejar de ser, de principio a
fin, un teatro poético; lo que no quiere decir -adviértase bien un teatro en
verso. Sólo la poesía puede ser el vehículo adecuado para mostrar el arte y sus
símbolos, y sólo así puede la palabra conjugarse con las otras artes del
espectáculo. La práctica de la escritura poética intensa despierta en el
poeta-dramaturgo sus percepciones inconscientes, como ha demostrado el
psicoanálisis. Esta escritura está muy cerca del onirismo, de las fantasías de
los sueños, procedimiento argumental o temático al que acuden frecuentemente
los dramaturgos simbolistas. Pero muchas veces, la palabra, incluso la palabra
más poética, traiciona los impulsos del escritor; no por su faz material
significante, que puede ser origen de sugerencias de música y sonido, sino por
su significado conceptual limitador. Privada de lo conceptual, la música ha
podido conservar la magia de piezas simbolistas hoy olvidadas: Preludio a la
siesta de un fauno, de Claude Debussy, sobre la citada obra de Mallarmé; Peleas
y Melisenda, del mismo Debussy, sobre la obra de Maeterlinck; la ópera de
Richard Strauss sobre la obra de Hofmannsthal La Muerte y el Loco; las
múltiples composiciones orquestales de Erik Satie, D. Milhaud, de Honneger
sobre piezas de Claudel...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Como formas dramáticas más adecuadas para expresar estas
constantes y exigencias del teatro simbolista hemos de resaltar:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- la agrupación de diferentes lenguajes escénicos: conjunción de
música y palabra, recitados, coros; uso de la danza, modos especiales de
movimientos escénicos; empleos múltiples de la iluminación, particularmente en
su dimensión psicológica y mágica, a fin de crear climas y ambientes de ensueño
y de misterio;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- los desdoblamientos y metamorfosis de un mismo personaje, a fin
de mostrar sus múltiples caras o los diferentes periodos de su vida; o para
proyectar y enfrentar su dimensión real con sus dimensiones más transcendentes;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- los contrastes de lenguajes, originados por las asociaciones
oníricas o los presupuestos desmitificadores del dramaturgo. En Claudel, los
muertos bailan temas folklóricos de forma ridícula; el rey de su Juana de Arco
en la hoguera se convierte en rey de naipes y cambia el juicio en un ballet de
cartas de baraja... Los personajes, las palabras, las imágenes, se asocian
multiplicando sus posibilidades combinatorias. Ello explica las dificultades de
algunos simbolistas para respetar la duración del espectáculo teatral. Cada
obra puede tener su duración propia, la intrínsecamente exigida por sí misma:
desde unos minutos hasta varias veladas o jornadas (tomando este término como
sesión teatral para un día);<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">- la forma ceremonial, según la cual los distintos lenguajes
escénicos se ordenan ritualmente de acuerdo con un código preestablecido. El
carácter ceremonial del teatro de signo artaudiano, manifiesto en autores y
grupos como el Living americano, Grotowski, T. Kantor, Arrabal, Genet... de los
que nos ocuparemos en los capítulos XV y XVI, tiene sus más claros precedentes
en los simbolistas. A su vez, el simbolismo redescubre por esta vía el carácter
sagrado del teatro en sus orígenes. Una vez más, volvemos a los griegos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3.
LAS REPRESENTACIONES SIMBOLISTAS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La protesta de los simbolistas contra los naturalistas fue posible
llevarla a los teatros gracias al atrevimiento juvenil de un alumno de segunda
enseñanza, lector entusiasta de Mallarmé, de Verlaine, de Verhaeren y otros
poetas del mismo tono. Este joven de diecisiete años, expulsado de su centro de
enseñanza de París, que fundó el Teatro de Arte, no era otro que Paul Fort, el
futuro prince des poétes. Así ocurren a veces las cosas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">4.
Los PRIMEROS TEATROS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El Teatro de Arte abrió sus puertas en 1890. Sus primeras
escenificaciones fueron Los Cenci de Shelley, el Fausto de Marlowe, así como
poemas "irrepresentables" entre los que destacamos El cuervo de Edgar
Allan Poe y El barco ebrio de A. Rimbaud. En 1903 inició el montaje de obras
actuales con Peleas y Melisenda, de Maeterlinck, La intrusa del mismo autor, y
La dama del mar de Ibsen. Con su ingenio y entusiasmo se atrajo a gentes de
teatro, entre ellos, ya en 1891, a Lugné-Poe, del Teatro Libre de Antoine. Poe
y Vouillard dieron al Teatro de Arte el nuevo calificativo de L'oeuvre. Así se
inició la empresa simbolista en París en la que luego destacarían, entre otros,
Copeau, Pitoeff, el propio Artaud, y, más cercanos a nosotros, Jean Louis
Barrault y Patrice Chereau.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La
escenografía simbolista<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Paul Fort y Lugné-Poe reaccionan violentamente, desde un
principio, contra el naturalismo del Teatro Libre de Antoine. Las escenografías
de este último pretendían trasladar la realidad al escenario hasta en sus
mínimos detalles. Más que de decorados se diría que estábamos ante fotografías
tomadas de la realidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A Paul Fort y a Lugné-Poe no le convencieron tampoco las
escenografías del teatro lírico, particularmente las del drama wagneriano en
Francia. Según los primeros simbolistas, los decorados wagnerianos pecaban
igualmente de un exceso de realismo. Y no les faltaba razón. Es curioso
comprobar que escenógrafos como Amable y Jusseaume trabajaban tanto para
Antoine como para la Opera de París. Claro está que, para Wagner, presentaban
decorados exuberantes, de lujo, con mil y un detalles. Pero no por ello dejaban
de ser realistas a ultranza. Otros escenógrafos fuera de Francia, como Hoffmann
o Brückner, ofrecerán ya una interpretación subjetiva en sus decorados de
Wagner, con toques irrealistas que, según los casos, nos harán pensar en el expresionismo
o en el simbolismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por otro lado, el decorativismo, el barroquismo o el onirismo de
la pintura simbolista no influirán en los decorados de las primeras
representaciones simbolistas. Este hecho no ha dejado de sorprendernos.
Concedamos que tales precedentes no concordaran con ese simbolismo de lo
cotidiano de Maeterlinck, o con el Ibsen de La dama del mar. Pero sí habrían de
tener relación con esos otros dramas simbolistas que toman su materia del mito
o de los sueños. ¿Por qué entonces rechazaron una corriente pictórica del mismo
signo, sobre todo cuando manifestaron que los decorados del teatro simbolista
había que encomendarlos a los pintores y no a los decoradores de oficio?
Alguien ha indicado que este rechazo se debió a la situación económica de
miseria en la que se desenvolvía el Teatro de Arte, sin ni siquiera una sala
propia en París, siempre al borde de la bancarrota.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Rechazando, pues, tanto la decoración naturalista como la pintura
simbolista, Paul Fort y Lugné-Poe buscaron en su auxilio a pintores entusiastas
con sus ideas -Roussel, Bonnard, M. Denis a los que les pidieron un decorado
que se calificó de sintético, es decir, un decorado que, en sus rasgos mínimos,
nos ayudase a entrar en el clima general de la obra. Para M. Denis, este decorado
debía sugerir el triunfo universal de la imaginación y de lo Bello sobre la
mentira naturalista y los esfuerzos de la vacua imitación. Y razonaron su
opción: una escenografía con decorados fieles a la realidad hasta el
detallismo:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">anula o actúa contra la imaginación del espectador, ya que todo se
le da fabricado; el espectador no podrá crear sus propios decorados;</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">apaga o debilita el poder sugestivo de la palabra de los poetas,
que se verá limitada por la materia decorativa; mata ese clima anímico general
que el espectáculo debe estar generando en el público, así como los múltiples
estímulos que pueden impresionar su inconsciente receptivo;</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">debilita el impacto del actor, capaz de crear nuevos espacios con
su gesto, sus movimientos y su palabra...</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La primera etapa del teatro simbolista estuvo en relación con los
pintores. De acuerdo con los directores y poetas del grupo, los decorados,
además de lo dicho, debían ser capaces de establecer correspondencias sensibles
con otros lenguajes del espectáculo (poesía, gestos, movimientos, música,
colores y hasta olores); debían integrarse de tal modo en la acción escénica
que ésta apareciese, según pretendían, como un cuadro vivo, en movimiento.
Precisamente, el célebre soneto Correspondencias de Baudelaire, se convirtió en
fuente de sugestiones escénicas. A primeros de 1891 anunciaron:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A
partir de marzo las representaciones del Teatro de Arte acabarán con la
escenificación de un cuadro desconocido del público o con un proyecto pictórico
de un pintor de la nueva escuela. El telón se alzará para mostrarnos dicho
cuadro durante tres minutos... Una música en escena y luces y perfumes
combinados, que se adapten al tema del cuadro representado, prepararán y
completarán la impresión. Los perfumes, los colores, los sonidos se responden,
dijo Baudelaire.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Denis Bablet, de quien tomamos la cita, nos viene a decir que
estos cuadros fueron el origen de proyectos más ambiciosos, como la
escenificación de El cantar de los cantares, de Salomón. Dividieron dicha
escenificación en varios cuadros, también llamados divisas. Cada cuadro se
diferenciaba de los otros por el dominio de un color, un olor, una tonalidad
musical, un tono vocal...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Insistirán particularmente en los colores. Pero, puesto que los
decorados no deben acaparar en modo alguno el color, éste se centrará en los
vestuarios y en los efectos de iluminación. Los decorados simples, con paños
desnudos, de tonos apagados, serán los ideales para que sobre ellos destaque el
cromatismo variable de actores y luces. La electricidad posibilitó los juegos
más variados de luces, sombras y colores, sobre los que en buena medida se
apoyaban los ambientes de sobrecogimiento, de misterio o de magia de los
simbolistas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En su rechazo del naturalismo, coincidirán con los principios
teóricos de Craig y de Appia. Discreparon, no obstante, en sus realizaciones.
Craig y Appia -a quienes dedicamos un justo apartado en esta historia-
propondrán un "sintetismo" geométrico de líneas, planos, desniveles,
peldaños..., aptos para acoger los juegos de luz y dotar de una nueva plástica
posicional la interpretación de los actores. Mientras tanto, en torno a 1910,
en París, Dethomas alterna sus decorados de interiores para el Théátre des Arts
con otros mucho más sugerentes cuando la obra parecía aceptarlos. En los
primeros, Dethomas crea una unidad estilística total en muros, aperturas,
pasillos, escaleras, en la que privan las cuadriculaciones. Estas
cuadriculaciones pasan a otros elementos: una silla, una cama... Con ello, los
objetos, que son escasos, parecen estar formando parte de sus decorados
sugestivos. Por la vía del simbolismo mágico, los telones se enriquecen de
tonalidades y los motivos alcanzan, pese a su deseo de esquematismo, grandes e
ilustratrivas dimensiones (como por ejemplo, esa tela de araña que apresa a los
personajes en Le festin del'araignée, de 1913). En esta segunda tendencia
influyeron, sin duda, los decorados de los ballets rusos, que tuvieron un gran
impacto en sus actuaciones en París. Por esta última vía, y progresivamente hasta
nuestros días, las escenografías se irán sobrecargando hasta el barroquismo: un
barroquismo resurgente en los últimos años del que el español Francisco Nieva
es un exponente cualificado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">5.
AUTORES Y OBRAS</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El predominio de autores franceses y belgas no debe hacernos
olvidar los periodos y tendencias simbolistas de Hauptmann, de Hofmannsthal,
del irlandés Yeats o de las etapas finales de los nórdicos Ibsen y Strindberg.
Pero, ante la imposibilidad de dar cuenta de todos ellos, contentémonos con
subrayar la labor de Maurice Maeterlinck y de Paul Claudel.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Maurice
Maeterlinck<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Maurice Maeterlinck (1862-1949) se traslada aún joven a París
donde conoce a Villiers de 1'Isle Adam, autor de cuentos misteriosos, que aún
hoy despiertan nuestra curiosidad, y de obras dramáticas totalmente olvidadas.
De la producción dramática de Maeterlinck subrayamos La intrusa, Los ciegos
(las dos de 1900), Interior, y El pájaro azul.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La intrusa trata del tema de la muerte, como ya hemos dicho el más
obsesivo y predilecto de este movimiento. La originalidad de Maeterlinck está
en hacer constante su presencia sin necesidad de encarnarla en un actor, como
en el teatro medieval o en las moralidades inglesas. En La intrusa la muerte se
manifiesta como una espera de lo inevitable, como un clima, como un temor y una
certeza. Los personajes, relacionados entre sí por lazos de parentesco y de
amistad, esperan la noticia fatal, el desenlace de una pobre mujer que acaba de
dar a luz. Los espectadores nos sentimos invadidos por la misma tensión, por el
pesado silencio de la escena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Peleas y Melisenda nos presenta una historia muy simple, con un
esquema triangular: la mujer, Melisenda, y los dos hombres, Peleas y su hermano
Golaud. Peleas, príncipe viudo, se casa con Melisenda. Pero esta Melisenda sin
malicia no tarda en dejarse llevar por Golaud. Todo puede ser interpretado
simbólicamente en este relato: las fuentes, los bosques, la tormenta, la
pérdida de la corona y del anillo... También aquí el clima de muerte es
percibido por dos personajes que quedan prácticamente fuera de la acción: el
padre de los dos hermanos y el propio hijo de Peleas. La muerte que llega se
impondrá a Melisenda en el parto y a Peleas a manos de su propio hermano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Las historias dramatizadas por Maeterlinck se nutren de personajes
de la vida corriente, que no destacan por nada, de los que no se sabe nada (a
pesar del rango de algunos de ellos). A su vez, estos personajes están
dominados por fuerzas que los sobrepasan, el amor y la muerte. Por esta vía, el
dramaturgo nos muestra lo que él conceptúa como el lado maravilloso y trágico
de lo cotidiano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Existe -nos dice- un lado trágico cotidiano que es mucho más real,
mucho más profundo y mucho más conforme con nuestro ser verdadero que el lado
trágico de las grandes aventuras. Se trata de hacer ver lo que hay de
sorprendente en el solo hecho de vivir... (ver Textos).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Paul
Claudel<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Con Paul Claudel (1868-1955), de larga vida entregada ala poesía y
al teatro (amén de sus periodos políticos) asistimos al desarrollo del simbolismo
en el siglo XX. En sus inicios, fue decisiva para su formación la lectura y
meditación de los poetas Baudelaire, Mallarmé y Rimbaud. De este último llegó a
escribir: "Otros me han instruido; Rimbaud me ha construido." Pero
Claudel tuvo la suerte de haber conocido China, Japón, Estados Unidos o Brasil
a lo largo de nuestro siglo, en sus estancias como enviado político de Francia,
entrando en contacto con las más diversas formas y lenguajes escénicos que
luego enriquecerán su escritura dramática. A ello hemos de añadir la ayuda que
le prestaron en todo momento pintores, dramaturgos, músicos y directores
escénicos (particularmente Copeau, Artaud y Barrault).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Su teatro, por todas estas razones, se verá invadido por las más
diversas formas e invenciones. De ahí la dificultad de llevarlo
convenientemente a la escena, lo que a muchos les hizo decir que se trataba de
un teatro irrepresentable (quizá por sus extensas divagaciones poéticas, quizá
por la estructura de las propias obras, quizá, también, por oposición a su
temática y a su ideología religiosas).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Si sus primeras obras lo inscriben incuestionablemente en el
movimiento simbolista (La Ciudad, Cabeza de Oro), el paso del tiempo no le hizo
variar notoriamente su escritura inicial. Todo es símbolo en Claudel. Cabría
hablar en él -y en general en los simbolistas primeros- de símbolos parciales
frente a símbolos globales que recorren una obra o hasta toda una serie de
obras; de símbolos esporádicos frente a símbolos dominantes como el mar. Los
mismos títulos de sus obras tienen esta intención simbólica global: El árbol,
que agrupa sus primeros dramas, es un símbolo del hombre (raíces en la tierra,
mirada a lo alto, frutos); El Intercambio, El reposo del séptimo día, El zapato
de raso (ofrenda de todos los caminos andados por la vida), El libro de
Cristóbal Colón... Veamos un ejemplo en La joven Violaine, denominado también
El anuncio a María:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Estamos
en la Edad Media, en un momento de luchas y de crisis, bajo el reinado de
Carlos VII. El constructor de catedrales, Pedro de Craón, cae leproso.
Violaine, compasiva y amorosa, le da un beso. Como consecuencia de este gesto,
Violaine contrae a su vez la lepra y debe abandonar a su prometido Jacques,
haciéndole la promesa de una boda espiritual. Mara, hermana de Violaine,
aprovecha las circunstancias y se casa con Jacques. Tiene un hijo que muere. La
noche de Navidad, Mara, que nunca sintió el menor afecto por su hermana, le
lleva el niño para que haga un milagro. El padre, Vercors, llegará en el
momento en que Violaine muere. Es la hora del Angelus (el anuncio a María). El
padre exclama: "¿Es vivir el fin de la vida? No, no es vivir, sino morir;
no fabricar la cruz, sino cargar con ella, y dar todo lo que tenemos
sonriendo."<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Todo, en este relato, puede ser leído en clave simbólica: el
momento de la historia, la lepra, el beso al leproso, las bodas espirituales,
la ceguera, la resurrección del niño en Navidad (noche en que Claudel se
convirtió al catolicismo en Notre-Dame de París), el toque del Angelus... Pero
quizá esta elección y la temática en la que se inscribe haya sido la
responsable de que Claudel (a pesar del entusiasmo que ha despertado en grandes
directores de nuestro siglo, a pesar de los magníficos montajes de que ha sido
objeto) no goce de la popularidad que sus formas dramáticas habrían merecido.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Después de lo que hemos dicho aquí, el drama simbolista puede
parecernos la culminación de un proceso que se inicia con el teatro mismo en
sus primeras manifestaciones. Podemos encontrar otro simbolismo avant la lettre,
es decir, antes del movimiento de este nombre a finales del siglo XIX, en otras
etapas del teatro anterior. Indicios sobrados tenemos en el teatro religioso
medieval; en las moralidades inglesas; en los Autos de Calderón; en el
Shakespeare que apela a los sueños y espectros en Hamlet, Macbeth, Sueño de una
noche de verano...; en el resto del teatro isabelino... Precedentes inmediatos
podrían ser algunos dramas del Sturm und Drang o algunos de los desahogos
románticos. Pero conviene señalar que, mientras los románticos proyectan su yo
personal sobre la naturaleza o la historia, los simbolistas creen en la
autonomía significativa de las cosas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">¿Qué ha quedado, en realidad, de la aventura simbolista? ¿En
quiénes se ha dejado sentir su influencia? Digamos que son pocos los montajes
de textos de la época simbolista en la actualidad. Pero reconozcamos que ha
sido enorme la influencia simbolista en el teatro, desde sus inicios hasta
nuestros días, pues pocas son las vanguardias de nuestro siglo cuyos elementos
dramáticos y escénicos no estén ya explícitos o prefigurados en los
simbolistas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">6.
SIMBOLISTAS ESPAÑOLES</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En España, en concreto, sería injusto olvidar la deuda de Valle
con e1 simbolismo de Cenizas, Tragedia de ensueño, Comedia de ensueño y,
apuntando a formas expresionistas, de El embrujado de El retablo de la
Avaricia, la Lujuria y la Muerte; o la de autores hoy menos recordados como
Eduardo Marquina, los esposos Martínez Sierra, Francisco Villaespesa, Fernández
Ardavín, los Machado... Por su lado, Azorín, que conoce como ninguno a los
extranjeros Pirandello, Cocteau, Pitoeff, Maeterlinck, Lenormand...,
recomendará su imitación a los dramaturgos españoles. De ello dio él mismo buen
ejemplo. En 1896 tradujo al castellano L'intruse, de Maeterlinck. La influencia
de éste último es a todas luces evidente en Angelita y en los títulos que
componen La trilogía de lo Invisible: La arañita en el espejo, El segador, y
Doctor Death, de 3 a 5. Llegó a escribir:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La nueva pieza teatral debe dar expresión a la tensión dialéctica
entre dos cadenas de imágenes: las imágenes directas, conscientes, claras,
determinadas, y las imágenes que proceden del fondo de nuestro espíritu.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En la actualidad, la plástica escénica de los simbolistas se deja
ver en los montajes más poéticos y efectistas de los últimos años. Son de
notar, asimismo, las deudas parciales y deformadas, pero altamente
significativas, de la vanguardia española de los años 60 con el simbolismo:
Ruibal, Arrabal, Nieva, Riaza...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">TEXTOS<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Poesía
y música en el drama como proceso<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hemos advertido en la orquesta la facultad de despertar en
nosotros presentimientos y recuerdos. Designamos por presentimiento la
preparación del fenómeno que finalmente ha de manifestarse por medio del gesto
y de la melodía del verso. El recuerdo, por su lado, deriva, en nuestra
opinión, del fenómeno. Nos incumbe ahora determinar con precisión lo que, de
acuerdo con la necesidad dramática, y en unión del presentimiento y el
recuerdo, llenaba el espacio del drama haciendo que nuestros presentimientos y
recuerdos fueran imprescindibles para cooperar en su comprensión plena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hay momentos en que la orquesta puede dejarse oír con total
autonomía. Estos momentos, en cualquier caso, deben ser aquellos en que todavía
no es factible, por parte de los personajes dramáticos, la completa disolución
de la idea proferida por el lenguaje en la sensación musical. Así como hemos
visto que la melodía musical brotaba del verso, de sus palabras, y que su
desarrollo estaba condicionado por la índole del verso; y así como hemos visto
que la justificación, es decir, la comprensión de la melodía, se halla
condicionada por el verso, y no sólo como algo artísticamente pensable y
realizable, sino como algo que, necesariamente, debe ser ejecutado de forma
orgánica ante nuestro sentimiento y debe presentársele en el momento de nacer,
así también hemos de figurarnos la situación dramática como nacida de motivos
que ante nuestra vista se alzan a alturas en las que la melodía del verso se
nos presenta como necesaria, como la única expresión apropiada para un momento
afectivo que se manifiesta de una manera adecuada. (...)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Las artes plásticas pueden presentarnos sólo lo acabado, es decir,
lo inmóvil, y por esta razón no pueden nunca convertir a quien las contempla en
testigo convencido del desarrollo de un fenómeno. También el músico, en su
mayor confusión, ha podido cometer el error de imitar a este respecto las artes
plásticas y de ofrecernos algo acabado en vez de presentárnoslo en su
desarrollo. Sólo el drama constituye la obra de arte en el espacio y en el
tiempo, se nos comunica a través de la vista y del oído de tal modo que
participamos activamente en su nacimiento y, en consecuencia, captamos lo
nacido con nuestro sentimiento como algo necesario y claramente comprensible.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El poeta que pretende convertirnos en testigos y participantes en
el nacimiento de su obra de arte (pues sólo así es posible semejante proceso),
ha de procurar no dar el menor paso en falso que pueda romper el vínculo del
desarrollo orgánico de su obra, pudiendo con ello herir nuestro sentimiento
instintivamente cautivado por una imposición arbitraria.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 120.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(R. WAGNER, La poesía y la música en el drama del futuro.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Expresar
el sentimiento humano y el silencio<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No hemos de creer que la palabra llegue a servir en algún momento
a la comunicación verdadera entre los seres. Los labios o la lengua pueden
representar al alma del mismo modo que una cifra o un número de orden
representa una figura de Memlinck, por ejemplo; pero desde el momento en que
tenemos en verdad algo que decirnos es obligado que guardemos silencio. (...)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Existe un trágico cotidiano que es mucho más real, mucho más
profundo y mucho más conforme con nuestro ser verdadero que lo trágico de las
grandes aventuras. Es fácil sentirlo, pero no es tan fácil ya mostrarlo, porque
este trágico esencial no es simplemente material o psicológico. No se trata ya
aquí de la lucha determinada de un ser contra otro, de la lucha de un deseo
contra otro, o del eterno combate de la pasión y del deber. Se trata de hacer
ver lo que hay de sorprendente en el solo hecho de vivir. Se trata, más bien,
de mostrar la existencia de unalma en sí misma, en medio de una inmensidad que
no es nunca inactiva. Se trata de hacernos escuchar, por encima de los diálogos
ordinarios de la razón y de los sentimientos, el diálogo más solemne e
ininterrumpido del ser y de su destino. (...) Lo que escuchamos por debajo del
rey Lear, de Macbeth, de Hamlet, por poner estos ejemplos, el canto misterioso
del infinito, el silencio amenazante de las almas o de los dioses, la eternidad
que atruena en el horizonte, el destino o la fatalidad que sentimos
interiormente sin que sepamos a qué signos referirla, ¿no se podría, por no
sabemos qué trastrueque de papeles, acercarla a nosotros mientras se alejan los
actores? (...)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Nuestros trágicos ponen el interés de sus obras en la violencia de
la anécdota que reproducen. Pretenden divertirnos con el mismo tipo de actos
que hacían las delicias de los bárbaros para quienes los atentados, asesinatos
y traiciones eran habituales. Y, no obstante, la mayoría de nuestras vidas
ocurren lejos de la sangre, de los gritos y de las espadas, en tanto que las
lágrimas de los hombres se han vuelto silenciosas, invisibles, casi
espirituales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 84.75pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 120.75pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(M. MAETERLINCK, Le trésor des humbles, 1896.)<o:p></o:p></span></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-45764979970433193222017-10-19T09:32:00.000-04:002017-10-19T09:32:00.573-04:00Prerrománticos y románticos<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-left: 64.5pt; mso-pagination: none; text-align: center;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 22.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Prerrománticos y románticos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. El teatro
alemán<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 1. Un poco de historia<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 2. El "Sturm und Drang"<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 3. Otros autores románticos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">II. El
romanticismo en Francia<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 1. El melodrama<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 2. François-Joseph Talma
(1763-1826)<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 3. Los románticos franceses<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">III. El
romanticismo en España<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 1. El ambiente prerromántico<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 2. Paradojas del movimiento
romántico español<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 3. Características generales del
teatro romántico español<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 4. Ideas escénicas de Larra<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 5. Un mito romántico: don Juan
Tenorio<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">IV. Técnicas
escénicas<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 108.0pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Textos<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En tres países particularmente se dejó sentir con fuerza, con
violencia incluso, el fenómeno romántico: en Alemania, en Francia y en España.
Alemania fue, sin duda, adelantada y precursora. Empecemos este capítulo por su
dramaturgia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. EL TEATRO
ALEMÁN</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. UN POCO DE
HISTORIA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Podríamos decir que, al igual que el Renacimiento se inicia en
Italia mucho antes que en otros países de Europa, el Romanticismo se adelanta
en Alemania más de medio siglo a los movimientos plenamente románticos franceses
y españoles. Por ello, este tema debemos iniciarlo en el último tercio del
siglo XVIII alemán y prolongarlo por el primer tercio del siglo XIX, etapa en
la que enlaza con los romanticismos vecinos ya citados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por otro lado, nos parece justo y oportuno hacer un breve
recorrido por la tradición teatral germana que desemboca en los periodos que
aquí nos ocupan. La escasa organización -aunque no tanto como se ha venido
diciendo- del teatro germano, en los dos siglos precedentes, se viene achacando
tradicionalmente a causas tales como la falta de centralismo político-cultural;
a las presiones de la ideología luterana; al uso del latín por los
escritores...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Digamos, de entrada, que en las provincias alemanas nos
encontramos, desde tiempos inmemoriales, con un intenso cultivo del espectáculo
y de las fiestas populares. Su mejor manifestación está en los carnavales,
famosos aún hoy en día, particularmente los de Colonia, Lúbeck o Nuremberg. En
Nuremberg, precisamente, surge una figura entrañable que no sería justo echar
en olvido: el zapatero-poeta Hans Sachs (1494-1576), inmortalizado por Wagner
en Los maestros cantores. Cuentan que Sachs llegó a componer más de dos mil
juegos de carnaval, en los que la farsa pícara se aliaba con los consejos
morales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Durante los siglos XVI y XVII el teatro es alentado en Alemania
por los jesuitas y las compañías inglesas ambulantes. Los jesuitas, a los que
es obligado referirse, cultivaron el teatro en las provincias en las que el
catolicismo no fue destronado por los luteranos. El teatro se convierte en sus
manos en instrumento pedagógico y propagandístico de la ideología católica.
Teatro, pues, ad majorem Dei gloriam; pero, sin duda alguna, teatro de gran
mérito. En unión con los príncipes católicos, que ponían a su disposición toda
clase de medios técnicos y económicos, este teatro de escuelas se convirtió en
una manifestación muy digna: por su calidad de juego, por sus textos y
escenografía. Solían representar historias bíblicas, vidas de santos mártires,
pero también piezas latinas y creaciones costumbristas según el gusto de la
época. Este teatro se hacía en latín, lengua que no era la habitual del pueblo.
Por ello mismo, los encargados de ordenar la fiesta pensaron que esta
dificultad lingüística debía ser compensada con el propio espectáculo a fin de
que el pueblo se distrajera y siguiera el hilo de la historia. Para ello
desarrollaron considerablemente los elementos visuales: decorados pintados que
cambiaban a la vista del público, vestuarios de auténtico lujo, accesorios de
toda especie; incentivaron el papel de la música, en competencia con los
luteranos, considerando los llamados interludios musicales como parte
integrante y esencial de la tragedia; prodigaron las sorpresas y los toques
efectistas: incendios, tempestades con sus truenos, relámpagos y rayos,
milagros, apariciones...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pronto comenzaron, además, a intercalar frases y escenas en
alemán. Es curioso este fenómeno lingüístico que nos retrae a los inicios del
teatro medieval en otros lugares. Este cultivo del latín en el teatro hasta
mediados del siglo XVIII puede sorprendernos. Pero hemos de recordar que
Leibniz, por ejemplo, escribía normalmente en francés y en latín; o que
Federico II de Prusia usaba el francés en sus cartas y poemas, con desprecio
del alemán, que según decía empleaba para hablar con sus criados, sus perros y
sus caballos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tampoco se expresarán en alemán las numerosas compañías inglesas
que deambulan por tierras germanas a partir de finales del siglo XVI,
concretamente a partir de 1592, cuando aparece la primera de ellas en Frankfurt
a las órdenes de Robert Browne. Estas compañías estaban generalmente dirigidas
por un bufón o clown que solía quedarse, en las representaciones, con la parte
más importante; de ahí que, aunque el repertorio se nutría de temas y obras del
periodo isabelino, especialmente de Marlowe y de Shakespeare, las
representaciones abundaban en bastonazos, momentos farsescos, bromas y chistes
obscenos, peleas... Este bufón-maestro de ceremonias inglés estaba al corriente
de los gustos del público popular al que se dirigía, así como de la tendencia
germana hacia lo popular y festivo. De modo que las escenas de horror y de
sangre se compensaban con la risa, a veces de sal gorda, provocada por los
clowns ingleses -y algunos comediantes italianos- que, finalmente, se germanizó
en una figura siempre presente en lo sucesivo: el personaje Hanswurst
(etimológicamente, Juan Salchicha). Este Juan Salchicha recoge la tradición del
personaje cómico medieval que aparecía en el teatro germano por farsas y
misterios. Su importancia fue tal que a él se sometían las obras y su
representación. De ahí que, ya en pleno siglo XVIII, en el que este socarrón
Hanswurst seguía vivito y coleando, algunos pensaran que para que el teatro
alemán entrase en la época moderna, había que empezar por dar muerte -con gran
dolor de corazón- a Juan Salchicha, o, de no atreverse a tanto, debían
expulsarlo de los territorios alemanes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero, ¿cómo? Formulado de otro modo -para no tomarla tanto con el
simpático Juan Salchicha-, ¿cómo acabar con las arlequinadas sin cuento, con
las farsas groseras, con tantas puñaladas que hacían correr la sangre por el
teatro alemán? Goethe pensó que bastaría, para neutralizarlo, con procurarle un
honroso y diplomático matrimonio. Antes de él, Gottsched, profesor de
universidad en Leipzig, pensó haber dado con la solución: aclimatar en las
provincias alemanas a los franceses Moliére, Racine, Voltaire y, con ellos, el
buen gusto y el decoro en la escena. Así lo pensó desde su tribuna universitaria,
y así lo puso en práctica. Pero se equivocó, a pesar de haber contado para su
proyecto y montajes con la colaboración de la extraordinaria actriz Caroline
Neuber y con la ayuda de Federico II de Prusia. Todo quedó en unas ideas
razonables expuestas en su monumental obra, La escena alemana, escrita entre
los años 1741 y 1745.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Y es que Gottsched remaba contra corriente. Contra la corriente de
ese sustrato germano que gusta ver mezclados lo vulgar y lo fantástico, lo
lírico y lo dramático, la risa y el llanto... Ese sustrato colectivo constituía
un terreno abonado no sólo para el inmediato Sturm und Drang, sino incluso para
tendencias posteriores: romanticismo, naturalismo, expresionismo...; ese
sustrato explica la favorable acogida de los ejemplos que el teatro futuro
alemán debía imitar: los isabelinos y el teatro de Calderón, cuya dramaturgia
entusiasmó a Schiller y Goethe y que, más tarde, Schlegel (1767-1845)
propondría como modelo a los románticos en su Teatro español (1803-1809) y en
su Curso de literatura dramática (1809-1811).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2. EL
"STURM UND DRANG"<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En 1776, un autor, hoy poco conocido, llamado Friedrich M. Klinger
(1752-1831), escribió una obra titulada Sturm und Drang (Tempestad y pasión).
Estas dos palabras se convirtieron en lema del resurgir dramático alemán. El
Sturm und Drang propugnaba la libertad absoluta del individuo. De ahí la
exaltación del héroe o del genio creador, y de las pasiones como motor de la
actividad humana. Como es de suponer, rechazaron las clásicas unidades, propusieron
un lenguaje entre lírico y naturalista, escribiendo en prosa cuando lo juzgaban
conveniente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Se consideran obras representativas de esta tendencia el Gütz con
Berlichingen (1773) de Goethe, su novela Werther, el drama de SchiIler Die
Rjuben (Los bandidos, 1781), y Die soldaten (Los soldados, 1776) de Lenz, que
abre, en ciertos aspectos, la tendencia al drama naturalista en Alemania. Lenz
acabaría enfermo de locura, desconocido, en parte debido a los ataques que le
dirigió su rival Goethe.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Goethe<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Aunque en Goethe (1749-1832), hombre de una inmensa cultura,
interesado por la magia y el ocultismo, cabe entrever en algún momento una
manifiesta inclinación por los clásicos, la parte más considerable de su
producción, y sin duda la mejor, se mueve en este ambiente prerromántico del
Sturm und Drang, participando plenamente de las ideas de Lessing (ver cap.
anterior, 1, 4). Dejándose llevar de su ímpetu poético compuso obras que
resultaban irrepresentables. El mismo confesaba, a este respecto, que había escrito
"contra el escenario".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Goethe nos interesa también en esta historia por su labor como
administrador teatral. Para entender esta labor hemos de recordar que el teatro
germano era, por tradición, un teatro ambulante. Se achaca este hecho a la
ausencia de una populosa ciudad o capital, al estilo de Londres o París, capaz
de mantener una continuidad creativa centrada en teatros fijos con compañías
permanentes. También esto era posible en Madrid, sin ser ciudad populosa en
extremo en el siglo XVIII, gracias a ser centro de la vida cultural y política
del país. Ninguna de estas circunstancias se daba en Alemania. De ahí que el
espíritu germano soñase con la unidad del país en torno a la lengua,
sentimiento plenamente romántico y legítimo (aunque nunca Goethe podría
sospechar que esta tendencia se contaminase de ideologías mitificadoras de la
grandeza teutona ni menos de los signos totalitarios a que la marcaron en
nuestro siglo). Todo esto se formulaba repetidamente en la necesidad de un
teatro nacional. Hubo distintos brotes aquí y allá a este respecto. Gottsched
ya había gestionado la creación de una Academia germana al estilo de la
francesa, situable en Leipzig.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Goethe se quedó en Weimar, en donde por más de medio siglo fue
consejero del duque, y durante veintiséis años intentó realizar su sueño en la
dirección del Teatro Ducal. Su labor fue ingente: redactó unas normas sobre
dicción y gesticulación que, aunque hoy en día nos parezcan ingenuas y
anticuadas, debieron de ser muy útiles a sus actores; elaboró más de cuatro mil
programas, de los cuales un tercio estaba dedicado al teatro lírico; hizo
bocetos de escenografía, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Schiller<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En su teatro de Weimar, Goethe acogió en 1799 a un dramaturgo de
prestigio: Schiller. FRIEDRICH SCHILLER (1759-1805) sabía muy bien lo que era
un teatro, pues en 1782, tras fugarse del ejército, fue gerente del de
Mannheim. Allí escribió su Don Carlos. A la circunstancia de su estancia en
Weimar debe hoy el teatro la existencia de otras obras: María Estuardo, La
doncella de Orleans, La novia de Mesina y Guillermo Tell, en las que el autor
de Los bandidos (1781) manifiesta su afición por el héroe mítico o histórico
inserto en su contexto social. Schiller anuncia claramente todas las tendencias
del drama romántico europeo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3. OTROS
AUTORES ROMÁNTICOS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El impulso de Goethe y de Schiller puso en marcha la máquina del
teatro en alemán, que ha seguido a pleno rendimiento hasta nuestros días. En la
época que nos ocupa es justo recordar a los inmediatos continuadores, apodados
románticos por los historiadores. Mencionemos ante todo al vienés Franza
Grillparzer (1791-1872) que, en 1817, estrenó su primera obra, La abuela.
Grillparzer era un entusiasta de la dramaturgia calderoniana y obtuvo su mejor
éxito con una adaptación personal de La vida es sueño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A caballo entre el XVIII e inicios del XIX se desarrolla la obra
de Heinrich von Kleist (1777-1811), espíritu atormentado y romántico que
algunos han considerado como el padre del drama psicológico moderno. Hoy, sin
embargo, se le sigue recordando menos por sus dramas que por su fina y
divertida comedia titulada Der Zerbrochene Krug (El cántaro roto).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A ellos hay que unir la figura de Georg Büchner (1813-1837). A
pesar de la brevedad de su vida, entre 1833 y 1837 compuso dos excelentes obras
a las que los directores vuelven con frecuencia la mirada: La muerte de Danton
y lYoyzeck. Con estos últimos autores, especialmente con Büchner, la escena
alemana se adelanta de nuevo al teatro occidental, marcando el paso del
romanticismo al realismo y al naturalismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">II. EL
ROMANTICISMO EN FRANCIA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A final de siglo, exactamente en 1789, Francia ofrece al mundo el
mayor espectáculo de la historia contemporánea:, su propia revolución, la
revolución que cuestionó las jerarquías políticas y sociales. Fue un drama
exaltado, furioso, con un reparto de multitudes aunque inicialmente muy
sencillo en su trama y en la distribución de papeles. Con un poco de
imaginación escénico-dramática podríamos reconstruir mentalmente algunos de sus
más patéticos cuadros: las asambleas primeras presididas por un rey que se
tambalea en su trono, en un escenario colosal y con unos vestuarios de
ceremonia que permitían distinguir a los grupos de personajes, los
eclesiásticos, los nobles y el pueblo, que a todo decía que no; o la toma por
las masas de la colosal prisión de la Bastilla, símbolo de la opresión pasada;
o la escena en la que al mismísimo rey le cortan la cabeza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">¿Cómo podían los artistas ignorar estos hechos? No fue posible.
Así que hubo poetas que escribieron sobre lo que todo aquello significaba,
músicos que con las letras de los poetas compusieron melodías que todos
canturreaban o coreaban; y pintores e ilustradores que exaltaban las protestas
indignadas del pueblo. No hay duda de que la revolución favoreció el espíritu
romántico; aunque hemos de reconocer que, unos años más tarde, el
neoimperialismo napoleónico recortase sus libertades. Recordemos que en 1810 se
rompieron los moldes de la primera impresión del libro de Mme. de Staél, De
l'Allemagne, en el que esta prerromántica daba testimonio de lo conseguido por
los alemanes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El teatro empezó cuestionándose su propia tradición, con sus
personajes encumbrados, su lenguaje magnífico, pero no siempre accesible, sus
rígidas unidades, su decoro, su buen gusto, su verosimilitud... Un gran actor
llamado Talma, indiscutible autoridad en este final de siglo y en el primer
cuarto del XIX, abogará por reformas profundas, pero sin permitir que el teatro
cayese en lo vulgar y sensiblero. Volveremos sobre Talma. De momento digamos
que Talma y el sector teatral que compartía sus ideas se quedó en el centro de
París, en los principales teatros: la Comédie Française, que pasó a llamarse
Théátre de la Republique y el Odéon. Secundarios se consideraban otros teatros:
Vaudeville, Variétés, Ambigu-Comique y Gaité. El nombre de los dos primeros
indica claramente su destino. Los dos últimos estaban exclusivamente
consagrados a un género dramático que hacía furor: el melodrama. Otro teatro
hay que mencionar aún, el Porte Saint-Martin, que en 1809 fue consagrado como
opéra du peuple, una ópera absorbida por el melodrama.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. EL
MELODRAMA</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">¿Cómo ocurrieron en realidad las cosas? ¿Qué modelos teatrales
tenía este melodrama, al que seguirá luego el drama romántico?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Se ha visto una clara y quizá exagerada relación de estos géneros
con el Sturm und Drang. Refieren algunos en su apoyo un hecho curioso: el
estreno en París de Los bandidos, de Schiller, en 1782. Esta obra, que por las
mismas fechas había sido prohibida en Inglaterra, sacaba a escena a una
doncella, acosada por un malvado, y a un padre encerrado en una mazmorra;
relataba crímenes sin cuento... No es extraño que la Revolución, muy poco
después, en 1792, nombrara a Schiller ciudadano honorario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No vamos a negar el parecido del melodrama con la obra de
Schiller. Pero hemos de añadir que, en Francia, el terreno estaba abonado por
otras manifestaciones: las producciones teatrales de Feria, los primitivos
espectáculos de bulevar, las famosas pantomimas habladas de Audinot, el éxito de
algunos dramas sentimentales del XVIII, así como de la novela sensiblera
inglesa y francesa que muchos devoraban con ansiedad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La Revolución no podrá por menos de dar su espaldarazo a un teatro
que se denomina teatro del pueblo, de ese pueblo olvidado por la escena
francesa desde finales del teatro medieval. Sus primeros contenidos halagaban a
la Revolución. Recordemos aquel grito de ¡Guerra a los castillos y paz a las
cabañas!, que todo París coreó, en 179 l, en el melodrama imitado de Schiller,
Robert, capitán de bandidos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">¿Qué ingredientes entraban en el melodrama para suscitar tal
entusiasmo en las clases populares y posteriormente en la burguesía? Ante todo,
su cañamazo narrativo, de estructuras fijas susceptibles de diversas variantes.
Esto, como es lógico, facilitaba su lectura. En los relatos nos encontramos con
el personaje maduro, el barba, que ha pasado por desgracias sin cuento; con la
niña o muchacha desvalida cuya vida y honra pueden correr graves peligros a
manos del traidor y sus adláteres, hipócritas de la más baja calaña (pues en el
melodrama los malos han de ser muy malos, y los buenos deben tener un corazón
de oro); naturalmente, no falta el héroe bueno, representado frecuentemente por
un joven caballero, apuesto y valiente, cuya misión será castigar al traidor y
acabar proponiendo el matrimonio a la joven por él liberada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Es fácil suponer la carga de emoción y sensiblería que puede
admitir este esquema. Por otro lado, a las peripecias de la acción se une una
exposición en la que se mezclan las formas más extrañas a fin de distraer al
espectador: drama burgués, paradas, números de circo, danza y música
(etimológicamente, melodrama significar drama con música; la que abundantemente
pudieron ofrecer, en un inicio, los numerosos cancioneros revolucionarios). Es
fácil suponer también que los autores de melodramas obtuvieron éxitos tan
extraordinarios como faltos de precedentes. Pixérécourt, el más prolífico de
todos, contabilizó mil trescientas treinta representaciones de su Tekéli
(1808); mil quinientas de Celina (1800), más de mil de Latude (1834)... Parte
de este éxito era debido al arte de un elenco de actores, especializados en el
género, entre los que destacaron Fréderic Lemaitre y Marie Dorval.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La crítica marxista (A. Ubersfeld) reprochará al melodrama su
pronta asimilación por la burguesía: el torturar a sus víctimas con males y
desgracias cuyo origen parece que se coloca en la naturaleza o en el
comportamiento moral de individuos sin escrúpulos, marginales, en vez de
sugerir o marcar las causas sociales que propiciaban la existencia tanto de las
víctimas como de los verdugos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Es posible. Pero ello no obsta para que el melodrama ofreciese a
su público momentos de gran emoción en los que, además de la historia
lacrimógena, el "espectáculo era rey", como se decía. En efecto, a lo
ya dicho hay que añadir un elemento clave y, a veces, hasta protagonista: el
marco de la acción que, en escena, se desarrollaba en extraños e ingeniosos
decorados que solían representar preferentemente paisajes abruptos, salvajes,
intimidantes y misteriosos, de signo claramente romántico -antes del
romanticismo propiamente dicho. Estos paisajes nos recuerdan los álbumes
ilustrados ingleses de la época. Los pueblan y decoran, según los casos,
puentes carcomidos, ruinas, rocas y refugios practicables, bosques enmarañados
que acogen en su tenebrosa espesura relámpagos, sonidos siniestros o gritos
lastimeros... Hasta qué punto el paisaje es parte esencial de estas obras puede
indicarlo el hecho, poco usual hasta entonces, de su aparición en muchos
títulos, como si del protagonista de la historia se tratase: El puente del
diablo, La cisterna, Las ruinas de Babilonia...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A pesar de las críticas compasivas y de las prevenciones de los
románticos, ¿sería descabellado decir que muchos de los hallazgos del
romanticismo francés y de la comedia musical inglesa y americana, así como
buena parte de la producción del cine en nuestro siglo ya están en el
melodrama? Volveremos sobre el tema. Pero, ahora, permítasenos hacer un paréntesis
para recordar a un mítico intérprete francés cuya actuación recorre estos años,
convirtiéndose en el exponente de una reforma del teatro al margen del
melodrama.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2.
FRANÇOIS-JOSEPH TALMA (1763-1826)<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El que Talma, considerado como un genio o un dios de la escena por
sus contemporáneos, gozase de la amistad de Danton y de Marat, o abandonara la
Comédie Française para constituir el Théatre de la République no es lo más
significativo de su carrera. Sí lo es su rigor al exigir un teatro de la
naturalidad, virtual interpretación acosada tanto por el empaque clásico como
por el enfatismo de los melodramas; un teatro de la autenticidad en todos sus
componentes: vestuario, decorados, gestos, dicción, textos... De ahí que se
impusiese a los dramaturgos y que, consciente de su inmenso prestigio como
actor, no se doblegase ante ninguna directriz o política administrativa. Para
él, la clave del teatro estaba en la acción y en su expresión en el texto. Por
ello, aparte de los clásicos, rechazó a la mayoría de los dramaturgos de su
época (Pichat, Soumet, Guiraud, el joven Lamartine...) a los que reprochó sus
inútiles perífrasis y ornamentos. Un dramaturgo gozó de su especial favor, sin
duda porque se sometió incondicionalmente a sus exigencias: Lebrun. Para Talma
escribió Lebrun Le Cid D'Andalourie y una escandalosa adaptación de María
Estuardo de Schiller, entre otras cosas. El escándalo a que hacemos referencia
estaba en el estilo llano adoptado por Lebrun por exigencia de Talma, quien
empleó un término tan prosaico como mouchoir (que equivaldría a decir en
español moquero por pañuelo). Este estilo y sobre todo el uso de términos y
expresiones "no poéticas" como el que acabamos de indicar eran
intolerables para los críticos de buen gusto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A la muerte de Talma, Lebrun hizo un fiel retrato de su amigo del
que citamos un extracto:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> ¿Qué
fue de los consejos que me excitaban, de los avisos que, expresados la mayoría
de las veces por un gesto, una mirada, un movimiento, por palabras sin orden y
sin significación aparentes, se dejaban oír en mí mejor que las palabras más
claras; salían de un alma tan emocionada, de un conocimiento tan profundo del
arte y de los efectos del teatro y hacían comprender en un momento todo un
carácter, toda una situación...; con los temas se acaloraba, los veía ya en el
teatro, los representaba antes de redactar un solo verso; se veía en el
escenario, sentía lo que tal o cual personaje debía decir o hacer en esta o
aquella circunstancia, andaba, gritaba, era arte, naturaleza; se adivinaba, al
verlo, una escena entera; nos hallábamos ante una improvisación sublime; se
podía, por así decirlo, escribir a su dictado.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3. LOS
ROMÁNTICOS FRANCESES<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Dos breves escritos conforman principalmente la teoría dramática
romántica, dos escritos que hoy podríamos calificar de manifiestos: el Prefacio
de Cromwell (1827), de Víctor Hugo, y la Carta de Lord*** (1830), de Alfred de
Vigny. Para ellos, la novedad romántica significa, ante todo, oposición a la
tradición clásica, representada en Francia no sólo por la figura de Racine
-exponente sumo de la llamada por Scribe piéce bien faite-, sino por la
dramaturgia trágica del siglo XVIII, centrada particularmente en la figura de
Voltaire. Estos nombres se verán reemplazados en la admiración
poético-dramática por Shakespeare y Schiller.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El terreno estaba abonado tanto en lo social como en lo dramático.
Los románticos no podrán disimular enteramente sus simpatías por el melodrama.
Se sabe que Víctor Hugo era, desde niño, un gran aficionado a este teatro. Por
poco que analicemos el drama romántico descubriremos mil y un elementos melodramáticos.
Pero hay algo más sorprendente: los románticos seleccionaron a sus actores
entre el elenco de los teatros de bulevar. Veían en ellos la plasmación de sus
héroes más que en los actores del Théátre Français. De ahí que los nombres de
Marie Dorval o de Fréderic Lema3tre -llamado el Talma de los bulevares-
apareciesen en los repartos de Hugo, de Vigny o de Dumas, hijo. Incluso se
escribía para ellos expresamente, adaptando los personajes y sus caracteres a
la personalidad de dichos actores y a sus modos de representar -en los que
abundaban los impulsos súbitos, los largos parlamentos exaltados, los gestos
patéticos, los gritos, estertores, desmayos...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el Prefacio de Cromwell, <b>Víctor
Hugo</b> (1802-1885) atribuye al teatro misiones casi redentoras y, en
cualquier caso, revoluciona rías. Vale la pena detenernos un momento en él. Con
visión de cronista iluminado distingue tres grandes periodos o edades de la
historia: los tiempos prehistóricos o tiempos de la lírica; los tiempos
antiguos, o tiempos de la épica; finalmente, el periodo actual, calificado de
esencialmente dramático. Este último comprende toda la era cristiana y se
caracteriza -de ahí su dramatismo- por el enfrentamiento de fuerzas antagónicas:
el bien contra el mal, el cuerpo contra el espíritu... El teatro es la forma
más adecuada para mostrar, mediante su poesía, estas tensiones y la vía que
lleve a la síntesis de la realidad social y de la naturaleza. Ahí es nada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por otro lado, si el drama debe reflejar la existencia humana,
ésta debe evidenciarse en él con todas sus contradicciones, con sus mil caras y
disfraces: lo sublime puede entonces codearse con lo grotesco, "como
ocurre en la vida y en la creación". Para mostrar esta realidad, el drama
debe cuidar lo que llamaban el colorlocal a fin de hacer sentir al espectador
el espacio y el tiempo verdaderos de la acción -sus conflictos sociales, sus
pasiones, sus éxtasis y bajezas. De ese color local habrán de dar cuenta los
caracteres auxiliados por la acción, la lengua, los decorados, los objetos, el
vestuario. Todo ello, así como el deseo manifiesto de marcar sus distancias con
el melodrama y con la comedia burguesa, inclinaron a los románticos por el
drama histórico. Este les permitía la conciliación de la individualidad del
héroe con su mundo social. Seguían así la vía de sus verdaderos maestros:
Shakespeare y Schiller. De este drama histórico son ejemplos destacables:
Enrique IIIy su Corte de A. Dumas; La mariscala de Ancre de A. de Vigny; La
copa y los labios, así como. Lorenzaccio de A. de Musset; y, por supuesto, los
dramas de Víctor Hugo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Dos títulos de la producción de Víctor Hugo son especialmente
conocidos, los dos situados en España: Hernani (1830) y Kuy Blas (1833). En España
busca Hugo el barroquismo, los contrastes más marcados, las pasiones primarias
y, todo hay que decirlo, la diferencia con Francia, el exotismo que tanto
cautiva a los viajeros europeos. Recordemos que en su libro Las orientales
incluye las composiciones ambientadas en España.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En la historia del teatro, el 25 de febrero de 1830 será
considerado como la fecha de la batalla de Hernani. La expectación era
inusitada. En el local del Théátre Frangais iban a enfrentarse la vieja guardia
clásica y la joven guardia romántica. El dramaturgo había sustituido la claque
habitual por jóvenes buscados en el Barrio Latino por sus amigos de la escuela
romántica: Théophile Gautier, Gé rard de Nerval... Apenas se alzó el telón
comenzaron los insultos y los aplausos. El patio, favorable, contra los
hostiles palcos y galerías superiores. Esta batalla se repitió durante todas
las representaciones que siguieron, con más fuerza si cabe que en la noche del
estreno. De no haber hecho Víctor Hugo tanto ruido con sus Prefacios o de haber
estrenado en una sala de bulevar, todo habría ido sobre ruedas. Pero Víctor
Hugo y los románticos quisieron expresamente dar el asalto al Théátre Frangais,
templo de los clásicos. Buscaban abiertamente la pelea.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En aquel caos de gritos y aplausos, nadie llegaba a enterarse de
lo que estaba ocurriendo en el escenario. El dramaturgo había estructurado los
lances y peripecias en cinco actos -casi cuadros- a los que había dado un
título: El 1, El Rey, presentaba precisamente al Rey Don Carlos (que será
nombrado Emperador Carlos V en el acto IV) en disputa con el proscrito Hernani
por causa de Doña Sol, a la que ambos desean. ¿Dónde? En casa de Doña Sol, no
podía ser en mejor lugar. Para arreglar la situación serán sorprendidos por el
Duque Ruy Gómez de Silva, tío de Doña Sol y prometido a ella en matrimonio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el acto II -El bandido- el rey cae en manos de Hernani. El rey
rehúsa luchar con él por considerarlo un bandido. Acto III: El viejo. Día de la
boda del Duque con Doña Sol. Inoportunamente, un peregrino se presenta en el
castillo. Es Hernani que huye de la justicia real. El Duque oculta a Hernani
tras firmar con él un pacto: la cabeza de éste último estará a disposición del
Duque cuando lo requiera. Acto IV: La tumba. Se trata de la tumba de Carlomagno
en Aix-la-Chapelle, en donde Carlos es nombrado Emperador. Hernani y el Duque
son apresados por los soldados imperiales. Pero Carlos inaugura su mandato con
un gesto magnánimo: perdonar a los conjurados contra él y unir en matrimonio a
Doña Sol con Hernani. Golpe de efecto: Hernani se despoja de su disfraz: es el
noble Don Juan de Aragón.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Acto V: La boda. En el palacio de Aragón se celebra la fiesta
nupcial. De pronto, el Duque hace sonar el cuerno, señal de la muerte pactada.
Hernani-Don Juan se envenena junto con Doña Sol. Sobre los cadáveres de los
esposos, el Duque se clava su puñal.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En Hernani, como podemos ver, se infringen todas las normas. La
acción, que dura varios meses, pasa por Zaragoza, los montes aragoneses,
Aix-la-Chapelle... En ella asistimos a intrigas políticas, que reflejan la
historia, mezcladas con un relato sentimental. Se dan ocultamientos y lances
que más parecen de comedia que de tragedia; el personaje de Doña Sol pasa de
mano en mano y de una boda frustrada a una boda de luto...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Junto a Víctor Hugo hay que citar, en justicia, el nombre de
Alfred de Musset (1810-1857), cultivador de un género dieciochesco moral y
delicioso, adaptado a la sensibilidad romántica: el proverbio dramático. Los
proverbios se basan en juegos de imaginación que Musset componía sin esperanzas
de verlos representados. Por esas comedias-proverbios desfila un mundo
convencional y cortés compuesto de siluetas amables y de fantoches tiernamente
ridículos. En decorados irreales se dan cita galanteos, celos, melancolías y
gestos de desesperación. En definitiva, una mezcla de verdad y de fantasía, de
ingenio y de sentimiento. Con Musset nace y muere en Francia la comedia
romántica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero Musset es también autor de algunos grandes dramas, como ya
hemos dicho. En particular, Lorenaccio (1834), muy revalorizado en la
actualidad, pasa por ser la obra maestra del teatro romántico en prosa. En ella
se nos da cuenta de cómo Lorenzo de Médicis, para liberar Florencia de su
primo, el tiránico y disoluto Alejandro, decide atraérselo frecuentando sus
mismos ambientes de depravación. Pero Lorenzo acaba corrompiéndose a su vez,
matando sólo por odio, y dejándose matar. Se ha dicho que, a través de esta
historia magnificada, Musset proyecta su propia biografía. Una de sus comedias
llevaba por título No hay bromas con el amor (On ne badine pas avec l'amour).
En Lorenzaccio se nos advierte que tampoco proceden las bromas con el Mal.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Debemos preguntarnos si los románticos franceses consiguieron sus
grandes y desmedidos propósitos, si vieron cumplidas sus aspiraciones. Max
Milner opina que el gran sueño romántico fue imposible por no haber contado con
las condiciones necesarias para el éxito teatral: inexistencia de tradición
escénica que permitiese a los actores dar con el tono deseado, sin ahogar lo
histórico en las emociones individuales; inadecuación del público, incapaz de
rebasar los conflictos de los personajes y proyectarlos en la historia y en su
historia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">III. EL
ROMANTICISMO EN ESPAÑA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. EL
AMBIENTE PRERROMÁNTICO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">España, que se ha caracterizado con frecuencia por un ligero
retraso en la aparición de tendencias y movimientos artísticos, puede
justificar ahora la demora en la situación crítica de una guerra, la de la
Independiencia, y en una postguerra caracterizada por el absolutismo de
Fernando VII. Este rey, que reinstauró la Inquisición, retrasó con sus medidas
la aparición del espíritu romántico que, como es sabido, tenía un contenido
altamente revolucionario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tras el Congreso de Viena (1815), la Europa posnapoleónica asimila
la moda romántica, pero con el matiz conservador que le otorgan las modernas
monarquías asentadas sobre el más puro espíritu tradicional y, aún diríamos
hoy, reaccionario. Pero ni siquiera esa onda atravesó los Pirineos. Tal era el
celo del gobierno del "Deseado".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El término romántico no se utiliza en España hasta 1818, en que
aparece en el periódico madrileño Crónica científica y literaria. Con
anterioridad a esta fecha se empleaba el término romancesco, palabra con una
equivalencia actual a exótico o extravagante. A lo largo del reinado de
Fernando VII (1813-1833), los románticos no tendrían demasiada buena prensa. El
propio Larra, quizá la personalidad romántica por antonomasia de nuestra
cultura, no acabó de autocalificarse como tal. Tampoco su obra llegó a los
extremos de su vida.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2. PARADOJAS
DEL MOVIMIENTO ROMÁNTICO ESPAÑOL<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El romanticismo español no pasa de ser un movimiento arrebatado,
con apenas quince años de presencia en el teatro; justamente desde el estreno
de Don Álvaro o la fuerza del sino, en 1835, al de Traidor, inconfeso y mártir,
en 1849. Fue un romanticismo muy leve, pues el movimiento, desde el ímpetu de
Klinger, cincuenta años atrás, habíase amoldado a las modas relajadas de
principios del siglo xix. Algunos detalles en nuestra literatura nos aclaran
definitivamente ese nuevo concepto de romanticismo diluido. Martínez de la
Rosa, uno de los padres de la Constitución de 1812, miembro del ala
ultraliberal de esas Cortes, luchador en Cádiz por la modernización de nuestro
país, era un autor eminentemente neoclásico. Como sabemos, el neoclasicismo fue
un movimiento caracterizado por la recuperación de viejas fórmulas del pasado.
Tras sufrir cárcel, exilio y destierro (1823-1831), llega a conocer nuevas
ideas vedadas en la península, y escribe en París una obra como La conjuración
de Venecia, impregnada de espíritu romántico. Su estreno en Madrid, en 1834, se
considera un precedente imprescindible para establecer la historia del teatro
romántico en España. En ese año, Martínez de la Rosa contaba ya con cuarenta y
seis años, y era presidente del Consejo de Ministros en un gobierno altamente
conservador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Similar paradoja advertimos en la biografía de Ángel Saavedra,
apasionado combatiente en la Guerra de la Independencia, en la que cayó herido
en la batalla de Ocaña. Fue diputado durante el trienio liberal y condenado a
muerte por sus actividades, aunque consiguió escapar a Gibraltar y Londres. En
su exilio (1823-1834) conoció el Romanticismo, sobre todo en su estancia en
Malta. Regresó con una primera redacción en prosa de Don Álvaro o la fuerza del
sino, que estrenó en Madrid en su forma definitiva en 1835, estreno que los
historiadores equiparan al de Hernani, de Víctor Hugo, por la agresividad con
que fue "acogido". El drama entusiasmó, aunque no así su
interpretación. Tenía Saavedra cuarenta y cuatro años. Para entonces, el
dramaturgo había suavizado sus impulsos juveniles; hereda el ducado de Rivas,
al tiempo que llega a ser embajador, ministro de la Gobernación -en 1836- y
director de la Real Academia. Como Martínez de la Rosa, es un neoclásico metido
un poco a la fuerza en el nuevo estilo, aunque no le podamos negar la entidad
romántica de sus proyectos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Con anterioridad a Martínez de la Rosa y a Larra, existieron
síntomas de las tendencias románticas en España; pero no dejaron de ser meros
apuntes en géneros literarios distintos del teatro. En éste imperaba la moda
neoclásica, que de alguna manera atravesará el Romanticismo para seguir
instalada en las adaptaciones españolas de la comedia lacrimosa francesa
decimonónica. Martínez de la Rosa había escrito una Poética, en 1822, en la que
no abandonaba las viejas ideas de Boileau. Publicada en 1827, fue un fiel
modelo de eclecticismo. También en el exilio parisiense escribió tragedias neoclásicas,
como Aben-Humeya, redactada entre 1827 y 1830. De 1833, un año antes del
estreno de La conjuración de Venecia, es su Edipo, adaptación de la tragedia de
Sófocles. El talante romántico de Martínez de la Rosa no parece, pues,
absoluto. También el duque de Rivas había cultivado con regularidad la comedia
y la tragedia neoclásicas antes de Don Álvaro. Después, tampoco se prodigó en
dicha tendencia, como lo prueba, entre otras, el drama fantástico El desengaño
en un sueño, 1842, y su discurso de entrada a la Academia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El romanticismo práctico de Larra se redujo al estreno del Macíac
(1834), ya que sus ideas estéticas, de las que después hablaremos, mezclaban lo
neoclásico con lo romántico, en un curioso y singular ejercicio de estilo.
Fuera de ello, un par de revistas literarias, y algún que otro gesto en favor
del Romancero, son los detalles precursores del movimiento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL TEATRO ROMÁNTICO ESPAÑOL<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Coincidentes con los alemanes y franceses en sus grandes
directrices, en los románticos españoles advertimos:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Un notorio afán de transgresión que explica esas mezclas tan
evitadas por los neoclásicos: de lo trágico con lo cómico, de la prosa con el
verso, de las burlas con las veras...</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Abandono de las tres unidades. La acción es tan dinámica y variada
que requiere un constante cambio del espacio, siendo necesario el devenir del
tiempo.</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La complicación de la acción ha de ser explicada en largas
acotaciones que cuentan con precisión sus múltiples peripecias y sorpresas.
Dicha acción se puede mostrar en cinco jornadas, frente a las tres habituales.</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El nivel temático se sitúa en torno al amor, un amor imposible y
perfectísimo, cuyo telón de fondo viene conformado por la historia o la leyenda
-con frecuencia medieval-, con claras referencias a motivos del poder injusto.</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los héroes románticos, de origen misterioso, están cercanos al
mito. Su destino es incierto, pues suelen sucumbir ante las citadas injusticias
políticas. En este sentido, los protagonistas, que, como los héroes, son apasionados,
no tienen otra misión que la de servir al hombre con su única arma: el amor.</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los autores utilizan fórmulas dramatúrgicas clásicas, pese a que
la forma sea renovadora. Por ejemplo, la anagnórisis, con que finalizan no
pocos dramas, que suelen reunir un cúmulo de casualidades que, sólo al final,
coinciden desgraciadamente en el escenario.</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 64.5pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el terreno de la técnica aparecen modernas funciones
dramatúrgicas en la escenografía. Los espectadores gozan de nuevos efectos
escénicos, gracias a las maquinarias que se instalan definitivamente en
escenarios que reúnen condiciones para ello: fondos, laterales y, sobre todo,
telares, para poder hacer mutaciones con cierta rapidez. Es el final del corral
de comedias y el principio de los teatros a la italiana.</span><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">4. IDEAS
ESCÉNICAS DE LARRA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No basta que
haya teatro; no basta que haya poetas; no basta que haya actores; ninguna de
estas tres cosas pueden existir sin la cooperación de las otras y difícilmente
puede existir la reunión de las tres sin otra cuarta más importante; es preciso
que haya público. Las cuatro, en fin, dependen en gran parte de la protección
que el gobierno les dispense.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Son palabras de Mariano José de Larra, que dedicó no pocos de sus
artículos a los problemas que acosaban al teatro. En dichas palabras podemos
resumir la estrecha relación que señala entre teatro y sociedad, marcando a
aquél un cierto carácter político. Como buen neoclásico, solicita la presencia
de un público culto; de ahí que critique a los gobiernos el que tengan tímidas políticas
en materia teatral. Como romántico en potencia, requiere la verdad como única
norma preceptiva, ante el acoso de las unidades clásicas. "Cuando
destruidas las antiguas creencias, no se pudo ver en los reyes sino hombres
entronizados y no dioses caídos, no se comprende cómo pudo subsistir la
tragedia heroica aristotélica", dice en otra de sus críticas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Su pluma se afila de manera extraordinaria cuando habla de los
actores, a los que reprocha su técnica en exceso anticuada. Les achaca falta de
estudios, nulo conocimiento de la gramática castellana y del latín, humanidades
y bellas letras; que no lean ni conozcan a los clásicos, ni el medio en el que
vivieron. Sólo saben -según él que si han de hacer de pícaros pondrán cejas
arqueadas, cara pálida, voz ronca, ojos atravesados, aire misterioso, apartes
melodramáticos"; si de "calavera", que deberán dar "brincos
y zapatetas, carreritas de pies y lengua, vueltas rápidas y habla ligera";
para los graciosos "estiraré mucho la pata, daré grandes voces, haré con
la cara y el cuerpo todos los raros virajes y estupendas contorsiones que
alcance y saldré siempre vestido de arlequín". Si no tienen memoria,
recurrirán al apuntador, incluso si no lo oyeran, improvisarán alguna tontería
para que la gente ría. Corto prontuario de un arte al que tanto aprecia Larra,
pues tan necesario es para su evolución. "Es imprescindible que el actor
dé a su papel aquel color que no pudo con la pluma prestarle el poeta, y que
cree su carácter, copiándole de la sociedad, de la misma fuente de donde aquél
le tomó; para lo cual es preciso que el actor tenga casi el mismo talento y la
misma inspiración que el poeta, esto es, que sea artista." Sus palabras
bastan para explicar el cuidado y empeño en tan difícil periodo como fue el
romántico. De la misma manera reclama para el escenario mejor decoración y más
indicadas luces. Habla de una puesta en escena cada día más necesaria:
"Una comedia no entendida, lánguidamente dicha, sin color y sin
movimiento, es la peor de las comedias por muchas bellezas que encierre."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Esta u otras voces incitaron a los actores a actualizar su vieja
cartilla de recitadores y a entrar por un arte mucho más complejo y difícil, en
la línea de Talma, del que en España se tenían noticias. Isidoro Máiquez
(1768-1820), en concreto, recibió del francés una saludable influencia que,
adaptada al estilo español, sería continuada por otros actores. Máiquez
"creó por sí mismo un nuevo sistema de representación e interpretación
natural, majestuoso y siempre variado, muy distinto en sus manos, en su gesto,
en su voz, del que manejaban Talma en lo trágico y Clauzel en lo cómico",
en palabras de José de la Revilla -que no invalidan la influencia a que hemos
aludido. Pero sería la inauguración del Real Conservatorio de Música, en 1830,
el primer paso hacia la consolidación de los estudios del arte de la
interpretación. Los mejores actores de la época prestaron sus esfuerzos en la
enseñanza del teatro en el Conservatorio. Carlos Latorre lo hizo desde 1833. En
1844 estrenaría Don Juan Tenorio, de Zorrilla, con Bárbara Lamadrid de doña
Inés, actriz entrada en edad para tan singular papel. Quizá fuera ésta una de
las razones del relativo fracaso del famoso drama, en su primera salida al
público. También José Luna fue profesor del Conservatorio y, al igual que
Latorre, pudo utilizar el "don" delante de su nombre, cosa que ningún
actor había conseguido hasta entonces.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">5. UN MITO
ROMÁNTICO: DON JUAN TENORIO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Muchos fueron los héroes románticos que hicieron vibrar a los
espectadores españoles de la primera mitad del siglo XIX, desde el trovador
Macías hasta Don Álvaro, pasando por Ruggiero (La conjuración de Venecia),
Manrique (El trovador), Diego e Isabel (Los amantes de Teruel) y otros nombres
que, generalmente, mueren en sus imposibles intentos. Pero ninguno se le puede
comparar, al menos en la admiración suscitada, a Don Juan Tenorio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Se cuenta que fue un amigo quien insinuó a Zorrilla una
refundición de El burlador de Sevilla, pues No hay plazo que no se cumpla ni
deuda que no se pague de Antonio de Zamora empequeñecía la figura de Don Juan.
Zorrilla redactó una obra casi totalmente original, habida cuenta de los nuevos
ingredientes que añadió a la leyenda, sobre todo en sus elevadas dosis de
teatralidad. Ofrecer a Don Juan en dos momentos de su vida, cortando con cinco
significativos años la tragedia de la muerte de Don Gonzalo con su regreso a
Sevilla, es un acierto sólo atribuible a un hombre de teatro. Si a ello unimos
el sentido de espectáculo que denota el arranque de la obra (en Carnaval), y
los climas de profanación y misterio de ambas partes, tendremos un producto
desigual en versificación, pero perfecto de construcción dramática. Un producto
que gustó poco en su estreno, ~ que su autor vendió por cuatro cuartos a un
editor. Transcurridos dieciséis años, otro actor llamado Pedro Delgado la
reeestrenó con un éxito extraordinario. Para entonces, Zorrilla ya no
percibiría ningún beneficio. Este martirio para un autor, de ver que una obra
da dinero, pero que nada le llega a él, hizo que el poeta vallisoletano
aborreciese su Tenorio. Escribió incluso una zarzuela paródica para que a la
gente dejase de interesarle. Vano intento. Durante un siglo ha sido la obra más
representada del teatro español. Y todo por tener un héroe cargado de elementos
románticos; el mayor de ellos, e! redimir con el amor su condición de burlador,
y el consiguiente perdón divino que dos siglos antes, le había negado un fraile
mercenario o... quién sabe quién.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">IV. TÉCNICAS
ESCÉNICAS</span></b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Las nuevas técnicas, de las que pudo echar mano el teatro en el
periodo que consideramos, no fueron realmente alarmantes. Vistas
retrospectivamente, se diría que tendían, con su realismo y ansias de
veracidad, a hacer más creíbles los relatos de la historia pasada o de las
leyendas más imposibles.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">No es preciso insistir sobre la inadecuación histórica, en siglos
anteriores, del vestuario, el decorado o el mobiliario. Un recorrido por la
pintura del XVIII puede darnos una idea de lo que podía estar ocurriendo en
teatro. La precisión histórica en el vestuario se impondrá progresivamente en
la primera mitad del siglo XIX. En Francia esto fue protegido por los
responsables culturales de la Revolución y por el actor Talma, quiénes, además,
acudían en su apoyo a la autoridad de Diderot y de la recordada actriz, Mme.
Clairon. En Alemania -y aunque no parezca que las tendencias del Sturm und
Drang fuesen a favorecer esta fidelidad histórica-, H. Cottfried Koch la exigió
para la representación de sus contemporáneos. Impuso, por ejemplo, que el Gótz
de Goethe vistiese trajes medievales. Parecido fue el comportamiento en
Inglaterra por parte de Planché y de Charles Kemble.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En cuanto al escenario, la innovación principal, no siempre
adoptada, fue la aceptación del medio cajón, en el que los laterales y el fondo
daban la impresión de constituir auténticas paredes en las que podían
practicarse aberturas -ventanas, puertas. Según parece, también fue idea
alemana la de disponer un techo para sustituir las bambalinas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La contribución más importante consistió en la adopción del
panorama, importado por primera vez en París en 1799 por el americano Fulton.
El procedimiento, como es sabido, consistía en un telón de fondo que podía
prolongarse por los laterales curvándose en las esquinas. Proyectando sobre él
con habilidad la iluminación se podían obtener efectos llamativos de luces y de
sombras. Algunos de los motivos pintados en dicho telón iban, a veces, en
relieve, a fin de aumentar la ilusión de realidad. Esto llamó tanto la
atención, que en Francia se pensó en el estudio de espectáculos basados en
dicho panorama y en sus representaciones. Un edificio, una vista panorámica, un
puerto, una ciudad en lejanía... Tanta fue la boga del invento que el barón
Taylor -un hombre al que debe mucho el teatro en esta época- fundó en París el
Panorama Dramático con la pretensión empresarial de renovar el arte de la
escena a partir de este elemento. La breve vida del citado teatro (1822-1823)
demuestra que el panorama, a pesar de su efectismo, era sólo un instrumento y
no un constituyente esencial del arte de la escena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otra aportación importante fue el gas. Con él resultaba fácil
regular la ilumínación, interrumpirla, etc., dosificando a voluntad su entrada
por los tubos de caucho que lo conducían a la sala y a la escena. En algunos
teatros permitió reducir la iluminación de la sala a una suave penumbra para
centrar la atención del espectador en la escena. Pero el uso del gas entrañaba
riesgos, y durante este siglo XIX y hasta la utilización de la electricidad, se
incendiaron más de cuatrocientos teatros en Europa y América.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En lo que a España se refiere, a principios del siglo XIX todavía
los teatros españoles se alumbraban con candiles, que, amén de iluminar poco,
despedían un olor desagradable que podía mezclarse, a veces, con el de los
orines de los pasillos. Colocados en el borde del escenario, estos candiles
chorreaban hasta la sala. Las localidades -aposentos, cazuela y lunetas- no
eran un dechado de comodidad. Los empresarios no sabían qué era mejor: si tener
la sala despeada, aunque ganaran menos, o tenerla llena, con los consiguientes
embrollos que ello ocasionaba. Galdós describe con todo lujo de detalles, en La
Corte de Carlos IV, el estreno de El sí de las niñas, en 1806, insistiendo en
la incomodidad de nuestros teatros a principios de siglo. Eso es lo que
encuentran los románticos, por lo que opinan que los locales han de reformarse
y modernizarse para admitir decoraciones y montajes que era imposible meter en
los viejos corrales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">TEXTOS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(VICTOR HUGO, Prefacio de Cromwell,1827.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">¡Abajo las poéticas!<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Digámoslo sin temor alguno. No dejaría de resultar extraño que
en esta época nuestra, la libertad, como la luz, penetrara por doquier excepto
en lo que es por naturaleza lo más libre de todo: las cosas del espíritu.
¡Derribemos las teorías, las poéticas, los sistemas! ¡Abajo con ese viejo
enlucido que enmascara la fachada del arte! ¡No más reglas ni modelos!, o,
mejor, ¡no más reglas que las leyes generales de la Naturaleza -que planea
sobre el arte todo- y las leyes especiales que, en cada composición, resulten
de las condiciones propias de cada tema! Las primeras son eternas, interiores,
de ahí su permanencia; las segundas variables, exteriores, por lo que sólo
sirven una vez. Las primeras constituyen el armazón que sostiene el edificio;
las segundas los andamios que sirven para construir, pero que es preciso
rehacer a cada nuevo edificio. Constituyen éstas la osamenta, aquéllas el
ropaje del drama (...).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> El poeta -hemos de insistir sobre este punto- sólo debe dejarse
aconsejar por la naturaleza, por la verdad y por la inspiración -que es también
una verdad y una naturaleza. "Quando he", que dice Lope de Vega:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> <i>Quando
he de escribir una comedia<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> encierro
los preceptos con seis llaves (...)<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> Si dispusiéramos de la facultad de decir cuál había de ser,
para nuestro gusto, el estilo del drama, querríamos para él un verso libre,
franco, leal, que se atreviese a decirlo todo sin gazmoñería, a expresarlo todo
sin rebuscamientos; que pasase de modo natural de la comedia a la tragedia, de
lo sublime a lo grotesco; positivo o poético, siempre artista e inspirado,
profundo y repentino, amplio y verdadero; que a propósito supiera romper y
desplazar la cesura para enmascarar la monotonía del alejandrino; más amigo del
encabalgamiento que dilata que de la inversión que todo lo enmaraña (...);
inagotable en la variedad de sus giros, inalcanzable en los secretos de la
elegancia y la factura; que adopte, como Proteo, mil formas sin cambiar de
modelo ni de carácter; que huya de la tirada; que se realice en el diálogo; que
siempre ande oculto tras el personaje...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(MARTÍNEZ DE LA ROSA, Poética.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> <i> Al
arte toca dar a una acción sola<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> la
debida extensión y el propio enlace,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> sin
que desnuda y lánguida aparezca,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> ni
en su oscuro artificio se embarace:<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> para
el drama nacida,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> parezca
que ella misma de buen grado<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> llena
y completa la cabal medida;<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> y
en su propia importancia, a su grandeza<o:p></o:p></span></i></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> consigo
lleve su mayor belleza.<o:p></o:p></span></i></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-68004544893020560442017-10-19T01:09:00.001-04:002017-10-19T01:09:57.973-04:00El teatro en el siglo XVIII<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none; text-align: center;">
<strong><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 20.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El teatro en el siglo XVIII<o:p></o:p></span></strong></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">I. Panorama general de la escena europea en
el Siglo XVIII<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 93.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. La escena en Francia<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 93.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2. La situación en Italia<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 93.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3. El teatro inglés<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 93.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">4. Las teorías alemanas<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">II. El neoclasicismo teatral español<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 93.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. Ilustración y Reforma del teatro español<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 93.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2. La prohibición de los Autos Sacramentales<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 93.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3. Vida teatral española en el Siglo XVIII<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 57.0pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Textos<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">I. PANORAMA GENERAL DE LA ESCENA EUROPEA EN EL SIGLO XVIII<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El siglo XVIII encuentra su género escénico
peculiar en el drama, que ocupa un espacio entre la tragedia y la comedia
tradicionales. El desarrollo de la puesta en escena aporta aspectos realistas
al teatro, al tiempo que las inquietudes contemporáneas se expresan mediante
técnicas que tienden a una mayor naturalidad en la interpretación y en la
presentación escénicas. Esa tendencia al realismo exige solidez en los textos,
y halla su mejor acomodo en la utilización de la bocaescena, que estrecha el
contacto entre el espectador y los actores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A lo largo del siglo XVIII nos encontramos
ante la pretensión de hacer evolucionar el espectáculo cortesano y
aristocrático hacia otros modos, de tonos más populares, que reflejen en escena
los problemas de las masas, con el fin de conseguir que el gran público
frecuente las salas de teatro. Es en ese momento cuando el organizador de
espectáculos pasa a ser un auténtico director de escena, aunque éste otorgara
el máximo protagonismo al actor. Ese nuevo director artístico pudo montar de
manera totalmente original los materiales escénicos, integrándolos en un orden
teatral nuevo. En definitiva, se ofreció una interpretación distinta del
hombre, del mundo y de la historia. El actor, mientras tanto, cultivó su
personalidad, erigiéndose poco a poco en protagonista del hecho escénico
llegándosele incluso a sacralizar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El teatro cruzaba el siglo bajo la influencia
del espectacular desarrollo que había experimentado en el anterior. No pocas
confesiones del momento documentan el espíritu decadente del mismo. Ya no había
ingenios -se decía en España-, y fuera de nuestro país, Shakespeare y Moliére
no habían encontrado continuadores de su talla. Sin embargo, desde Francia e
Italia se dejaban oír voces que se rebelaban contra esa decadencia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. LA ESCENA EN FRANCIA</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En Francia, en donde las corrientes italianas
habían llegado a una plena adaptación, nos encontramos con una sistematización
estética del teatro, a partir del enfoque que a la práctica escénica había dado
François Riccoboni. Su L'art du théatre ayudó no poco a estimar la categoría
artística del hecho escénico. Su descendiente, Louis Riccoboni, llegó a
sistematizar la Commedia dell'Arte italiana, dividiéndola en tres jornadas y
estructurando el canovaccio para que suceda en un día, al tiempo que da un
tratamiento moralista y pudoroso a la fábula. Similares matices impone a la
tragedia, que incluso debe "abastecer a la corrección de las
costumbres", según nos dice en su obra De la réformation du théátre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Las ideas básicas de Aristóteles son
recuperadas en los planteamientos de Diderot, como sucede en el espíritu de la
totalidad de los preceptistas franceses. En su Paradoxe sur le comédien (1773)
toma como punto de partida de sus teorías el propio arte del actor, pues para
él, la declamación no es una disciplina subsidiaria. Diderot manifiesta una
superior consideración del actor: "Nada pasa en escena exactamente como en
la naturaleza." La paradoja del comediante consiste en representar todos
los papeles sin dejarse llevar psicológicamente por ninguno, pues ello sería
desastroso para su propio equilibrio psíquico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Entre los dramaturgos de este siglo hemos de
señalar al propio Diderot, particularmente por su drama Le fils naturel (El
hijo natural), así como a Marivaux, Beaumarchais y Voltaire.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Marivaux</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> (1688-1763)
no podrá, en un principio, escapar al clasicismo francés. Un título como La
escuela de las madres nos está recordando elocuentemente a Moliére. Pero pronto
abandonará la farsa francesa para adoptar más bien las técnicas de la Commedia
dell'Arte, y sus obras se acomodarán a los repartos del teatro italiano. De
hecho, fue la Comédie italienne la que estrenó la mayor parte de sus obras en
París: Arlequín pulido por el amor (1720), El juego del amor y del azar (1730),
Las falsas confidencias r (1730)... La relación con lo italiano lo enriquece
con sus cuadros fantásticos, al modo de las comedias mágicas de Shakespeare en
las que una o dos parejas de enamorados y de criados, un padre bonachón y una
madre tirana muestran sus refinados comportamientos en un marco de ensueño, a
través de un lenguaje y unas poses elegantes, aunque sin caer en la pedantería
de las preciosas ridiculizadas en el siglo XVII. Todo esto constituye la noción
de marivaudaje adoptada por el diccionario francés, que influirá en Musset y,
más adelante y con toda probabilidad, también en Giraudoux.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Beaumarchais</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> (1732-1799) nos acerca a la sensibilidad del último tercio del siglo
XVIII. Si, en un principio, se rebeló contra los clásicos, hay que decir que el
saber de sus predecesores franceses y de la comedia italiana están presentes,
actualizados ideológica y formalmente, en sus dos mejores obras, El barbero de
Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1778). Se ha llegado a decir que estos títulos
prefiguran la Revolución Francesa; que el monólogo de Fígaro en el acto V del
segundo de estos dramas anuncia el asalto a los privilegios de la nobleza; o
que la victoria de la pareja de criados anticipa la próxima victoria del pueblo
-el tercer Estado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Beaumarchais, que después de estas obras
vuelve a la comedia lacrimógena que defendiera en sus inicios, puede igualmente
ser considerado como un predecesor del melodrama, del que nos ocuparemos en el
próximo capítulo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por su lado, <b>Voltaire</b> (1694-1778) -que en algún momento llega a tratar a
Shakespeare de bárbaro, a Corneille de poco atrevido, y a Racine de casi
perfecto, dentro del respeto a las reglas - dotó a la tragedia de nuevos
horizontes, temas y personajes; enriqueció considerablemente la puesta en
escena y la escenografía; ideó cuadros pomposos, momentos de terror y de
sospecha, apariciones fantásticas, reconocimientos, quid pro quo... elementos y
recursos que desviaron la composición trágica hacia el drama romántico francés.
Sus títulos son de por sí harto elocuentes a este respecto: Zaira, El huérfano
de China, Adelaida de Guesclín, Semíramis... La fama de que gozó en su tiempo y
en el siglo XIX, ha dejado paso -tras el cambio de gustos y de estéticas a
finales del XIX- a un total y comprensible olvido en el s.f. Ocasionalmente, al
teatro moderno le han interesado, más que sus obras teatrales, sus relatos,
alguna vez adaptados a la escena (Cándido entre ellos).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2. LA SITUACIÓN EN ITALIA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En Italia, el género melodramático gana
esplendor al consolidarse como ópera. Milizia, entre otros, reclama el auxilio
de los géneros dramáticos propiamente dichos. Recaba nuevos planteamientos
desde la práctica escénica, con los que avanza una teorética reformista,
inmediata a las valoraciones estético-éticas de las preceptivas clasicistas
francesas, con las que se identifica al definir el objeto del teatro:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Esos efectos, placenteros y útiles, siempre unidos, amalgamados entre sí,
forman el objeto del teatro. Objeto máximo, que consiste en la moral dispuesta
agradablemente en acciones para incitar y animar a los espectadores a la
virtud.</span></i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En los aspectos técnicos, el criterio de
fidelidad a la razón impulsa la escenografía por las vías que había
desarrollado Bibbiena y que enmarcan el escenario en auténticos cuadros
pictóricos, en los que la ilusión de las líneas de fuga crea toda clase de
juegos de tramoya. La matemática óptica es la solución científica que resuelve
los problemas de la perspectiva angular.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pietro TraspassiI (1698-1782), llamado <b>Metastasio</b>, es uno de los más
significativos autores de melodramas de la Italia dieciochesca, sobre todo en
la vertiente ilustrada o erudita. Metastasio nos deja obras de notable aparato
escénico, grandilocuentes y rimbombantes, pero escasas en contenido. Dido
abandonada, Semíramis, La clemencia de Tito son quizá los títulos más famosos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero la figura italiana por excelencia,
dentro del siglo XVIII, es <b>Carlo Goldoni
</b>(1707-1793), tanto en su vertiente práctica como teórica. Buen creador de
caracteres, sus máximos logros los consigue con la conjunción de diferentes
tipos de personajes; es un perfecto pintor de ambientes, nunca exentos de una
fina sátira, dentro del espíritu moralizante del siglo. En ello, el dramatugo
veneciano sigue las máximas del clasicismo griego: "La comedia se inventó
para corregir vicios y poner en ridículo las malas costumbres; y cuando la
comedia de los antiguos se hacía de esta manera, todo el pueblo decidía."
Goldoni fue un autor prolífico, con textos que han pasado a los repertorios de
los más importantes teatros. La posadera (1753) es quizá su obra maestra,
aunque tampoco hay que olvidar El café, Los chismes del pueblo, La plazuela, El
avaro, Los rústicos y El abanico. Una parte considerable de su producción la
componen obras inspiradas en la Commedia dell'Arte, en las que felizmente
condensa, de forma literaria, toda una tradición que apenas había dejado
textos. Para algunos, esta fzjación textual puede significar una traición al
espíritu de dicho género, a su improvisación y espontaneidad. No obstante,
hemos de decir en su descargo que Goldoni nos ofrece unos ejemplos de calidad
que suponen un nuevo aliciente estético para cuantos practican este género. Aún
hoy en día se programan con absoluta normalidad obras como Arlequín servidor de
dos amos. En sus últimos años de vida, transcurridos en París, Goldoni
asimilará el estilo y las modas de los franceses, que, por lo demás, influirán
en los ingenios más importantes de todos los países.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En esa línea de recuperación de las
tradiciones, cabe situar a <b>Carlo Gozzi</b>
(1720-1806), también veneciano, cuya obra El rey ciervo es modélica del estilo
dieciochesco italiano. Este autor se inspira con frecuencia en fábulas
clásicas, que transforma en delicados juegos escénicos. Es el caso de El amor
de las tres naranjas, Turandot o El pajarito Belverde.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En cuanto a la tragedia neoclásica italiana,
el ejemplo más notorio es <b>Vittorio
Alfieri </b>(1749-1803), apasionado y revolucionario autor que vio en dicho
género la materia idónea para sus inquietudes. Cleopatra, Antígona, Agamenón,
Orestes, Virginia, María Estuardo, Saúl... son algunos de sus títulos más
importantes. En la comedia tuvo peor suerte. Quizá lo que posea más vigencia,
de entre toda su producción, sea la obra autobiográfica Vida, en donde, además
de dar fe de su turbulenta existencia, expone una serie de ideas que explican
con claridad el ambiente de una Europa en crisis política.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3. EL TEATRO INGLÉS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El puritanismo inglés, que duró hasta 1660,
supuso un corte definitivo entre el gran teatro isabelino y los nuevos aires
neoclásicos procedentes de Francia. Los intelectuales aprovecharon el momento
para elevar el tono de sus obras teatrales, y el pueblo descendió notablemente
en su asistencia. Ese refinamiento abundó en el desarrollo de la escenografía y
de las obras musicales, y facilitó la llegada de poetas de gran formación
intelectual, como John Milton (16081674), autor de tragedias como Sansón
agonista (1671).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El local teatral en Londres había
evolucionado desde los tiempos de Shakespeare. La sala estaba ya totalmente
cubierta, procediéndose a la iluminación del escenario por velas o candelas; de
ahí el nombre primitivo de candilejas, o lugar en donde se encuentran las
candelas. Los telones separan siempre, en adelante, el espacio de los actores y
el de los espectadores, apareciendo los decorados pintados, a imitación de los
italianos. También las mujeres podrán ahora actuar con normalidad. Autores
interesantes de este periodo de Restauración son John Dryden (1631-1700), Thomas
Otway (1652-1685), William Congreve (1670-1721) y George Etherege (1635?-1685).
De mayor importancia es John Gay (1685-1732), que alcanzó notoriedad con La
ópera del bandido, que influirá en autores posteriores como el propio Brecht.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el siglo XVIII los escenarios ingleses se
ven agraciados con el trabajo de un actor excepcional que marcó toda una época:
David Garrick (1717-1779). Además de revisar y poner de moda la obra dramática
de Shakespeare, hizo evolucionar la forma de interpretación, sobre todo en el
campo de la mímica y del movimiento escénico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">4. LAS TEORÍAS ALEMANAS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En Alemania hemos de destacar la labor de <b>Lessing</b> (17291781). Su actividad
teórica y práctica en Hamburgo constituye una de las aportaciones fundamentales
del siglo. Minna van Barnhelm es quizá el primer drama de reivindicaciones
femeninas, pese a que en la elaboración haya una relación con los clásicos. Sus
críticas, reunidas posteriormente en la llamada Dramaturgia de Hamburgo
(17671769) son las más lúcidas páginas preceptivas del momento. Para Lessing,
la gran fuerza psicológica en la expresión creadora era la pasión. A través de
esa vía, procura adecuar el arte a la naturaleza, pero no desde una posición o
sentido determinista. Nunca aceptó el arte como hecho fijo, sino como algo en
constante movimiento y evolución. Prefirió a Shakespeare frente a Voltaire,
aunque éste se encontrase en plena actualidad. Por ello llega a apartarse del
aristotelismo a ultranza, y abre caminos para que nuevas teoréticas aparezcan
por el camino de la irracionalidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Lessing se preocupó igualmente por la
interpretación, recogiendo algunas ideas de Diderot sobre el sentido realista
que debía poseer la moderna actuación escénica. Otra obra preceptivista es el
Laocoonte (1766), en donde el debate en torno a lo clásico queda fijado en su
desdén por el clasicismo obsoleto. Lessing será el gran propulsor del teatro
alemán, al que por sus tendencias prerrománticas dedicaremos un merecido
epígrafe en el próximo capítulo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">II. EL NEOCLASICISMO TEATRAL ESPAÑOL<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los nuevos dramaturgos españoles del siglo
XVIII tienden su mirada al exterior, procurando recibir de fuera las
innovaciones de una etapa general de decadencia. Importan formas y contenidos,
sobre todo del teatro italiano y del clasicismo y neoclasicismo franceses.
Refundidores como Cañizares, y teóricos como Luzán, traducen textos de la
importancia de Ifigenia de Racine, o de La clemencia de Tito de Metastasio.
Pronto se radicalizaron dos posturas en torno al teatro del siglo anterior;
una, de evolución, siguiendo pautas francesas de gran influencia política en la
corte de los Borbones; otra, de rígido mantenimiento de los modos clásicos de
antaño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Bajo la primera tendencia, <b>Ignacio de Losán</b> (1702-1754) procura,
con su Poética (1737), dejar sentadas las normas de preceptiva literaria con
las que revitalizar las estéticas de las letras españolas, sin olvidar el
teatro, al que dedica la Parte Tercera del Tratado. Al concepto de mimesis da
un carácter si cabe más pedagógico que sus antecesores, añadiendo tonos
moralizadores cuando abarca significaciones relativas a la fábula trágica y
cómica; la primera "ha de ser imitación de un hecho de modo apto para
conseguir el temor y la compasión y otras pasiones"; la cómica "ha de
ser imitación o ficción de un hecho en modo apto para inspirar el amor de
alguna virtud, o el desprecio y aborrecimiento de algún vicio o defecto".
No obstante, esta preceptiva no debió tener demasiada repercusión en el medio
escénico español, pues su segunda edición, ya póstuma, no apareció hasta 1789.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tampoco <b>Nicolás
Fernández de Moratín</b> (1737-1780) había conseguido otra cosa que simples
tanteos de imitación francesa con su comedia La petrimetra (1762), que jamás
subió a las tablas. En sus Desengaños al teatro español censura los defectos de
la escena del Siglo de Oro, en especial de los Autos Sacramentales,
inaceptables para la sensibilidad neoclásica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el bando opuesto, como defensores a
ultranza de la antigua comedia y enemigos de las innovaciones francesas,
destaca <b>Vicente García de la Huerta</b>
(1734-1787). Su tragedia Raquel, inspirada en la obra de Lope de Vega Las paces
de los reyes y judía de Toledo, fue un rotundo éxito. Aunque viola la unidad de
tiempo, procura mantenerse no demasiado lejos de los gustos intelectuales de la
época, pese a su postura contraria. Otro caso de curiosa evolución, esta vez
desde tímidas pero firmes posiciones neoclásicas hacia un tradicionalismo
contumaz, fue la del sainetista por antonomasia <b>Ramón de la Cruz</b> (1731-1794). Este autor pudo reconvertir el género
del entremés en piezas de mayor extensión y envergadura, los sainetes, de los
cuales estrenó con enorme éxito cerca de cuatrocientos. En ellos no faltaron
críticas al Neoclasicismo, como las que aparecen en EI Manolo y en El Muñuelo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. ILUSTRACIÓN Y REFORMA DEL TEATRO ESPAÑOL<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En este tiempo, la política intervino por
primera vez en España en la orientación teatral del país. El refinamiento
francés, que coincidía plenamente con los gustos de la Casa Real, fue ganando
adeptos entre los partidarios de las normas neoclásicas. Era éste un hábito
mantenido por todas las Cortes europeas que se preciaran de elegantes. El conde
de Aranda favoreció la Ilustración, y el intelectual Jovellanos hizo un
planteamiento teórico de reordenación del mundo de la escena en su Memoria
sobre espectáculos (1790). Ante el incremento de representaciones sin un
contenido que supusiera enseñanza moral o adoctrinamiento cultural, Leandro
Fernández de Moratín, recogiendo el testimonio paterno de la influencia
francesa, encabezó el movimiento llamado de reforma de los Teatros de Madrid.
Esta idea fue propuesta al Consejo de Castilla por Santos Díez González,
profesor de Poética y censor oficial, que la había preparado y elaborado de
1787 a 1797. Posteriormente fue estudiada por Moratín, que, siendo ministro
Urquijo, sería nombrado en 1799 director de la junta que coordinaría dicho
proyecto. No obstante, dimitió pronto de su cargo, al no querer compartir
-según Andioc- su responsabilidad con el gobernador del Consejo. El cometido
principal de unos y otros era recomendar una serie de obras y prohibir otras,
bajo la estricta orientación de fomentar exclusivamente ideas que amparasen la
verdad y la virtud. Y en ese medio se movió Moratín, para el que, tras su
dimisión, se creó el cargo de "corrector de comedias antiguas".
Aunque no parece que corrigiera ninguna, sí apuntó la prohibición de unas
seiscientas, de las cuales sólo cincuenta eran del Siglo de Oro -entre otras,
La vida es sueño, El principe constante y La prudencia en la mujer; la mayoría
correspondían a contemporáneos que insistían en la fórmula del siglo anterior.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La Reforma fracasó debido al boicot que le
hicieron los actores y, sobre todo, por el desdén del propio público, que había
sufrido en tres años dos considerables subidas en los precios. Influyó también
la supresión de algunas comedias con cierto marchamo patriótico. La junta
endosó unas pérdidas tan significativas que en agosto de 1801 se volvieron a
programar comedias de magia -a las que volveremos en el punto siguiente- para
conseguir algunos ingresos. La Reforma dejó de cumplirse durante una temporada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Además de los dichos, es preciso señalar que
los objetivos de la Reforma tenían tintes claramente progresistas. El estado de
la comedia española era francamente deplorable, y de ello dio cuenta expresa
Moratín en La comedia nueva o El café estrenada en 1792, contundente ataque a
los epígonos del postbarroquismo. Entre las interesantes propuestas que hacía
la Reforma estaba la obligación de hacer lógicos repartos de papeles, fundados
más en las aptitudes de los intérpretes que en los puestos que ocupaban en las
compañías. La dignificación del poeta era otra de las aportaciones, así como la
de catalogar al "director" como inmediato jefe de actores y otros
oficiales del teatro, evolución jerárquica del viejo oficio de
"autor". El control de los locales había pasado del Ayuntamiento a la
jurisdicción real, aunque el gobierno pronto devolvió dicho control al
Congreso. El 17 de diciembre de 1806, una Real Orden dejó a cargo del Ayuntamiento
la "dirección, gobierno y manejo total" de los teatros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2. LA PROHIBICIÓN DE LOS AUTOS SACRAMENTALES</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hay que anteponer el debate sobre el Auto
Sacramental, que se mantuvo a lo largo de esos años, a la decadencia de las
creaciones escénicas en el siglo XVIII y no a la del teatro propiamente dicho,
ya que los locales seguían llenándose pese a la baja calidad de las obras
exhibidas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los Autos sacramentales habían languidecido
durante el siglo XVIII. La necesidad de repetir antiguas creaciones fue
poniendo el acento de la originalidad en el espectáculo. Habida cuenta que las
obras de los corrales fueron derivando hacia el género más populachero, la
comedia de magia, con su considerable tramoya, se empezó a identificar
peligrosamente al Auto con la comedia. Si los Autos eran mezclas de asuntos
religiosos y profanos -los cuales inundaban intermedios, principios y finales
de las funciones-, también las enseñanzas que ofrecían aparecían mezcladas,
cosa que se oponía cada vez con mayor intensidad a lo que postulaba la Iglesia.
Por otro lado, las recaudaciones de los Autos tampoco presentaban aspectos tan
saludables como en tiempos pasados. Durante los últimos años de autorización
había compañías que no conseguían ni la mitad de los ingresos previstos. Las
clases populares parecieron apartarse de un género que no lograba la
implicación espiritual de antaño. En los corrales, el Auto se encontraba con
alternativas tramoyísticas superiores a las citadas en las comedias de magia.
Este enfriamiento del pueblo por los Autos no importaba demasiado a la Iglesia,
recelosa de los excesos del teatro, de sus vestuarios inadecuados, de la
correlación entre las reconocidas vidas privadas de los cómicos y los papeles
sagrados que representaban, argumentos salpicados por mil y una banalidades. De
ahí que una Real Cédula de 1765 pusiera punto final a la polémica mantenida
durante décadas, polémica que iba más allá de una aparente disputa entre neoclásicos
y tradicionales. También las comedias de santos seguirán los pasos del Auto
sacramental, pues se prohibieron en 1788.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3. VIDA TEATRAL ESPAÑOLA EN EL SIGLO XVIII</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Con respecto al siglo anterior, el teatro,
durante el siglo XVIII, subió más si cabe en su aceptación y participación
popular, llegándose a ciertos extremos, como por ejemplo a exageradas
rivalidades entre las compañías y sus partidarios. T os locales daban
saludables beneficios, y aunque los ingenios no abundaran, se reponían comedias
pasadas. Al mismo tiempo, no fueron pocas las obras de creación absoluta que se
apoyaban en un enorme ejercicio de tramoya para su desarrollo. Fueron las
llamadas comedias de teatro, frente a las comedias sencillas o diarias, que
eran las habituales. Las primeras, más caras en razón de sus costos más
elevados, fueron imponiéndose en el gusto popular. Este aumento se puede
comprobar documentalmente. En la temporada 1795-96, cinco comedias de magia, en
65 representaciones, dieron ingresos similares a 32 comedias del Siglo de Oro
que necesitaron 127 funciones. Salvo algún título atractivo para el gran
público, a finales de siglo los poetas áureos no tenían demasiados adeptos en
las localidades baratas; pero sí los tenían en las caras, es decir, entre las
clases acomodadas. Calderón, por ejemplo, gozaba de más éxito en ediciones que
en corrales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En las comedias de magia los recursos
tramoyísticos tenían principal protagonismo. La moda francesa también cruzaba
en este caso los Pirineos. Encantos, duendes, diablos, enanos que se convertían
en gigantes, peleas..., estaban a la orden del día, sucediéndose sin cesar. Los
autores buscaban lugares de acción exóticos para sus creaciones. Rusia, por
ejemplo, era lugar geográfico de El mágico de Mogol, de Valladares Sotomayor,
de El mágico de Brocario y El mágico de Astracán, ambas anónimas. En la línea
de las obras de tema mágico, podemos añadir El mágico de Eriván, también
anónima, con situación escénica en Persia, e incluso El mágico de Cataluña.
Quizá la más famosa de estas comedias fuera El mágico foleto. El género, sin
embargo, fue motivo de ironía por parte de los neoclásicos, que veían en él
todas las exageraciones de un posbarroquismo mal asimilado. Leandro Fernández
de Moratín decía con no poco sarcasmo:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">
<i>Si del todo la pluma desenfrenas<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> date a la Magia, forja encantamiento,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> y salgan los diablillos a docenas,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> aquí un palacio vuele por los vientos,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> allí un vejete se transforme en rana,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> todo asombro ha de ser, todo portentos.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por otro lado, no es del todo cierto el
tópico extendido por Menéndez Pelayo de que el público gozara sobre todo con
las viejas comedias del Siglo de Oro. Las de magia se llevaron la palma en el
XVIII, aunque, en tiempo de Moratín, éste les disputara el éxito. Con el
estreno de El sí de las niñas consiguió la máxima recaudación y permanencia de
una misma comedia en cartel: 26 días, y la quitaron a teatro lleno por entrar
en tiempo de Cuaresma.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ya en el siglo XIX, y hasta bien avanzadas su
segunda y tercera década, la comedia de corte moratiniano impuso su ley sobre
todo tipo de teatro. La comedia de magia, consumida principalmente por el
pueblo, acabaría sucumbiendo. Su espectador transmutó sus gustos en el nuevo
artificio que encontró en el drama romántico, como veremos en el próximo
capítulo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">TEXTOS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 28.5pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hablar, pero también actuar<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hablamos demasiado en nuestros dramas; y
consiguientemente, nuestros actores no actúan bastante. Hemos perdido un arte
cuyos recursos conocían bien los antiguos. La pantomima figuraba en otro tiempo
todas las condiciones, los reyes, los héroes, los tiranos, los ricos, los
pobres, los habitantes de las ciudades, los del campo, seleccionando para
representar a cada estado aquello que le es propio; en cada acción, lo que más
llama en ella la atención. El filósofo Timócrates como asistiera un buen día a
un espectáculo de esta especie, del que su severo carácter lo había mantenido
siempre alejado, dijo: "Quali spectaculo Philosophiae verecundia privavit!"
("La vergüenza privó a la filosofía de semejante espectáculo"). El
cínico Demetrio atribuía todo su efecto a los instrumentos, a las voces y a la
decoración. Así se expresó en presencia de un mimo que le respondió:
"Mírame interpretar sin nada, yo solo; y después di de mi arte lo que te
plazca." Enmudecen entonces las flautas. El mimo actúa, y el filósofo,
enajenado, exclama: "No te estoy viendo solamente, te estoy también
escuchando. Me hablas con las manos."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Y ¿qué efecto no habría producido semejante
arte unido al discurso? ¿Por qué hemos separado lo que la naturaleza ha unido?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(...) Existen momentos que casi sería preciso
dejar enteramente en manos del actor: que él disponga de la escena que hemos
escrito, que repita determinadas palabras, que vuelva sobre determinadas ideas,
que recorte unas y añada otras. En el cantabile, el músico deja a los grandes
intérpretes del canto el libre ejercicio de su gusto y de su talento; el músico
se conforma con marcar los intervalos principales de una canción bella. Lo
mismo debería hacer el poeta que conoce bien a su actor. Porque ¿qué nos
impresiona en el espectáculo del hombre animado por una gran pasión? ¿Sus
discursos acaso? Puede que así ocurra alguna vez. Pero lo que siempre conmueve
son los gritos, las palabras inarticuladas, las voces rotas, algunos
monosílabos que se escapan a intervalos, ese indescriptible murmullo en la
garganta, entre dientes...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(Diderot, Debate sobre El hijo natural.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">"¿Y qué diré del sutil arbitrio que
discurrimos para formar las fábulas de nuestros poemitas? Arbitrio que pareció
tan cómodo, que todo poeta de bien y timorato lo ha escogido para sí, y trazas
llevan de no soltarle hasta la consumación de los siglos. ¡Soberano arbitrio
que ahorra mucho tiempo, y muchos polvos de tabaco, y mucha torcida de candil!
Arbitrio con el cual se forma en un guiñar de ojos cualquier poema [...] El
poeta no tiene más que acostarse y apagar la luz."<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 84.75pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(Leandro Fernández de Moratín, La derrota de
los pedantes.)<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-1048066681279713762017-10-19T00:57:00.001-04:002017-10-19T00:57:19.411-04:00El teatro clásico francés<div align="center" class="MsoTitle" style="text-align: center;">
<b><span lang="ES" style="font-size: 22.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 28.0pt;">El teatro clásico francés<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 25.1.
Marco histórico<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 25.2.
Introducción al teatro clásico francés<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 25.3.
Espacios escénicos en el teatro francés<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 25.4.
La tragedia francesa<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 25.5.
La comedia francesa<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> 25.6.
La tragicomedia y la pastoral<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. MARCO
HISTÓRICO</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Francia, que en las postrimerías de la Edad Media salió
victoriosa de la Guerra de los Cien Años, inició la Edad Moderna consolidando
su unidad nacional, y dando rienda suelta a sus ansias expansivas en Italia, en
donde chocó con los intereses españoles. Por ello, a lo largo de los siglos XVI
y XVII hay una permanente enemistad franco-española, que alcanzó sus puntos
culminantes con las luchas entre Francisco 1 y Enrique II de Francia, con
Carlos V y Felipe II de España.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La Reforma protestante aprovechó la desatención de los
monarcas franceses a sus cuestiones internas para penetrar en territorio galo.
Las diferencias entre católicos y protestantes (hugonotes) fueron causa
frecuente de discordia y guerras civiles. La monarquía, de creencia católica,
debía mediar entre unos y otros. El predominio católico era innegable. Un caso
conocido y curioso fue el de Enrique IV (1589-1610), rey protestante rechazado
por la mayoría católica, que tuvo que abjurar el Protestantismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El siglo XVII se reparte en dos reinados: Luis XIII
(1610-1643) y Luis XIV (1643-1715). El primero dejó la política en manos del
cardenal Richelieu, el cual se propuso un triple objetivo: a) atacar a la
nobleza insumisa al Rey (la Fronda), retirándole sus privilegios e incluso
llevando al cadalso a sus cabecillas; b) perseguir a los protestantes; c)
enemistarse con los Austrias, no importándole pactar con los protestantes
europeos para tal fin, aunque persiguiera a los franceses.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Esta misma política fue seguida durante el reinado de
Luis XIV. Durante su minoría de edad, su madre, la española Ana de Austria,
confió los asuntos de estado al cardenal Mazarino. Luis XIV (El Key Sol) lleva
a su cumbre el concepto de absolutismo real, al debilitar cada vez más a la
nobleza e incrementar el mecenazgo cultural de los monarcas franceses y sus
validos. Richelieu y Mazarino otorgan sustanciosas ayudas a artistas y poetas;
tal fue el caso con los hermanos Corneille, Moliére y Racine.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">París se convirtió en centro de atracción cultural del
mundo entero. Con Luis XIV los franceses sobrepasaron a los italianos en
fastuosidad. La Corte del Rey Sol fue un centro de producción de grandes
espectáculos. Especialmente lujosos fueron los conocidos como Los Placeres de
la Isla Encantada, que transcurrieron en el Palacio de Versalles, del 7 al 13
de mayo de 1664. En ellos actuó Moliére en el papel del dios Pan. El gusto
italiano impuso en la Corte la afición por la música y el canto. Si a esto
añadimos la inclinación francesa por el espectáculo de baile, no ha de
extrañarnos que estos componentes estuvieran presentes en cualquier fiesta de
Corte. Así se explica el auge de la comedia-ballet, subgénero que Moliére tuvo
que cultivar, siguiendo instrucciones de los maestros de música y de
coreografía, especialmente del italiano Lully. En su inicio, final y
entreactos, este tipo de comedia dejaba paso a números de mimo, baile y canto,
innecesarios desde el punto de vista del argumento. Es creencia común que el
ballet, unido al disfraz y a la máscara, nace en Francia en la Edad Media,
derivado de las mascaradas de Carnaval y Navidad. Dichas mascaradas fueron muy
apreciadas por Francisco 1 y los monarcas del siglo XVl.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero estas fuerzas expansivas del espectáculo teatral
encontrarán una oposición muy diversa y persistente. El teatro fue atacado por
la jerarquía eclesiástica de París. Lo fue también, de modo más furioso, por
los jansenistas. Las ideas jansenistas sumían al hombre en el pesimismo más
radical, con sus teorías sobre la corrupción de la naturaleza humana por el
pecado original, sobre la predestinación del hombre al cielo o al infierno,
etc. Por todo ello, y particularmente por la ignorancia de su suerte futura, el
hombre debía evitar toda ocasión de pecado, en especial una de las más
funestas: el teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por su lado, pululaban diferentes cábalas y sociedades de
signo más o menos secreto, como la célebre Compañía del Santo Sacramento, que
logró retirar algunas obras de cartel a pesar del favor del rey, como es el famoso
caso de El Tartufo de Moliére.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Para la comprensión del arte francés, particularmente del
teatro, debemos hablar forzosamente de la formación de una rigurosa disciplina
de pensamiento, que arranca del filósofo Descartes. Según él, la razón, el
pensamiento, es lo único de lo que no podemos dudar. Por ello, la razón debe
ser la guía y señora del hombre en sus relaciones con el mundo y con Dios. Este
culto cartesiano a la razón se impone también en arte, pero no todos estuvieron
de acuerdo. De ahí la eterna polémica que aún hoy en día persiste en el
francés, a pesar de los furibundos ataques a la razón por parte de las
vanguardias modernas surgidas del simbolismo y del superrealismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En teatro, por ejemplo, la razón exigía el respeto a las
reglas de tiempo, lugar y acción. Pero, yendo más allá, los franceses añadieron
dos nuevas reglas: la del decoro (nada en teatro debe ir contra el buen gusto)
y la de verosimilitud (o semejanza con los verdadero: lo que se nos muestra en
escena debe ser posible en la realidad).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">2.
INTRODUCCIÓN AL TEATRO CLÁSICO FRANCÉS</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Como ya quedó dicho (cap. IV), en 1548 el Parlamento de
París prohibió la representación de los Misterios. A pesar de ello, fuera de la
capital, el género siguió en vigor. También se hacían farsas y moralidades que
alcanzaron un auge impresionante durante el reinado de Francisco 1. Las farsas
se representaban incluso en tiempos de Moliére. Por otro lado, el abandono de
las moralidades y misterios tuvo por causa no sólo la prohibición del
Parlamento o los ataques de los poetas renacentistas franceses (el grupo de La
Pléiade), sino, más bien, el nuevo espíritu de la Reforma. Los protestantes no
veían con buenos ojos que la Biblia provocase la risa en el teatro; los
católicos, por el contrario, estaban de acuerdo con estas representaciones,
pues pensaban que con ellas se mantenía el interés por los textos sagrados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otra razón del declinar de este género se encuentra en el
favor concedido por los poetas renacentistas al teatro antiguo, a pesar de las
reservas antes formuladas, considerado como contrario a la tradición francesa.
Se traducía del griego al latín. Nuevas obras se representan en los colegios de
París, escritas directamente en latín.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">3. ESPACIOS
ESCÉNICOS EN EL TEATRO FRANCÉS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los Cofrades de la Pasión tenían como una especie de
monopolio sobre las representaciones teatrales en la capital; se debía a un
privilegio que mantuvieron incluso después de serles prohibida la puesta en
escena de los misterios en 1548. En 1599, estos cofrades cedieron su sala, el
Hotel de Borgoña, así como el privilegio de las representaciones, a la compañía
de Valleran-Lecomte, que será conocida como la Compañía Real. En ella
destacaron Turlipin, Grosguillaume y Gautier-Garguille en la farsa, y
Montfleury, Floridor y la Champmeslé en la tragedia; esta última fue la
intérprete de Racine por excelencia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pronto apareció otra compañía, dirigida por Mondory, que
se estableció en la sala del juego de la Pelota del barrio aristocrático del
Marais. En ella sobresalió el cómico Jodelet. Esta Troupe se inclinó por un
teatro abundante en maquinaria. En 1673, a causa de una larga enfermedad de
Mondory, se disolvió la compañía y los actores se marcharon, unos al Hotel de
Borgoña y otros con Moliére.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por su lado, la compañía de Moliére, que había hecho su
carrera en provincias, se instaló en París en 1658, ocupando, dos años más
tarde el Palacio Real, una magnífica sala construida por Richelieu. Destacaban
en ella el propio Moliére, que solía hacer los papeles principales, y su mujer,
Madeleine Béjart. Al morir Moliére, la compañía se fusionó con la del Marais.
Algunos actores se marcharon con el elenco del Hotel de Guénegaud.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La Comedia Francesa (Comedie Françaice), institución que
hasta nuestros días es la depositaria de la tradición teatral de ese país, fue
creada en 1680. Se trata de una fundación real, llevada a cabo por Luis XIV
mediante la fusión de las compañías del Hotel de Borgoña, y del Hotel de
Guénegaud.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">A estas compañías hay que añadir las de los comediantes
italianos, muy apreciados en provincias y en París. Los franceses, aunque no
podían captar enteramente sus diálogos, pues los italianos empleaban sus
dialectos de origen, sí supieron apreciar una expresiva mímica, sus
improvisaciones, los tics y movimientos de personajes consagrados: Arlequín,
Pierrot, Polichinela, Pantalón... También los italianos introducirán la ópera
en París como género artístico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Las salas eran casi todas ellas antiguos locales
destinados al juego de Pelota (Jeux de Paume), todos de forma rectangular. En
París existían doscientas de estas salas. Así pues, fue fácil dar con los
lugares de representación. Constaban de un patio, en el que solía insta¬larse
de pie el público popular masculino, ya que las mujeres no frecuentaron el
teatro hasta 1640. A partir de entonces, ocuparán los palcos y las galerías.
Los espectadores son generalmente ruidosos y turbulentos, particularmente los
del patio. Como en Inglaterra, en el último tercio del siglo se introdujo la
costumbre de ceder parte del escenario al público noble. Si tenemos en cuenta
que el escenario era ya de por sí escaso, este hábito poco beneficiaba el
desarrollo del espectáculo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En escena se sigue inicialmente la costumbre francesa del
decorado múltiple; así se representó, por ejemplo, El Cid de Corneille.
Evidentemente, estos decorados debían ser de proporciones tan reducidas que
daban al traste con las exigencias de verosimilitud de los puristas. Se pensó,
entonces, en la conveniencia del decorado único, en el que se practicaron
diversas entradas que eran la representación convencional de los distintos
lugares de procedencia, expresados en el diálogo de los personajes. Esto no
evitaba la confusión en los espectadores, que no sabían muy bien dónde situar
la acción cuando a la escena accedían personajes por diversas puertas. Ninguna
solución llegaba a ser plenamente convincente, aunque la más criticada por los
partidarios de las reglas, con gran ironía, era la de los decorados
simultáneos, que pretendían "juntar en unos metros a Roma con París".
La unidad de lugar, pues, era para ellos la única que podía ser figurada en
escena de modo razonable. Fáciles son de adivinar también las razones por las
que propugnaban la unidad de tiempo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Apoyados en su propia tradición y en la influencia de los
italianos, los franceses desarrollaron una decoración fastuosa, servida por
maquinarias, frente al teatro realmente austero que preconizaban los
preceptistas. Esta tramoya fue utilizada por la tragicomedia, y lo será por la
ópera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por su parte el vestuario, como en el teatro inglés,
constituye el elemento más colorista y ambientador de la representación, aunque
no se acomodara a la época histórica del argumento. Por lo general, solían ser
donados a los actores por grandes señores aficionados al teatro, como un signo
de protección y ayuda al mismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Con Richelieu, los actores empezaron a gozar de una
verdadera consideración, no sólo en lo económico, sino más aún, en cuanto a su
reputación moral puesta en tela de juicio, como anteriormente indicamos, por
distintos grupos moralizantes de signo religioso. Pascal, jansenista, dejó
escrito en sus Pensamientos:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Todas las grandes diversiones son peligrosas para la vida
cristiana; mas entre todas las que el mundo ha ingeniado, ninguna existe que
haya tanto que temer como la comedia.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">4. LA
TRAGEDIA FRANCESA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Nace la tragedia en Francia en el siglo XVI, a partir del
culto neoclásico que acabamos de citar. A la tragedia renacentista achacará
Racine su escasa materia, en la que domina lo lírico y lo elegiaco. Se trataba
de tragedias imitadas de Séneca, repartidas en cinco jornadas y versos
alejandrinos. Las dos más conocidas fueron Cleopatra cautiva (1553), de
Jodelle, y Las Judías (1583), de Garnier. A final de siglo se buscan temas más
actuales. Un ejemplo de ello es La Escoce¬sa, de Montchrestien, sobre la muerte
de María Estuardo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Se da por sentado que Racine representa la cumbre de la
tragedia clásica francesa. Advierte Truchet que, para llegar a esa cumbre, el
género tuvo que desprenderse progresivamente de las dos tentaciones a que
estaba cediendo con gran facilidad: la tentación poética y la tentación
novelesca. Después de Racine -final del siglo XVII y todo el XVIII- a la
tragedia francesa le asaltarán otras dos tentaciones que la privan de su
tradicional vigor: la ópera y la filosofía.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los mencionados excesos poéticos y novelescos consistían
en el abuso de escenas tendentes a lo lacrimógeno y en la insistencia sobre los
infortunios de los héroes, que exponen sus males en prolongados y patéticos
parlamentos, dejando al coro que se deshaga en lamentaciones sobre su fortuna.
Pero, en los comienzos del siglo XVII, ese exceso de poesía perdió terreno en
favor de la acción concentrada y de los enfrentamientos de los personajes.
Desaparecerán igualmente los coros que, para los renacentistas, constituían un
componente clave de la tragedia. Poco a poco se perderá el gusto por la
ordenación en estrofas -en particular las estancias (agrupaciones de versos,
variables en cuanto a número, que guardan una unidad temática).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por otro lado, no habría sido normal que, en un siglo en
el que reinaba la afición por lo novelesco, el teatro hubiese escapado a esta
influencia. Advirtamos que, como principales fuentes de inspiración, se cuenta
con el Orlando furioso de Ariosto, Los amores de Teagenes y Clariclea de
Heliodoro, Jerusalem liberada de Tasso, Las Metamorfosis de Ovidio, así como
las fogosas intrigas y relatos de los dramaturgos y narradores españoles.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Llegamos así a Pierre Corneille (1606-1684), que estudió
con los jesuitas de su ciudad natal, Ruán. Estas circunstancias no dejan de
tener su importancia. Ruán es la gran ciudad normanda por la que entran los
españoles, y con ellos su teatro, admirado tempranamente por el poeta francés.
A través de los jesuitas entró en contacto con los latinos Séneca, Lucano y
Tito Livio, que influirán decisivamente en su obra. Hay que señalar que los
jesuitas, contrariamente a lo que ocurre con los demás sectores relacionados
con la Iglesia, estimulan la práctica teatral como eficaz medio didáctico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Trasladado a París, Corneille destacó pronto como
comediógrafo, con títulos que aún hoy siguen representándose en el teatro
francés: Melita, La viuda, La galería del palacio y, sobre todo, La Plaza Real (1635).
Se dedicó después a la tragedia, aunque volvió en alguna ocasión a la comedia,
como sucede con La ilusión cómica (1636). Esta obra es, por su estructura,
lenguaje, forma y personajes, la más atrevida de todo este siglo XVII francés.
Su autor la calificaba de extraño monstruo. En realidad, se trata de una
comedia de corte novelesco, teñida de tonos trágicos, en la que personajes
burgueses alternan con un mago pastoral y un capitán de la commedia dell'arte.
Todo ello procura una mezcla de planos que van de la realidad a la pura
fantasía -poco imaginable dentro del teatro clásico francés-, que más bien
recuerda obras como Sueño de una noche de verano, de Shakespeare.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Su dominio del arte dramático hizo que fuera capaz de
crear buenas obras sometiéndose a la disciplina del clasicismo francés. Con
bastantes rupturas con respecto a su trayectoria creó El Cid (1636), inspirada
en Las mocedades del Cid de Guillén de Castro. El estreno de El Cid levantó en
París una de las mayores polémicas habidas en toda la historia del teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El héroe de Corneille es un apuesto joven y valeroso
guerrero, enamorado de la hija del Conde Gormaz, Jimena. Se produce un gran
cambio en la situación de los personajes, cuando el anciano don Diego, padre de
Rodrigo, es abofeteado por el impulsivo Gormaz. Dada la avanzada edad de don
Diego, su hijo ha de vengar la afrenta, y batirse en duelo con el padre de su
prometida, al que da muerte. Jimena debe librar en su interior una cruel
batalla entre el amor y la venganza. Implora limpiar su honra ante el rey
Fernando, pero Rodrigo, desesperado, ha marchado a la guerra contra los moros,
conquistando Valencia y Sevilla. Ante tales proezas, el rey busca una salida
para el perdón del Cid, proponiendo luchar contra Sancho, otro pretendiente de Jimena.
El vencedor se casará con ella. Rodrigo vence y consigue el perdón de todos y
el amor de Jimena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El estreno fue un éxito rotundo. Hubo que reponerla una y
más veces, pues se convirtió en la obra más aplaudida de París. Sin embargo,
los críticos partidarios de las reglas criticaron la obra. Scudéry atacó
despiadadamente a Corneille en sus Observaciones sobre El Cid. Por su lado, la
Academia, que tenía que demostrar que era una institución que servía para algo,
dictó su condena en Opiniones de la Academia sobre El Cid (1638). En realidad
le achacaron falta de verosimilitud, mezcla de planos y de tonos e
inobservancia de las reglas. Sobre esto último decían que era ridículo que en
el breve espacio de la representación el espectador asistiera a tantos lances:
que el Cid se marchara a la guerra, conquistara ciudades y regresara
triunfante. El propio Richelieu tuvo que mediar en este virulento debate. Estos
incidentes demuestran las tensiones y los sinsabores con que se gestó el drama
clásico francés. En cuanto a Corneille, abandonó el teatro durante más de tres
años, pero volvió a él con sus tragedias romanas: Horacio (1640), Cinna (1642),
La muerte de Pompeyo (1643), etc. Estos títulos no alejan a Corneille de la
problemática de su época. A través de las historias romanas, el autor opina
sobre la historia francesa. Un ejemplo: hace representar Cinna a raíz de la
muerte del conspirador Cinq-Mars, en septiembre de 1642; partiendo del tratado
De Clementia de Séneca, el relato de Cinna cuenta el perdón que el emperador
concede a este conspirador romano. ¿Ofrecía El Cid, por otra parte, una
invitación al entendimiento y colaboración entre la nobleza frondista y la
monarquía? Parece que los héroes de Corneille, frecuentemente mezclados en
asuntos de estado, nobles por ascendencia y rango han de serlo también en
temple moral, en todo su ser, en sus pasiones y aspiraciones a la gloria.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Por su lado, Jean Racine (1639-1699) mostrará que la
observancia más estricta de la doctrina clásica no es obstáculo para crear obras
maestras. Ello lo obligó a centrar la historia -desarrollo, procedencia y
desenlace- en el momento más trágico para los personajes. Se podrá objetar que
ese momento es resultado de una trayectoria anterior; así es, y Racine nunca lo
olvidó. Por ello se sirve de la presentación para hablarnos resumidamente de la
genealogía de sus protagonistas y del pasado que les ha conducido al presente
de la acción, intercalando a lo largo de la obra, de modo oportuno y eficaz,
aquellas otras informaciones necesarias para la comprensión de la misma.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Contrariamente a Corneille, Racine no relega a un segundo
plano pasiones como el amor, los celos o la venganza. Sus personajes avanzan,
en debate agónico, hacia la destrucción; a solas consigo mismos, como aislados
del mundo en el que, sin embargo, están inmersos, lo que supone una nueva
diferencia con Corneille.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Además de observar las reglas y el debate pasional,
Racine trabaja escrupulosamente la poesía del drama, llevando a su perfección
el alejandrino francés. Para él la palabra es el vehículo del drama. De ahí que
deba ser cuidada al máximo tanto en sus funciones comunicativas como en las
poéticas (belleza expresiva, musicalidad, magia evocadora, materia sonora...).
Todo lo que distraiga de la palabra es innecesario. Fuera de la palabra todo es
secundario. Por eso se justifican las dos grandes dificultades que nos presenta
ese teatro; la traducción a otros idiomas, algo poco menos que imposible, y la
interpretación, difícil, si no se es un gran actor en el manejo de dicha
palabra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Contrariamente a lo que podría pensarse, Racine alcanza
este nivel expresivo por vía de la austeridad y de la aparente sencillez. Su
teatro no tiene exigencias técnicas y su lengua tampoco es de una gran riqueza
léxica. Racine emplea en toda su obra poco más de dos mil términos, escaso
número comparado con los veinticuatro mil de Shakespeare. Y tampoco su obra fue
demasiado abundante: doce títulos, de los que es preciso destacar Andrómaca
(1666), Británico (1669), Berenice (1670) y Fedra (1677).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Fedra es un banco de pruebas común para calibrar a las
grandes actrices francesas. Racine toma la historia de Eurípides y Séneca.
Centra la acción en la pasión de Fedra, mujer de Teseo, por su hijastro
Hipólito. Fedra lo arrastra a la perdición, siendo ella también su propia
víctima. Entre otras muchas interpretaciones, se ha visto en este personaje a
la víctima jansenista, que lleva en sí la raíz del mal, la culpa original,
predestinada a la condenación y privada de la gracia que redime. Ante la violencia
de la pasión, Fedra se siente impotente y acaba odiando la vida y detestándose
a sí misma.<o:p></o:p></span></div>
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<br /></div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">5. LA COMEDIA
FRANCESA</span></b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hemos hablado antes de los géneros más en boga durante el
siglo XVI, la farsa y la comedia antigua, así como de la influencia del teatro
español e italiano. Las nueve comedias de Larivey están tomadas del repertorio
italiano, copiadas casi literalmente. La obra más conocida del citado Larivey,
Los espíritus, que influirá en El avaro y La escuela de los maridos de Moliére,
está íntegramente tomada de una obra de Lorenzo de Médicis. Se adapta también a
los autores españoles. Rotrou, Scarron, los hermanos Corneille y el propio
Moliére acusan estas influencias. El compilador Horn-Monval da una lista de más
de cincuenta comedias francesas, copiadas de las españolas, entre 1625 y 1680;
citemos, entre ellas, como casos más conocidos, El mentiroso de Corneille, a
partir de La verdad sospechosa de Alarcón, y el Don Juan de Moliére, adaptación
de El Buriador de Sevilla de Tirso.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Al margen de estas influencias, la comedia francesa,
siguiendo en la línea de las farsas, prosigue una conducta crítica, en
ocasiones realista-costumbrista. En La galería de palacio, Corneille pinta un
lugar bien conocido de París, que da título a la pieza, con sus puestos de
mercaderes, tiendas, y su ir y venir de compradores y ociosos. Moliére se
centrará en la crítica a los defectos de su época.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Jean-Baptiste Poquelin, Moliére (1622-1673), fue un gran
conocedor del teatro en todas sus facetas: como dramaturgo, empresario, actor,
ordenador o director, etc. Sabe los secretos de cualquier público, desde el
campesino de Provenza hasta el cortesano de Versalles. Antes de entrar en la
capital había recorrido todo el sur de Francia con su compañía de comediantes.
Sin duda todo ello le hizo dar con un humor universal y hasta intemporal, si
tenemos en cuenta el éxito de sus obras en nuestro siglo, en el que quizá sea
estadísticamente el dramaturgo más representado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La principal característica de su dramaturgia es la
maestría en manejar la caricatura y en saber actualizar todos los recursos de
la comedia antigua y de los modelos más recientes. Los directores actuales de
Moliére leen sus textos detenidamente con el fin de descubrir en ellos los
modos escénicos de su representación. Moliére, que era mucho más que un simple
autor de comedias, sentía horror por la fijación impresa de sus textos, ya que
en ellos no era fácil dilucidar el cometido del poeta, o del director y del
actor que los interpretaba. J. Schérer escribe: "Quienes lo vieron,
cuentan que corría, hacía reverencias, golpeaba, era golpeado, resoplaba.
Echaba espuma, hacía muecas, se contorsionaba, movía con furia todos los
burlescos resortes de su cuerpo, hacía temblar sus párpados y sus ojos
redondos..." Su propia escritura descubre los elementos cómicos y los tics
de la antigua farsa: disfraces, bofetadas, bastonazos, persecuciones,
repeticiones, letanías, entradas inoportunas, amenazas no advertidas por el
personaje al que se dirigen, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otro elemento importante es la propia lengua de los
personajes. Para Moliére, la palabra, en la comedia, está hecha para explicar y
hacer reír por sus contenidos y mensajes; pero también debe ser usada, en sus
aspectos formales, para caricaturizar, tipificar a los personajes y, por
supuesto, divertir. De ahí la abundancia en su obra de lenguajes y jergas
dialectales alternando con el francés más correcto o con el latín macarrónico.
También construye artificialmente lenguajes hipercultos para burlarse de forma
despiadada de las preciosas de su época (véase Las preciosas ridículas).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El propio dramaturgo confiesa que su risa procede de la
razón y de la naturaleza, lo cual a algunos puede parecer hoy en día una tesis
progresista, y a otros una tesis reaccionaria. A veces, cuando su público
andaba dividido en posturas encontradas -sobre todo en el periodo de 1660 a
1670-, Moliére parecía querer contentar a todos adoptando una postura
intermedia. Así, mientras en La escuela de las mujeres advertía que los padres no
deben dejar a sus hijos en la ignorancia, en Las mujeres sabias prevenía que
una instrucción excesiva podría apartar a la mujer de su verdadero papel social
y familiar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Los sectores criticados por las comedias de Moliére
mostraron su descontento, tal y como era de esperar. Con motivo del estreno del
Tartufo, aquel descontento subió de grado, por lo que tuvo que remodelar la
obra, obligado por las circunstancias. La primera versión, hoy perdida, de
1664, era una farsa en la que Tartufo aparecía con atuendos semieclesiásticos.
Pero los Cofrades del Santo Sacramento, sociedad secreta que se había propuesto
la reforma de las costumbres, se sintieron aludidos y consiguieron que el rey
retirara la obra. En 1667, Luis XIV autorizó una segunda versión dulcificada que,
en ausencia del monarca, fue de nuevo prohibida por la policía de París. Estas
censuras excitaron el ingenio de Moliére para ofrecernos la obra maestra que
hoy conocemos, de sutil y más general crítica, estrenada el 5 de febrero de
1669.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El hipócrita Tartufo, introducido en casa del señor Orgón
por la anciana madre de éste, mantendrá a uno y a otra en el engaño de su falsa
santidad. Los demás personajes advierten pronto su hipocresía: Damis y Mariana,
hijos de Orgón, su cuñado Cleante, su segunda y atractiva mujer, Elmira, y
hasta la criada Dorina. Mariana ama a Valerio y éste la corresponde, pero su
padre desea casarla con Tartufo. Damis, irritado, quiere intervenir, pero
acepta que sea su madrastra Elmira la que intente desenmascararlo. En efecto, convence
a Tartufo para que renuncie a Mariana, pero seduce a la propia Elmira. Damis,
que lo oye todo, avisa a su padre. Tartufo interpreta ante Orgón la comedia del
humillado calumniado. Orgón expulsa de su casa a su hijo, lo deshereda y deja
sus bienes a Tartufo. Así las cosas, Elmira debe echar mano a un viejo truco de
la farsa y de la commedia dell'arte, que es ocultar a su marido bajo la mesa
para que oiga los galanteos de Tartufo con su propia mujer. Naturalmente, Orgón
sale indignado de su escondite. Pero Tartufo pasa de su descubierta máscara de
hipócrita a las amenazas. Lleva a un alguacil a la casa para expulsar a Orgón y
a su familia por haber dado cobijo a un proscrito. Finalmente, Moliére utiliza
la carta del deus ex machina de los poetas antiguos que solucionaban lo que
parecía irreme¬diable. El dios es aquí el rey -como en los dramas españoles
que, conocedor de la ayuda que Orgón le prestó en la lucha contra los
frondistas y, por otro lado, de la calaña de Tartufo, manda apresar a éste y
anula sus órdenes. Naturalmente, todo acaba bien, como era de esperar,
elogiándose al rey al tiempo que se anuncia la boda entre Valerio y Mariana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">6. LA
TRAGICOMEDIA Y LA PASTORAL<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el siglo XVI la afición por lo novelesco condujo, de
modo natural, a la tragicomedia. La tragicomedia fue intensamente cultivada en
Francia hasta mitad del siglo XVII para declinar a partir de entonces. Como era
de esperar, fue atacada por los puristas por las razones ya conocidas: mezcla
de tonos e inobservancia de las reglas. Ante estas propuestas, algunos
dramaturgos quisieron demostrar que también eran capaces de escribir una buena
tragicomedia guardando los conocidos preceptos. Fue el caso, entre otros, de la
Clitandra de Corneille. Por lo demás, todos admitían que una tragicomedia debía
contar con estas bases:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">el argumento no debía ser histórico;</span><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">siempre debía acabar con final feliz;</span><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">debía tener un desarrollo complicado: disfraces, imprevistos, engaños...</span><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otro género apreciado a finales del XVI fue la pastoral.
Los franceses contaban con un precedente de calidad en el Juego de Robín y
Marión, de Adam de la Halle (citado en el capítulo IV). No obstante, con el
Renacimiento, los autores franceses pudieron igualmente documentarse en los
italianos (Tasso, Guarini) o en La Diana enamorada del español Montemayor. En
las pastorales asistimos a apariciones de magos y sátiros, en una intriga
poblada de peripecias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">(Del Arte poética de Boileau.)<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Que en todos los discursos, la pasión conmovida apunte al
corazón, lo inflame y lo remueva. Si de un hermoso impulso, el furor agradable
con frecuencia no invade de un terror deleitoso nuestra alma, o no excita
apacible piedad, en vano presentáis escenas de talento... El primer secreto sea
éste: deleitar, conmover. Inventad los resortes que a la obra nos aten.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-family: "Calibri",sans-serif; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 10.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Que el lugar de la escena sea fijo y bien marcado. Inmune
un rimador, de allende los Pirineos, encierra varios años en sólo una jornada.
Allí a menudo el héroe de un vulgar espectáculo, niño en el primer acto es ya
viejo en el último. Nosotros, que a sus reglas la razón nos obliga, queremos
que con arte la acción sea conducida; que en un lugar y un día un solo
acontecer hasta el final mantenga ocupado el teatro. Nunca al espectador
ofrezcáis lo increíble. La verdad puede a veces no ser lo verosímil.<o:p></o:p></span></i></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-21769168793276482122017-10-19T00:09:00.001-04:002017-10-19T00:09:47.028-04:00El teatro español del Siglo de Oro<div align="center" class="MsoTitle" style="text-align: center;">
<b><span style="background: white; font-size: 22.0pt; mso-bidi-font-size: 28.0pt;">El teatro español del Siglo de Oro</span></b><b><span lang="ES" style="font-size: 7.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 53.4pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">I. Siglo XVI, un camino hacia la
comedia española<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">1.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Panorama político y cultural de la
España del siglo XVI<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">2.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">."La Celestina"<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">3.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> La tendencia italianizante<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">4.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> La tendencia religiosa<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">5.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> La tendencia clasicista<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">6.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> La tendencia nacionalista<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">7.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> Cervantes, dramaturgo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<b><span lang="ES" style="line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">II. La representación teatral en
el siglo de oro español.<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">1.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Estructura del corral de comedias<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">2.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El espacio teatral cortesano<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">3.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Texto y representación<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">4.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Claves para la presentación de un texto
en el siglo de oro<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="margin-left: 71.4pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">5.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">el espectáculo<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> </span><b><span lang="ES" style="line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">III. La estética del auto sacramental<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"> <b>IV. Características generales de la comedia española<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"> <b>V. Los personajes de la comedia<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 35.4pt; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 10.0pt;"> <b>VI. Los grandes dramaturgos españoles del siglo de oro<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">1. PANORAMA POLÍTICO Y CULTURAL DE LA ESPAÑA DEL SIGLO XVI</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">1492 es una fecha altamente
significativa para la moderna política española. Por un lado, supuso la
unificación del Estado, ya que se conquistó la última ciudad del Califato
cordobés, Granada; por otro, el descubrimiento de América se produjo merced al
apoyo económico de la corona de Castilla.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Con la expulsión de los árabes,
los Reyes Católicos conseguían el primer esquema de poder central. Pese a que
la nobleza siguió defendiendo la autonomía de sus regiones, la excusa de
depender totalmente de la corona estaba servida.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">No obstante, ni Isabel y
Fernando, ni sus descendientes lograron establecer un absolutismo a la manera
inglesa o francesa, más por incapacidad política que por falta de deseos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Tampoco las condiciones objetivas
lo facilitaron, pues la mayor parte del siglo XVI fue gobernado no por dos
reyes, sino por dos emperadores (Carlos I y Felipe II), ya que el poder militar
consiguió que las posesiones españolas llegaran hasta los más alejados rincones
que pudieran imaginar. Eso les obligó a una desconocida política exterior que
resultó una sucesiva carrera de equívocos, aunque, mientras tanto, iba dejando
considerables fortunas a una nobleza que nunca dejó de tener vigencia en el
Estado, y al clero, otro de los estamentos beneficiados por dicha política.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Con los llamados Austrias menores
(Felipe III, Felipe IV y Carlos II), que reinan en España durante el siglo
XVII, <b>la decadencia se manifiesta en
toda su crudeza</b>, dejando paso a la curiosa contradicción de simular un
concepto de Estado mucho más organizado y moderno que sus predecesores, al
tiempo que se iba descomponiendo con la pérdida de cuanto las armas y la
intrepidez de los conquistadores habían conseguido años atrás.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En esa contradicción, los
intelectuales pueden encontrar materia suficiente para sus obras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Recordemos que el campesinado,
que ocupaba el mayor porcentaje de lo que se conocía por pueblo, había pactado
más con la corona que con la nobleza en la eterna lucha del reconocimiento
total de las autonomías.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">De ahí que su sumisión a los
reyes sea tan característica, como la falta de respuestas que éstos daban a sus
apetencias. Una aristocracia se fue conformando alrededor de la Corte, con
mayoría de nobles venidos a menos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En medio, ordenando y manteniendo
esa ideología, la Iglesia, que gozó de todos los privilegios imaginables,
justamente para que representara su papel con comodidad y propiedad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El teatro español, dadas estas
coordenadas, se desarrolla en el siglo XVI desde unos parámetros puramente
medievales hasta la consecución del modernísimo esquema de la comedia de
principios del siglo XVII.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">No hay más que comparar las
primitivas églogas de Juan del Enzina con las obras de la escuela valenciana
para comprobar dicho salto estructural.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El siglo XVI es, pues, un camino
hacia la obtención de la fórmula de la modernidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">No pasa como en Inglaterra, cuyo
periodo de gestación es relativamente breve.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las distintas etapas que tiene la
comedia española en ese siglo marcan la trayectoria paciente de un arte en
busca de su fijación. Y ésta llega no sólo cuando las condiciones externas son
propicias, sino con la aparición de los artistas capaces de catalizar el
proceso: <b>Lope de Vega, Tirso de Molina,
Calderón de la Barca, Rojas Zorilla </b>y un largo etcétera, que no son
productos de la casualidad, sino ejecutores geniales del momento teatral que
habrá conquistado la escena española.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Y su dramaturgia, aquella que
habla de reyes justicieros, nobles malditos, campesinos humildes pero
orgullosos, santos constantes y, sobre todo, jóvenes hidalgos con superficiales
problemas amorosos; justamente lo que un nuevo público pedía ver magnificado,
aquello que su conciencia de clase le había enseñado o lo que sus apetencias
eróticas pequeño-burguesas le habían sugerido.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La historia del teatro español
del Siglo de Oro es <b>el paso de un
divertimento artístico propio de las clases altas a un medio en donde el
espectador popular se daba cita con el culto</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">2. "LA CELESTINA"<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En el siglo XVI en España se
registran una serie de dramaturgias que aparecen unas veces diferenciadas,
otras solapadas, nunca (hasta final de siglo) integradas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Se trata de una dramaturgia
religiosa, una clasicista, una italianizante y una nacionalista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El primer gran monumento de la
escena española, referencia obligada de todo el teatro amoroso posterior, es La
Celestina, llamada inicialmente Tragicomedia de Calisto y Melibea.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sin embargo, no es propiamente
una obra dramática, pues su longitud impidió la representación en su época.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sólo muy tardíamente, adaptada y
recortada, ha sido vista en los escenarios.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La primera edición, de 1499,
tenía dieciséis actos, que se convirtieron en veintiuno en 1502 y veintidós en
1526, medida impropia para el teatro, aunque hay que tener en cuenta que el
esquema dramático tiene mucho de medieval.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La suma de cuadros o escenas
remite a modelos entonces posibles, aunque más en vertientes religiosas que
profanas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La Celestina, en cambio, es la
respuesta española al Renacimiento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pese a su lejana referencia
petrarquista, el converso toledano que la escribió, <b>Fernando de Rojas</b>, supo introducir todos los elementos posibles de
españolidad, mezclados con un nuevo erotismo que nada tiene que ver con la Edad
Media, un desenfrenado deseo de placer, junto a ambiguas notas antirreligiosas,
como el famoso pasaje en que el amante dice: "Melibea es mi señora,
Melibea es mi Dios, Melibea es mi vida; yo su cautivo, yo su siervo" (acto
XI).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pese a no conocerse en los
escenarios, sí lo fue, y mucho, entre los dramaturgos del siglo, que no dudaron
en dejarse influir por el profundo espíritu realista que late en sus páginas.
Los hombres y mujeres que aparecen, sean señores o rufianes, prostitutas o
criados, son de verdad;<b> hablan como la
gente de la calle</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">De ahí que Juan del Enzina o
Torres Naharro dejaran sentir de forma evidente su lectura de La Celestina o,
un siglo después, Lope de Vega repitiera el esquema estructural en El caballero
de Olmedo (1620?).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Con todo, la obra de Fernando de
Rojas tiene de teatral todo menos su dramaticidad. Es decir, es un excelente
material para una obra de teatro sin hacer. Y que, además, no se puede hacer.
Lo que posteriormente se ha realizado son adaptaciones, refundiciones de manos
más o menos diestras sobre el texto de Rojas, que nunca podrá reflejar la
entidad total del original. Es como representar Don Quijote.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">3. LA TENDENCIA ITALIANIZANTE<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El dramaturgo y músico <b>Juan del Enzina</b> (1469-1534) fue modelo
de hombre del Renacimiento, mitad poeta, mitad músico que, con la edad, se
entrega a la vida religiosa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">También puede ser considerado
como el primer director de escena del teatro español, pues a su oficio de autor
unió el de organizador de espectáculos cortesanos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sus églogas, religiosas o
profanas, o con mezcla de ambas tendencias, son ejemplo de dramaturgia
inmadura, aunque llena de elementos expresivos de primer orden; por ejemplo,
musicales y folclóricos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Más conocido por obras
pastoriles, dedicó su atención a temas populares, como el tradicional debate
entre Carnaval y Cuaresma en la égloga Juegos de Carnaval, o a la vida aldeana,
en la de Los Aguaceros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Como director de escena, Enzina
preparó varias representaciones en la Casa de los Alba, antes de viajar a Roma
por primera vez, probablemente en 1500. En 1513 hace, en casa del Cardenal
Arborea, su Égloga de Plácida y Victoriano, presentada como comedia, término
que habría utilizado Ariosto en La Cassaria, en 1508, aunque verdaderamente sea
una drama pastoril.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El salmantino actúa en una sala
de palacio como espacio escénico, fenómeno común en el teatro de principios del
siglo XVI; lleva a cabo la representación tal y como lo había visto él mismo en
la puesta en escena de Manaechmi, en el Vaticano, en 1502.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Trabaja con <b>decorado fijo:</b> dos cabañas hacen de casa de Suplicio y Fulgencia,
estando la primera frente al público y la segunda en un lateral con ventana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">También hay una roca con
manantial, que es la fuente en donde se suicida Plácida, y unos arbustos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Lo que no impide que se escapen
significativas alusiones, como por ejemplo, las siguientes: "Me vengo acá
por palacio" o "Palacios de mi consuelo", pese al medio escénico
urbano, propio de la escena satírica vitruviana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Se trata de una escenotecnia
somera, pero importante; está en la línea de los usos del momento, sin cambios
de decorado. No obstante, utiliza maquinaria con la aparición de Mercurio:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <i> Ven, Mercurio, hermano mío;<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> ruégote que acá desciendas.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Dicha maquinaria es una <b>gloria</b> que, junto al <b>plano inclinado</b> que forma la roca,
procede del teatro medieval. El que en escena estén juntos y fijos los cuatro
elementos escenotécnicos -cabaña 1 y 2, bosque y roca-, pero sin configurar una
unidad que sería, por ejemplo, la calle, vuelve a acentuar el carácter
bajomedieval de esta dramaturgia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La trayectoria de Juan del Enzina
explica el paso de un teatro de corte medieval a otro plenamente renacentista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En autores contemporáneos, como <b>Bartolomé de Torres Naharro</b> (?-1530),
la primera tendencia ya no se da, pues su vida en Italia, sus estrenos y la
posterior edición napolitana de sus obras, Propalladia (1517), hacen que
parezca un poeta italiano más que un autor español, de no ser porque la lengua
en que se expresa es el castellano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pero el contacto con la cultura
humanística hace que sus temas se aproximen a la Italia del XVI.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sus obras "a noticia"
dan cuenta de lo que veía en su quehacer diario (Soldadesca y Tinellaria); y
las "a fantasía", no ocultan saludables influencias del medio.
Calamita, por ejemplo, es un trasunto de I suppositi, de Ariosto, aunque otras,
como Himeneo, tienen sus referencias esenciales en La Celestina. Himenea, como
Serafina y Aquilana, inician tímidamente la comedia de honor e intriga.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Torres Naharro representó la
mayoría de sus obras cuando se hallaba al servicio de Julio de Médicis.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En 1513 pone en escena Soldadesca
en un banquete de corte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Después de esto entra al servicio
del cardenal de Santa Cruz. Representa Jacinta a finales de 1514 o principios
del año siguiente, en Roma, ante Isabela d'Este. De esta época es el estreno de
Trofea, ante León X, en el castillo de Sant'Angelo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El prólogo o proemio de la
Propalladia constituye un auténtico ejemplo de preceptiva teatral en donde
Torres Naharro da las primeras claves de la teoría escénica española, al
definir la comedia como <b>"artificio
ingenioso de notables y finalmente alegres acontecimientos, por personas
representados"</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Influido por Boccaccio, llama a
las partes "jornadas", como las jornadas del Decamerón, y las cifra
en cinco, siguiendo los episodios clásicos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Conserva una especie de prólogo,
que llama introito, y da una serie de trazos sobre la psicología de los
personajes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Indica que éstos no deben pasar
de doce por comedia, tampoco tiene que haber tantos en escena como para causar
confusión ni tan pocos que "sea la fiesta sorda".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Quizá coincidiera con Enzina como
espectador de la representación de La Calandria, que tanta influencia ejerció
en sus dramaturgias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Con Soldadesca había intentado
seguir la escena cómica de Vitruvio, con escenario único de vista parcial de
plaza romana, ya que aún no había conocido la escena en relieve presentada en
Roma un año después, 1514, con la reposición de La Calandria, que se había
estrenado en Urbino, en 1513.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Tampoco Torres Naharro, como
posteriormente Lope de Rueda, utilizará máquinas, ya que, por un lado, actúa
con <b>escenario fijo</b>, y, por otro, sus
salas carecen de la versatilidad que tendrán los corrales, momento en que la
escenotecnia dará un paso decisivo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Lope de Rueda</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1510-1565), por otro lado, influido también por la
escena italiana, sirve de puente hacia la comedia española: el sevillano, mucho
más hombre de teatro que de letras, pues su vida fue un continuo deambular por
pueblos y ciudades españolas, siendo empresario y actor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Quizá la vocación de Rueda se
despertase al ver actuar en el Corpus sevillano al italiano Muzio, en 1538, en
cuya compañía puede ser que se enrolara.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las primeras noticias de sus
quehaceres escénicos lo ponen al frente de un elenco que nunca llegó a tener
más de seis miembros fijos, más bien menos, lo que no fue obstáculo para
representar ante grandes personalidades o inaugurar catedrales. Cervantes lo
conoció como autor "con la mayor excelencia y propiedad que pudiera
imaginarse", y Lope de Vega lo tuvo como introductor de la comedia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Agustín de Rojas, otro curioso
hombre de teatro que dejó escrito un famoso libro, El viaje entretenido (1603),
obra miscelánea que ofrece una realista visión del mundo de la farándula de
aquella época, cita así a Rueda:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> Empezó a poner la Farsa<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> en buen uso y orden buena.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> Porque la repartió en Actos,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> haciendo
Introito en ella,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> que agora llamamos loa:<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> y declaraban lo que eran,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> las marañas, los amores.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La fama de Lope de Rueda en su
momento se debió, principalmente, a las églogas pastoriles. En cambio, sus
cuatro comedias en prosa conocidas son el mejor eslabón entre la vieja
dramática medieval y el teatro nacional a punto de surgir.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En éstas es donde mejor se
advierte el legado italiano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Eufemia, Armelina, Los engañados
y Medora no ocultan sus antepasados plautinos o terencianos, influidos por las
novedades que Bibbiena o Cecchi habían introducido, conocidas por Rueda gracias
a Piccolomini, que había venido a España contratado por Antonio Pérez para
instruir fiestas escénicas castellanas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pero el mérito mayor que se le
atribuye a Rueda en la posteridad es haber introducido una especie de
intermedios, no sólo entre actos, sino entre escenas de la propia comedia, que
llamó Pasos, término más o menos equivalente a entremés.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <i> Y entre los pasos de veras<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> mezclados otros de risa:<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> que porque iban entremedias<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> de la farsa, los llamaron<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> entremeses de comedia.</span></i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Rueda debió inventarse un buen
número de pasos, de los que sólo nos han llegado veinticuatro, diez independientes
y catorce entre escenas de sus propias comedias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En ellos, además de configurar
una galería de personajes populares que fueran descanso y divertimento entre
los lances de la comedia, se manifiestan interesantes aportes a la
interpretación del momento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">De los personajes sobresale el de
bobo o simple, sin precedentes en la comedia italiana, posible derivación del
rústico pastor de las églogas, aunque con personalidad propia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El resto de tipos tiene filiación
realista, proceden de la vida diaria, aunque de su más baja extracción: criado,
rufián, marido engañado, vizcaíno, negra, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Aunque este teatro carezca casi
por completo de acotaciones, pueden delimitarse pasajes en donde el arte del
actor está muy por encima del texto escrito. Son escenitas equivalentes a los
lazzi de la commedia dell'arte, transformados por obra y gracia de Rueda en
materiales de uso actoral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Entre los pasos más conocidos
podemos citar Las aceitunas, Pagar o no pagar, Cornudo y contento, La carátula
y La generosa paliza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sus esquemas dramáticos son
mínimos; veamos el de La generosa paliza.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Dalagón,
amo severo pero olvidadizo, cree que uno de sus criados se ha comido una libra
de turrones de Alicante que estaban encima del escritorio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pancorvo,
el primer criado interrogado, que es, a la vez, el simple, recibe su
correspondiente paliza, pero señala la posibilidad de otro culpable:
Periquillo, Guillermillo o Gasconillo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Ninguno
de ellos lo hizo, y el último recuerda que el propio amo guardó los turrones
dentro del escritorio, lo cual irrita a los lacayos que terminan apaleando a
Dalagon.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La escena ruediana no transporta
la acción al entorno urbano en donde se desarrolla. Así, la Módena de Los
engañados son los alrededores de la catedral sevillana, en donde se representa en
1543. Cuando lo hace en palacios, de nuevo la palabra transforma la sala en el
medio urbano exigido en el texto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Seguimos ante la escena
vitruviana, con tres edificios, con casa de Gerardo a la izquierda, casa de
Verginio a la derecha, y mesón de Frula en el centro. Es un breve pero
significativo esquema, propicio para poder actuar en cualquier sitio -palacio o
patio-, en donde las quizá exageradas palabras de Cervantes tengan cabida:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En el tiempo de este célebre
español todos los aparatos de un autor de comedias se encerraban en un costal y
se cifraban en cuatro pellicos blancos guarnecidos de guadamecí dorado y en
cuatro barbas y cabelleras y cuatro cayados, poco más o menos... No había en
aquel tiempo ni tramoyas ni desafíos de moros y cristianos, a pie ni a caballo.
No había figura que saliese o pareciese salir del centro de la tierra por el
hueco del teatro... ni menos bajaban del cielo nubes con ángeles o almas. El
adorno del teatro era una manta vieja tirada por dos cordeles de una parte a
otra, que hacía lo que llaman vestuario, detrás del cual estaban los músicos,
cantando sin guitarra algún romance antiguo...<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">4. LA TENDENCIA RELIGIOSA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El <b>teatro religioso en España tiene un inusitado esplendor en el siglo
XVI, curiosamente cuando la mayoría de los países europeos lo iban perdiendo.<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Tanto para Carlos V como para su
hijo Felipe II, nada dados a los gustos de la escena, potenciar las fiestas
religiosas locales con amplios y vistosos cortejos que rodean representaciones
piadosas, era <b>fortalecer su maridaje con
la Iglesia</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Ambos emperadores identificaron
el desarrollo político y geográfico de Castilla con la lucha contra el hereje.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En la división que produjo el
cisma de Lutero, no dudaron en ponerse junto a Roma (la Iglesia), utilizando no
pocas veces la defensa de la fe como estandarte de sus conquistas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Si a ello unimos que el oro de
América -no la ayuda de la burguesía- facilitaba la equiparación de los
ejércitos, comprenderemos la intencionada soledad de los monarcas, apoyados
sólo por parte de la nobleza, y necesitados del señuelo doctrinal de la
religión. También se explica así el desprecio de esos Austrias mayores por la
intelectualidad, y la ausencia de humanistas de la Corte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En 1534, una pragmática de Carlos
V y su madre doña Juana, define a las claras el gusto del emperador por la
escena. A continuación hay un ejemplo de su rotundo carácter coercitivo:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 71.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 71.25pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Mandamos que lo que cerca de los trajes
está prohibido y mandado por las leyes de este título, se entiende asimismo con
los comediantes, hombres y mujeres, músicos y las demás personas que asistan en
las comedias para cantar y tañer, las cuales incurren en las mismas penas que
cerca de todo esto están impuestas.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Se cuenta del emperador que su
interés por el teatro sólo se vio manifiesto cerca de su muerte, cuando
solicitó ser protagonista de su propio entierro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En el Monasterio de Yuste, donde
ya se había recluido tras una larga y aventurera vida, pidió a los monjes que
se ensayara su funeral. Lo metieron en un ataúd y, entre cánticos, frailes y
cirios, fue llevado en procesión hasta el templo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Allí, acostado en su féretro, y
con los ojos bien abiertos, vio la puesta en escena de su muerte. Si para
entonces esto suponía la escenificación de una tragedia, pero sin derramamiento
de sangre, para la historia queda como farsa grotesca.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">A través de ciertas pragmáticas y
del Concilio de Aranda (1473) se intentó ordenar una incipiente vida teatral en
donde la mezcla de elementos religiosos y profanos se mantenía.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pero hasta el Concilio de Toledo (1565-1566)
no se prohibe taxativamente la fiesta de los Inocentes, la interrumpción de los
oficios divinos con diversiones y la representación dentro de las iglesias,
obligando a los obispos a ejercer de censores de las obras religiosas que
fueren a ponerse en escena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">También dejó de permitirse la
actuación de los clérigos y "vestirse de máscara". Todo lo cual nos
habla de una intensa actividad teatral y religiosa en la primera mitad del
siglo XVI, que fue debilitándose a causa de las prohibiciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Estas provocaron que
desaparecieran textos sin imprimir, dado el celo que los cabildos debieron
poner en las admoniciones conciliares.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Gracias a un códice que se
conserva en la Biblioteca Nacional tenemos algunas respuestas a tan silenciado
periodo. El Códice de Autos Viejos es una colección de noventa y seis obras, la
gran mayoría anónimas y en verso, casi todas de la primera mitad del siglo XVI,
aunque algunas podrían ser más tardías.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Tienen apariencia de "farsas
a lo divino", de reminiscencia medieval, en donde están mezclados
elementos religiosos con otros profanos, según era el gusto de la época.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Hay textos calificados como
autos, pero también farsas, coloquios, incluso el Entremés de las esteras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Todos van con autorización para
representarse, lo que confirman muchas loas que anteceden a las piezas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las fuentes son el antiguo y
nuevo Testamento, así como leyendas hagiográficas. Entre los títulos más
significativos, la inmensa mayoría anónimos, podemos destacar el Auto del
pecado de Adán, el Auto de Cain y Abel, del maestro valenciano Jaime Ferruz, el
Auto del Hijo pródigo, el Auto de la huida a Egipto y el Auto de Santa Elena,
entre los de temática religiosa.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Como excepción con motivo
histórico señalemos el Auto de los triunfos de Petrarca. Para Ruiz Ramón, el
Códice cumple la esencial tarea de "adiestrar al público para captar la
superposición de lo temporal y lo eterno en la vida humana, sin lo cual no se
entendería la existencia del público del teatro religioso del Siglo de Oro,
concretamente del de los autos sacramentales".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Otros dramaturgos de este periodo
que escriben teatro religioso son;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Diego Sánchez de Badajoz, que
mezcla la base religiosa con una clara intención satírica, en la Farsa
teologal, Farsa militar, Farsa de Isaac y Farsa de Tamar;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Micael de Carvajal, autor de un
extenso Auto de las Cortes de la Muerte, terminado por Luis Hurtado de Toledo,
espectacular retablo en donde no falta un auto de fe para quemar al mismísimo
Lutero;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Juan de Pedraza, Sebastian de
Orozco, Hernan López de Yanguas y Vasco Díaz Tango de Frenegal. Ninguno alcanza
la categoría y fuerza poética que había conseguido el citado Gil Vicente, que,
junto a un ingenuo teatro profano, alcanzó los mejores momentos de la escena
religiosa castellana, con la famosa Trilogía de las Barcas (1516-1519).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La Farsa de Tamar, de Sánchez de
Badajoz, se puso en escena en una sala en el alcázar de la capital extremeña,
aunque el lugar de representación habitual para el autor era la catedral.
Utiliza el pabellón medieval para escenificar interiores de casas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En la Farsa de Santa Bárbara
dice: "aquí se descubre el Cristo y Santa Bárbara y el Angel que estaban
cubiertos con el pabellón y Abraham a la puerta, sentado en una silla". <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sánchez de Badajoz utiliza
también pirotecnia, como elemento teatral, para simular fuego en la Farsa
Racional del Libre Albedrío, o rayos, truenos y relámpagos en otras obras. Sin
embargo, la maquinaria todavía no será usada por el extremeño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las fiestas sacramentales,
precedentes sin duda de los autos sacramentales, sí irán aportando los mejores
y mayores efectos escenotécnicos. Además de la gloria, el torno abre paraísos
("en su centro una rueda que, comunicando impulso a toda la armazón,
mostraba sucesivamente al pueblo los personajes que la guarnecían"), maquinarias
que pasarán enseguida al corral y a los espacios cortesanos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sin embargo, el peligro de
confundir el carácter religioso de las obras anteriormente mencionadas con la
abundancia de elementos que las aderezaban, hizo descender el ejercicio de esta
dramaturgia. Las prohibiciones, el resto. Los ambiguos autos quedaron reducidos
a pequeños diálogos en las iglesias, con canciones interpretadas por
sacristanes y acólitos, sobre todo en la fiesta de Navidad. Los profetas,
apóstoles y mártires dejaron sitio a ángeles y pastores, pues los actores eran
fundamentalmente niños. Estamos en el origen del villancico que, en este
momento, no era sólo canción, sino representación, danza, música y pequeña
tramoya.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La disminución de esta tendencia,
o, mejor dicho, la localización del teatro religioso en fiestas muy concretas,
facilitó el desarrollo de los espacios escénicos profesionales, en donde
aquella temática nunca desaparecería, en justa recompensa a la labor de fomento
del arte teatral durante siglos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">5. LA TENDENCIA CLASICISTA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La primera mitad del siglo XVI
vive, asimismo, un cierto desarrollo de la tragedia clásica a través del
espíritu humanista que llega de Italia. Su marco de acción es propio de
universidades y conventos, por lo que su campo es muy reducido. Era un teatro
con un público minoritario, escaso, ya que incluso la lengua dramática en
principio no era el castellano. El texto latino Saul Furens, original del padre
toledano Dionisio Vázquez, fue escenificado hacia mitad del siglo en el palacio
del obispo de Plasencia, "con extraordinario aparato".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los primeros autores trágicos
españoles, el citado Tanco de Frenegal, Alejo Venegas, Pedro Simón Abril,
Sánchez de las Brozas, Esteban Manuel de Villegas, Juan de Mal Lara y el propio
Boscán, no se limitaron a traducir los modelos grecolatinos. Suprimieron y
adaptaron escenas completas, no tuvieron en cuenta la métrica original, pese a
que no dieron con la fórmula que cristalizase el género como algo tangible e
imperecedero.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Su técnica fue más bien la
acumulación de horrores, extremados en su final, junto con la periódica
aparición de monólogos, en donde personaje y autor explicaban los límites
morales de la acción. Estamos ante un rotundo ejemplo de antiteatralidad.
Tampoco la llamada "generación de los trágicos", bien avanzado el
siglo, consiguió poco más que "haber enriquecido la escena española con
temas y formas dramáticas no tratadas", en opinión de Alfredo
Hermenegildo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La Tragedia de San Hermenegildo,
de autor anónimo, representada en 1580 para inaugurar la nueva sede de los
jesuitas en Sevilla, es quizá el ejemplo más rotundo del género. Con sus cinco
actos y amplísimo reparto -más de treinta personajes-, está escrita en su mayor
parte en castellano, aunque con métrica latina e italiana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Diez años antes se había
representado un texto de igual título, debido al catedrático Mal Lara. La
puesta en escena de 1580 se realizó en un amplísimo escenario (de casi 120
metros cuadrados) con lugares de acción simultáneos: un único decorado de la
ciudad de Sevilla, con puerta, muro ("hermoso lienzo de un muro con
almenas") y dos torres ("de las cuales la que estaba a mano izquierda
sirvió de cárcel a San Hermenegildo, y la que estaba a mano derecha sirvió de
castillo de los entretenimientos") <b>escenografía
simultánea</b> con espacios individualizados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Estas representaciones, y otras
de parecido énfasis, rompen un tanto el tópico de que el teatro humanista
español no se escribió para ser representado. Se conservan muy escasas muestras
de bastantes de aquellos autores: de Fernán Pérez de Oliva, La venganza de
Agamenón y Hécuba triste, de Lupercio Leonardo de Argensola, Alejandría e
Isabela, aunque éste último dejó pronto de escribir para el teatro, ya que la
escena española había alcanzado su mayoría de edad con Lope de Vega, de cuya
producción se muestra contrario. Junto a ambos autores, Jerónimo Bermúdez,
Andrés Rey de Artieda, Cristóbal de Virués y Gabriel Lobo Lasso de la Vega
hicieron tragedias clasiscistas. De ellos, los valencianos Rey de Artieda y
Virués fueron los más apreciados de su tiempo. Vivieron dentro de una escuela
que, junto al canónigo Tárrega, el impresor Timoneda y Ricardo de Turia,
facilitaron la condensación de la comedia española en Lope de Vega.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El citado Timoneda, como buen
humanista tardío, mezcla la Tragicomedia llamada Filomena, de materia clásica,
con comedias y pasos en su obra miscelánea La Turiana. El valenciano, que unía
a su condición de editor la de organizador de espectáculos, cultivó también la
comedia italianizante y la religiosa, éstas últimas publicadas en sus Ternarios
Sacramentales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">6. LA TENDENCIA NACIONALISTA: HACIA UNA COMEDIA GENUINAMENTE ESPAÑOLA<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En la década de 1580, la escena
española estaba dispuesta para la configuración de la comedia como género total
y emblemático de un estilo de vida y de arte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">A la adaptación de la fórmula
italiana, pasada por una evolución cierta del teatro religioso, faltaba el
toque nacional, autóctono, que la animase.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Un grupo de autores sevillanos,
encabezados por Juan de Mal Lara, en donde figuraban Gutierre de Cetina, Cózar,
Fuentes, Ortín, Mejía y Juan de la Cueva, insistieron en utilizar la historia
nacional, con el Romancero al frente, como materia dramática. Dichos temas, y
sus protagonistas -reyes heroicos- pasaron a las comedias, interesante innovación
por cuanto hasta el momento estaban reservados a las tragedias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sólo Rey de Artieda había llevado
a la escena leyendas españolas, como la de los amantes de Teruel.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El grupo sevillano contó con un
formidable medio escénico, pues la ciudad tuvo corrales suficientes en donde
ensayar tales innovaciones. De 1579 a 1581, Cueva estrenó hasta catorce
comedias en el Corral de las Atarazanas y en el de Doña Elvira. Anterior a
ellos quizá sea el Corral de don Juan.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Precisamente Juan de la Cueva es
el más conocido dramaturgo de este grupo, por haber publicado en 1583 la
Primera Parte de las Comediasy Tragedias. En 1595 pidió licencia para la
Segunda, pero no se tiene noticia de que llevara a cabo la impresión.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En obras como El saco de Roma,
Los siete infantes de Lara, La muerte del rey don Sancho y La libertad de
España por Bernardo del Carpio encontramos su preferencia por el tema
histórico. También compuso uno de los primeros antecedentes del personaje de
don Juan: Leucino, el protagonista de El infamador. Pero además, Cueva es autor
del "Exemplar poético", escrito en 1606, preceptiva que tiene como
modelo la Epístola a los Pisones horaciana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En aquél hallamos junto a algunas
invenciones de dudosa atribución -como pasar de cinco a cuatro actos-, una
definición de comedia ("poema activo, risueño y hecho para dar
contento"), describiendo a continuación las cualidades de las que debe
gozar: argumento original, caracterización tradicional de los personajes, no
mezclar las veras con los donaires y guardar el decoro en el personaje.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">No obstante, sus obras violan de
continuo las unidades de lugar y tiempo. Manifiesta además que las comedias
españolas se apartaron de las reglas clásicas al mezclar reyes con plebeyos, y
hace una condena expresa de las antiguas, considerándolas "cansadas".
Mención aparte dedica a la tragedia, para la que reclama "alteza épica y
dulzura lírica" y que se funda en hechos históricos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">7. CERVANTES, DRAMATURGO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El ejemplo de Miguel de Cervantes
(1547-1616) es el más significativo de cara a la configuración de la comedia
española. Como buen escritor, tentó la escena y sus éxitos, aunque sólo por sus
narraciones fue celebrado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Un año antes de su muerte, en las
Ocho comedias y ocho entremeses jamás representados, deja parte de su legado. Sólo
otras comedias conservadas, de la treintena que compuso, son prueba de que no
sería demasiado solicitado por los autores de compañías, aunque él se
vanagloria de no sufrir "ofrenda de pepinos ni de otra cosa
arrojadiza".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En el famoso prólogo de la citada
edición confiesa haber dejado "la pluma y las comedias, y entró luego el
monstruo de la naturaleza, el gran Lope de Vega, y alzóse con la monarquía
cómica".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En la Adjunta al Parnaso aporta
nuevos datos a su condición de autor:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> -Y
vuestra merced, señor Cervantes -dijo él- ¿ha sido aficionado a la carátula?
¿Ha compuesto alguna comedia? Si -dije yo-, muchas; y a no ser más, me
parecieron dignas de alabanza, como lo fueron Los tratos de Argel, La Numancia,
La gran Turquesa, La batalla naval, La Jerusalén, La Amaranto o la del mayo, El
bosque amoroso, La única y La bizarra Arsinda, y otras muchas de que no me
acuerdo. Mas la que yo más estimo y de la que más me precio fue y es de una
llamada La confusa, la cual, con paz sea dicho de cuantas comedias de capa y
espada hasta hoy se han representado, bien puede tener lugar señalado por buena
entre las mejores.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Hay citas suficientes para
reconocer la afición del creador del Quijote al teatro, de sus aportaciones y
limitaciones. Entre las primeras sobresale, quizá con cierta arrogancia, la
reducción que se atribuye de cinco a tres jornadas, como medida de las
comedias, y "ser el primero que representase las imaginaciones y los
pensamientos escondidos del alma, sacando figuras morales al teatro".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">De las limitaciones quedémonos
con el desencanto con que Cervantes tuvo que abdicar de su concepción estética
inicial, próxima en cierto modo a la de Cueva, tal y como lo expresa al
principio de la Jornada II de El rufián dichoso, cuando la Curiosidad y la
Comedia dialogan entre sí.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Cervantes vive justamente el
momento de cambio en la comedia española. Diríamos que en los cinco años de su
cautiverio (1577-1581) se cuecen tales innovaciones. De regreso, creyó mantener
sus primeros y clásicos criterios. Pero se le había escapado un tren de
actualidad que nunca pudo recuperar. De ahí que sus citas parezcan un cúmulo de
contradicciones. No lo son. Simplemente, constataciones de una realidad
cambiante.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En el cerco de Numancia, obra que
representó en los corrales madrileños, de 1584 a 1587, hace gala de buen
conocimiento escenotécnico, según indica en sus acotaciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Usa alternativamente la zona de
las apariencias ("hócese ruido debajo del tablado con barril lleno de
piedras, y dispárese un cohete volador") y del escotillón ("sale por
el hueco del tablado un Demonio hasta el medio cuerpo, y ha de arrebatarle el
carnero y volverse a disparar el fuego y todos los artificios"), así como
la peña ("Escipión se sube sobre una peña que estará allí"), tramoyas
que matizan los recursos de los primeros teatros, y de los que se explicará
cumplidamente más adelante<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Mención especial merecen los
entremeses de Cervantes, de los que sólo de ocho se asegura la autoría, pues
del resto sólo queda una dudosa atribución. Los ocho editados en 1615 bastan
para colocar el género en el punto más alto de su trayectoria, pues ordena con
absoluta precisión conocidos temas populares.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La relación entre contenidos,
estructura dramática y tiempo de duración, es sencillamente perfecta.
Recordemos sus títulos: El juez de los divorcios, El rufián viudo, La elección
de los alcaldes de Daganzo, La guarda cuidadosa, El vizcaíno fingido, El
retablo de las maravillas, La Cueva de Salamanca y El viejo celoso.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="mso-pagination: none; text-align: center;">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="mso-pagination: none; text-align: center;">
<b><span lang="ES" style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 10.0pt;">II. LA
REPRESENTACIÓN TEATRAL EN EL SIGLO DE ORO ESPAÑOL<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">A punto de crearse la comedia
española en toda su extensión, es necesario conocer el medio técnico en donde
se produce, para así comprender cuáles son los débitos de la teoría a la
práctica y de ésta a aquélla.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Hasta 1575 la afición por el
teatro en España no está del todo fijada. Había locales (corrales de comedias)
desde las siguientes fechas: 1520 (Málaga), 1526 (Valencia), 1550 (Sevilla) y
1554 (Valladolid). En 1568 Madrid tenía cinco: dos en la calle del Príncipe
(Burguillos y el de la Pacheca), uno en la del Sol, otro en la del Lobo y el de
la calle de la Cruz.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las primeras cofradías o
Hermandades son los más directos precedentes del empresario teatral moderno.
Tomaban algún patio en alquiler y creaban una auténtica estructura escénica, de
la que salían beneficiados el concejo, los actos de caridad que mantenían
dichas cofradías y el propio teatro a través de sus profesionales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La nueva concepción del arte
escénico surge precisamente cuando deja de ser un hecho restringido para
convertirse en un producto competitivo, que se mueve en el vaivén de la oferta
y la demanda.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">1. ESTRUCTURA DEL CORRAL DE COMEDIAS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En los corrales de comedias se
desarrolla el género teatral del llamado Siglo de Oro. Eran unos espacios
abiertos, cuyos orígenes estaban en los patios interiores de casas u hospitales
y cuya función inicial era ser simple corral. Estamos hablando de espacios
estables, en donde no cabía la habitual operación de montar y desmontar sus
elementos constituyentes: tablas, fondos, accesos, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En algunas ciudades los corrales
estuvieron en los interiores de las casas, por lo que también se llamaron casas
de comedias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El hecho de ser patio o corral
interior hacía que el principio de la representación fuera a primeras horas de
la tarde, dependiendo de si era verano o invierno, según el tiempo que tardara
el sol en ponerse.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">No obstante, se ha comprobado
también la existencia de determinados artilugios luminotécnicos que atestiguan
la existencia de la luz en corrales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La disposición de los mismos -se
ha estudiado el caso del Príncipe-, con el escenario de espaldas a poniente,
hacía que los espectadores pudieran quedarse pronto sin sol y tuvieran
necesidad de reforzar su visión con dichos aparatos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Para fijar una idea del lugar de
la representación a principios del siglo XVII todavía es válida la relación que
ofrece Schack en su centenaria Historia de la literatura y del arte dramático
en España (1886):<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> Hicieron
tablado o teatro para representar, vestuario, gradas para los hombres, bancos
portátiles que llegaron al número de 59, corredor para las mujeres, aposentos o
ventanas con balcones de hierro, ventanas con rejas y celosías, canales
maestras y tejados que cubrían las gradas, y finalmente, Francisco Ciruela,
empedrador, empedró el patio, sobre el cual se tendía una vela o toldo que
defendía del sol, pero no de las aguas.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> Andrés
Aguado, albañil, se obligó a hacer cuatro escaleras: una para subir al corredor
de las mujeres [...], de manera que las mujeres se subiesen por la dicha
escalera y estuviesen en el mismo corredor, no se puedan comunicar con los
hombres, y de la mesma manera otras veces por donde se sube a los asientos de
los hombres y del vestuario, y así mesmo un aposento en el corral por donde
entran las mujeres para una ventana que cae al dicho teatro y un tejado de dos
aguas encima de cada ventana...<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Dado que en su origen eran
auténticos patios, se utilizaron los elementos que realmente existían en tal
medio con intenciones bien distintas. Las ventanas, con sus rejas y celosías,
funcionaban como hoy lo hacen los palcos. Esas ventanas eran propiedad de los
dueños de las distintas casas en que se situaban.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">A veces las alquilaban a las
propias cofradías, otras eran los inquilinos quienes debían pagar una cantidad
por su utilización. Lo normal fue que, poco a poco, las cofradías compraran los
edificios que cercaban los corrales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las ventanas del último piso se
llamaban <b>desvanes</b>, y las inferiores <b>aposentos</b>. Las gradas estaban colocadas
formando un <b>semicírculo</b>, bajo los
aposentos. Un <b>cobertizo</b> cubría a los
espectadores de la lluvia. Delante había un <b>patio descubierto</b>, desde donde podía verse la función de pie.
Posteriormente se colocaron en ese espacio algunas filas de bancos, protegidos
de la intemperie por unas lonas que se extendían cuando hacía mal tiempo. Esos
pocos bancos que se colocaban delante eran las <b>lunetas</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Esta es la disposición de un
corral con la cual pasaría prácticamente más de un siglo. Sólo el interés por
separar al fondo a las gentes de condición social inferior llevó a configurar
la <b>cazuela</b> o corredor de mujeres,
situada en la parte posterior del corral. La idea fue separar durante la
representación a la mujer del hombre, con el fin de que no aprovecharan la
situación y provocaran conflictos de índole no precisamente dramática.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Sin embargo, esto no debió de
cumplirse al pie de letra por los desmanes que, según cuentan, se producían en
la cazuela, al rondar los galanes a las galanas, con lo que se conseguía ahogar
las voces de los actores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El escenario medio tenía unos <b>ocho metros de boca</b> y una <b>profundidad que variaba entre cuatro y seis
metros</b>. El <b>tablado se situaba unos
dos metros sobre el nivel del suelo</b>, circunstancia que permitía la perfecta
visibilidad desde cualquier localidad. También se utilizaba su interior sobre
todo como vestuario de los hombres, que a veces se empleaba para colocar a
determinados músicos o para aparecer en el tablado desde los <b>escotillones</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El vestuario de las mujeres
estaba detrás de las puertas del fondo, al nivel de la escena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Escenotecnia<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El primer juego escénico que debe
atender el tablado del corral es la separación por medio de una <b>cortina</b> de un delante y un detrás.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Echada la cortina, las escenas
representan todos o la mayoría de los exteriores: campo, extramuros de la
ciudad, calle, etc., a veces reforzados con otros artilugios situados en los
laterales de las gradas, como veremos en su momento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En otras ocasiones, el cambio de
decoración lo marcaba el movimiento de los actores: quienes habían desaparecido
por un lado, tras dejar la escena vacía, volvían a aparecer por el lado
contrario denotando un nuevo lugar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Corridas las cortinas, <b>la escena fija del corral configura la
mayoría de los interiores</b>, que estaban formadas por los accesos a casas a
través de puertas que, como solían ser dos o tres, significaban otras tantas
casas, por ejemplo, una para el galán principal, otra para la dama, y una
tercera para el segundo galán.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Este primitivo juego pronto quedó
superado con la utilización de cada uno de los huecos o nichos del fondo del
corral como <b>metonimia escénica</b>
determinada.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los corrales más importantes
tenían hasta <b>nueve nichos</b>, tres por
planta, incluyendo las puertas (abajo) y los balcones (dos pisos superiores).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Hay indicaciones de poetas que
describen que tales nichos debían adornarse con roca, fuente o cualquier otro
elemento, significando con ello que la escena se refiere a uno de esos lugares,
estando el resto de los nichos tapados o cubiertos por cortina. La instalación
de una parte de los objetos de la escenografía o de todos ellos supuso un rico
campo de posibilidades expresivas del escenario del corral, sobre todo porque
podían ir aderezados de otros artefactos o maquinarias.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Rafael Maestre nos informa
adecuadamente de dichos elementos, siendo los más sencillos de todos los
árboles de cartón o lienzos pintados que figuraban bosques o calles. El sol era
un disco de papel tras el que ardían varias candelas. Las tormentas se
simulaban gracias a un barril lleno de piedras que rodaba bajo el escenario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El muro o muralla es un decorado
con almenas que se coloca longitudinalmente en el primer corredor, sobre el
vestuario; la torre, en su parte inferior, ocupa el espacio de ese primer
corredor, pero su parte superior, con atalayas, asoma por la inferior del
segundo corredor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El jardín o bosque se obtiene por
medio de arcadas de follaje o arbustos leñosos sobre las jambras o dintel de
las puertas frontales del escenario. En otras ocasiones, hay arbustos mezclados
con árboles de cartón puestos de pie sobre el tablado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Junto a ello, en el jardín suele
haber una fuente labrada, realizada con idénticos materiales, ocupando el
frente del escenario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La roca, el risco o peña es, en
ciertos momentos, elemento fijo, pero muchas veces también elemento móvil,
accionado por ruedas y sobre un carro camuflado de naturaleza rocosa. Su
estructura es un plano inclinado con escalones. A veces va unida a una cueva, y
ocupa el hueco de alguna puerta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La montaña o monte fijo es una
rampa que comunica el primer corredor con el tablado o éste con los aposentos.
Se llama también <b>palenque</b>, y podía
servir de acceso espectacular de un grupo de gentes al escenario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La nave se coloca en cualquiera
de las aberturas del primer corredor, y según sea de llegada o de partida
muestra proa o popa. Se puede mover por medio de cabrestantes sitos en el piso
del vestuario. Algunas veces asoma tras un monte o roca.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Naturalmente había <b>escotillones</b> o trampillas de acceso al
escenario desde abajo, viejo artilugio que conocemos desde que en la Edad Media
los demonios debían salir de debajo de tierra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Están documentadas máquinas que
hacen desaparecer actores a la vista de público, haciéndolos descender e
incluso aparecer. Un sofisticado juego de poleas y cuerdas formaban el
primitivo elevador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Otro artefacto para idéntico
efecto era el llamado <b>bofetón</b>,
especie de cajón con un eje central fijo, que, rotado 180°, hacía desaparecer
la figura y, posteriormente, la hacía aparecer. Este sistema posibilitaba las
apariencias que, en determinado tipo de comedias, tendrían un valor
fundamental.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Iniciado y avanzado el siglo
XVII, estas <b>tramoyas</b> fueron ganando
adeptos, pues hacían que aumentara en el espectador su gusto por el teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Tales mutaciones se hacían a
vista del público, y a mayor dificultad y más notorio cambio de escena, más
éxito entre el espectador ávido de novedades.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El sentido de lo falso, el
avanzado concepto de engaño o mentira que los escenarios proporcionaban, en
donde nadie moría, ni amaba, ni se aparecía, sino que simulaba, hacía aumentar
las quejas de los moralistas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Suárez de Figueroa llamaba a
estos artilugios "singulares añagazas, para que reincida el poblado tres o
cuatro veces, con crecido provecho del Autor". De aquí nace también el
recelo de los propios poetas, como Lope de Vega, que ironizaba de esta manera:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> TEATRO.-lAy, ay, ay!<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> FORASTERO.-De qué te quejas, Teatro?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> TEATRO.-iAy, ay, ay!<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> FORASTERO.-Qué tienes, qué novedad es ésta?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> TEATRO.-¿Es posible que no me ves herido,
quebradas las piernas y los<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> brazos, lleno de mil agujeros, de mil
trampas y de mil clavos? FORASTERO.-¿Quién te ha puesto en ese estado tan
miserable?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> TEATRO.-Los carpinteros, por orden de los
autores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">2. EL ESPACIO TEATRAL CORTESANO<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Con la llegada de los Austrias
menores, el teatro cortesano encontró pleno acomodo en España. Felipe III había
celebrado fiestas teatrales en su residencia de Aranjuez y El Pardo. Felipe IV,
que llega al trono en 1621, da el impulso definitivo a tales espectáculos. En
su cumpleaños de 1622, Julio César Fontana hizo en Aranjuez un teatro portátil
que, además de su esplendor técnico, contaba con la novedad de ser utilizado
durante la noche, con la consiguiente necesidad de iluminación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Esa idea está en <b>El gran teatro del mundo</b> calderonia no:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <i>Para
alumbrar el teatro (porque adonde luz no hubo no hubo fiesta), alumbrarán dos
luminares, el uno divino farol del día, y de la noche nocturno farol el otro...<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Justamente con el florecimiento
del teatro cortesano, que poco a poco fue siendo consumido en su vertiente
social por la nobleza española, comienza la revolución técnica en el teatro
nacional, que coincide con los últimos años de Lope de Vega y la irrupción de
Calderón.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Esa carrera por la técnica, que
había tenido precedentes de la talla de un Piccolomini en el siglo anterior,
comenzó su esplendor con Cosimo Lotti, natural de Florencia, ingeniero,
arquitecto y organizador de fiestas, que, llegado a España en 1626, tiene su
primer gran estreno en 1629, con el que es considerado precedente de la ópera
nacional, La selva sin amor, de Lope de Vega.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Decorados de comedia mitológica
representada en medio cortesano, con <b>telones</b>
y <b>periactois</b> que cambian en breves
momentos el lugar de acción.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> La
primera vista que ofrecía el teatro, en habiendo corrido la tienda que le
cubría, fue un mar en perspectiva que descubría a los ojos (tanto puede el
arte) muchas leguas de agua hasta la ribera opuesta, que haciendo salva,
disparaban, a quien también desde el castillo respondían. Veíanse, asimismo,
algunos peces que fluctuaban según el movimiento de las ondas [...] Aquí Venus
en un carro, que tiraban dos cisnes habló con el Amor, su hijo, que por lo alto
de la máquina volaba...<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En estos teatros palaciegos,
pues, existía ya el <b>telón de boca </b>(la
tienda) y, por supuesto, se habían puesto en uso las nociones de <b>perspectiva</b> intuidas por Vitruvio, pero
reconfirmadas entre otros por Serlio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La base del lenguaje escénico de
estas representaciones eran las <b>mutaciones</b>,
que, como antes decíamos, era todo aquel cambio entre un decorado y otro
(escena/escena) que se efectuaba a vista del público.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Obsérvese esta característica del
teatro cortesano, apoyada en la enorme profundidad de los escenarios, frente a
la técnica de las apariencias propia de los corrales, que no teniendo apenas
profundidad debían lograr otro tipo de ilusiones a la vista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El estanque del Buen Retiro, y la
fastuosidad de sus fiestas, hizo que unos años después, en 1640, fuera abierto
al público madrileño como Coliseo del Buen Retiro. La muerte de Lotti, en 1643,
y la coincidencia con la prohibición del teatro durante unos años de esa
década, hizo por entonces que se debilitaran los hallazgos escenotécnicos. En
1651, sin embargo, y con la llegada de otro importantísimo hombre de teatro
italiano, Baccio del Bianco, el desarrollo de la escenotecnia calderoniana
logrará su punto más alto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">3. TEXTO Y REPRESENTACIÓN<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">¿Cómo aparecían en los libros las
inquietudes escénicas del autor? Un simple rastreo de las acotaciones indica a
las claras el paulatino paso del simple texto que el cómico tiene que
memorizar, a la obra que ha de ser interpretada por el autor o director.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La historia del texto literario
utilizado en las representaciones es muy significativa. En el siglo XVI, y aun
antes, se tiene el concepto de poema dramático que el actor debe aprender. Lo
que no significa que dichos textos no contuvieran señales suficientes para la
representación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Cuando el teatro se convierte en
una carrera hacia el perfeccionismo escenotécnico, los poetas se meten cada vez
más a carpinteros, y sus señales se transforman en sofisticadas acotaciones, en
donde han de figurar no sólo el qué, sino el cómo se hace tal o cual
apariencia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los poetas, por consiguiente,
sabían muy bien los requisitos técnicos de la puesta en escena, y, de forma más
o menos explícita, dejaron en sus textos indicaciones suficientes para
conseguir sus fines.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">A veces, fuera de los propios
versos, hicieron auténticos cuadernos de dirección, en donde venían
especificadas todas y cada una de las características de las tramoyas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Calderón, cuya trayectoria como
autor fue claro ejemplo de interrelación entre poesía y tramoya, redactó unas
Memorias de apariencias que reflejan con toda pulcritud la realización de sus
intenciones poéticas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las acotaciones son escasas en la
llamada comedia de capa y espada, que cubre un altísimo porcentaje de los
géneros teatrales áureos. Sin embargo, la hagiográfica (historia de las vidas
de los santos) o la mitológica sí precisaban acotaciones más detalladas, ya que
su gramática escénica estaba basada en lograr del espectador efectos de
sorpresa que afirmaban los milagros o grandezas de los protagonistas. Para lo
cual, la maquinaria necesitada era mayor, sin olvidar la prodigalidad y lujo
del vestuario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Díez Borque llama "decorado
verbal" a aquél que viene definido por la propia palabra de un personaje,
sin necesidad de que haya cambio alguno.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> Otañez.-Adiós, Madrid, de
esta vez no quiero volver a verte...<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (EI astrólogo fingido,
Calderón.)<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En el texto, pues, está también
el decorado. Cuando el medio escénico del corral no estaba demasiado
desarrollado, era un procedimiento de perfecta comprensión por parte del
auditorio, que, al no ver el lugar de la acción, al menos la oía.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Otra indicación que tenía mucho
que ver con la lectura escénica de la obra era la relativa al traje de los
personajes. En cualquier comedia resultaba fundamental indicarlo -y así lo
hacían los poetas-, pues saber que iba de camino presuponía signos visuales
evidentes que conducían la acción a un muy determinado lugar.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">4. CLAVES PARA LA PRESENTACIÓN DE UN TEXTO EN EL SIGLO DE ORO</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El mecanismo que hacía posible
que los corrales se abrieran continuamente para presentar comedias del gusto de
todo el mundo se iniciaba con la simple compra de un texto por parte del autor
de la compañía.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Este <b>pagaba de una vez el libreto, desapareciendo así toda autoría</b>
efectiva, salvo la moral, del poeta sobre su obra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Ello explica algunos fenómenos
difíciles de asimilar siglos después, como es el poco apego que los dramaturgos
tenían posteriormente a sus textos, modificados a gusto del empresario, los
problemas de autoría y dotación de muchos de ellos, y, por consiguiente, los
conflictos que origina el hecho de que no haya certeza en torno a la
autenticidad de las obras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El poeta</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En el poeta, por consiguiente,
empieza la cadena de la industria teatral, pues es el primero que cobra por su
texto. Y cobra bien, sobre todo si es de los considerados de primera fila.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">A principios de siglo, un
dramaturgo podía obtener unos 500 reales por comedia representada en corral,
cantidad que a mediados del XVII subió a 800. Estas cifras suponían un buen
ingreso, ya que un solo real - 34 maravedíes - venía a ser la cantidad que
necesitaba una persona pobre para sostenerse un día.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Estas cifras no las conseguían
los escritores que empezaban, pero sí los famosos que, desde luego, llevaban un
tren de vida superior al que aparentaban.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Mayor interés económico tenían
los encargos oficiales, por ejemplo, de escritores de autos sacramentales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En 1611, Lope de Vega recibía
trescientos reales por un auto, cantidad que repitió al año siguiente. Tiempo
después, en 1645, Calderón ganó 1.400 reales, más una gratificación (ayuda de
costa) de la Villa de 3.300 reales (300 ducados), que pasó a ser de cuatro mil
cuatrocientos reales a los pocos años.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">También las loas o pequeños
poemas a propósito de alguna conmemoración o celebración tenían especial
tratamiento, aunque ninguna de estas gratificaciones se asemejaba a las
recibidas cuando el encargo venía de palacio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Por El vellocino de oro, Lope
cobró en 1626 la cantidad de 1.650 reales -frente a los 500 que cobraba en los
corrales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Calderón, quizá el más
beneficiado por las subvenciones en su momento, por arreglar una obra suya
anterior (Ni amor se libra de amor) y componer una breve loa, recibió, en 1679,
2.200 reales, y 3.300 más por adaptar su Faetonte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El autor<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El segundo eslabón de la cadena
lo integraba el llamado <b>autor de
compañía</b>, verdadero empresario que solía ser, a la vez, primer actor y
organizador o director de cuanto sucedía en el escenario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los autores eran nombrados por
dos años por el Consejo de Su Majestad para poder ejercer durante tal periodo,
nombramiento que se repetía sin mayores problemas, dada la estabilidad de sus
elencos y solvencia económica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El autor era quien de verdad
arriesgaba en la empresa, pues debía pagar por adelantado a los poetas a la vez
que mantener un variado repertorio, ya que las comedias, aun las buenas, no
duraban demasiado en cartel, y tenía que renovarlas de ciudad en ciudad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">De ahí que los autores
arriesgaran lo justo, es decir, prefirieran comprar los derechos de obras de
autores famosos, más que de escritores noveles. Luego, con el tiempo, podían
revender las comedias a autores de compañías menores, que tocaban plazas de
inferior categoría. Por eso las obras que con los años permanecían junto al
autor llegaban a ser suyas en cierto modo, dada la cantidad de modificaciones y
cambios que sin consulta alguna podía efectuar sobre el texto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los autores dirigen los cortos
ensayos, preparaban apariencias o mutaciones y perciben todos los ingresos que
la compañía obtene del corral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">A principios de siglo XVII los
autores conseguían unos 200 ó 300 reales por representaciones particulares, y
6.600 por los autos del Corpus, consideración que alcanzaba a muy pocos
elencos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En los corrales, cada entrada suponía
doce maravedíes, algo así como un tercio de real, con lo cual necesitaban 300
espectadores para conseguir unos 100 reales. Estas son cifras referidas a los
corrales madrileños, ya que en poblaciones menores las cantidades eran asimismo
menores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">También las representaciones en
la Corte eran las más fuertemente subvencionadas, consiguiéndose mayores
beneficios, como vimos en el caso de los poetas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En cuanto al montaje escénico,
por los escásos datos que se tienen hay que pensar que el autor proyectaba un
muy primitivo esquema, existiendo unas reglas del juego en la jerarquización de
los actores que definían a las claras problemas de situación espacial.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Todo ello, unido al poco tiempo
de que se disponía para estrenar -sobre todo si la anterior comedia había
fracasado-, hacía que los autores tuvieran que aprenderse los papeles de un día
para otro. En este sentido, el verso, además del innegable valor estético que
encierra, era un sólido apoyo nemotécnico para el ejercicio actoral, que se
veía necesitado de auxilio del apuntador para poder decir las estrofas de su
papel.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El actor</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El actor prestaba su cuerpo y voz
al personaje que representaba, sobre todo esta última, en un tipo de teatro en
el que se decía ir a "oír la comedia", aunque no fuera ésa la única
característica distintiva. De Baltasar de Pinedo decía Lope de Vega:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Baltasar de Pinedo tendrá fama pues
hace, siendo príncipe en su arte, altas metamorfosis en su rostro, color, ojos,
sentidos y afectos.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Contaba Juan de Caramuel que la
Riquelme <o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 49.5pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">"cuando
representaba mudaba, con admiración de todos, el color del rostro, porque si el
poeta narraba sucesos prósperos y felices, los oía con semblante todo
sonrosado, y si algún caso infausto y desdichado, luego se ponía pálida, y en
este cambiar de afectos era tan única que era inimitable".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Voz, signos faciales y signos
expresivos del cuerpo formaban el triángulo de exigencias que el público tenía
de sus actores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">López Pinciano, en su Philosophía
antigua poética, de finales del siglo XVI, da normas suficientes para los
desplazamientos y movimientos de manos (ademanes) y pies de los cómicos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Cómicos hubo muchos, y célebres.
Quizá sea el que más Cosme Pérez, llamado Juan Rana por el papel que
representaba, del cual hay textos de muy diversos autores.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Mucho se ha escrito sobre la
sociología del actor de la época, su condición de nómada y vida itinerante. La
conducta abierta y aparentemente disoluta llevó a la constante enemistad con la
Iglesia, que, como es sabido, les negó el derecho al entierro cristiano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los actores se unían, por lo
general, y en el siglo XVI, en compañías (que llevaban "cincuenta
comedias, trescientas arrobas de hato, dieciséis personas que representan,
treinta que comen, uno que cobra y Dios sabe el que hurta"), aunque no faltaban
aún elencos menores, como los también citados por Rojas en su Viaje
entretenido:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>farándula</b> ("tres mujeres, ocho y
diez comedias, dos arcas de hato [...] entran en buenos pueblos, comen
apartados, tienen buenos vestidos, hacen fiestas de Corpus a doscientos
ducados, viven contentos"),<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>boxiganga</b> o <b>bojiganga</b> ("van dos mujeres y un muchacho, seis o siete
compañeros [...], seis comedias, tres o cuatro autos, cinco entremeses, dos
arcas, una con hato de la comedia y otra de las mujeres"),<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>garnacha</b> ("cinco o seis hombres,
una mujer que hace la dama primera y un muchacho la segunda [...] cuatro
comedias, tres autos y otros tantos entremeses"),<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>cambaleo</b> ("es una mujer que canta
y cinco hombres que lloran; éstos traen una comedia, dos autos, tres o cuatro
entremeses, un lío de ropa que le puede llevar una araña [...] cobran en los
pueblos a seis maravedís, pedazo de longaniza, cerro de lino y todo lo demás
que viene aventurero"),<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>gangarilla</b> ((ares o cuatro hombres, uno
que sabe tocar una locura; llevan un muchacho que hace la dama, [...] comen
asado, duermen en el suelo, beben su trago de vino, caminan a menudo,
representan en cualquier cortijo y traen siempre los brazos cruzados"),<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>ñaque</b> ("es dos hombres [...] hacen
un entremés, algún poco de auto, dicen unas octavas, dos o tres loas, llevan
una barba de zamarro, tocan el tamborino y cobran a ochavo")<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> y <b>bululú</b> ("que es un representante
solo [...] que sabe una comedia y alguna loa").<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">A partir de 1600 necesitaban una
licencia para poder ser compañía de título, y ejercer como tal. En 1603 había
ocho, y en 1641, doce. El Consejo debía nombrar al autor de cada compañía,
teniendo éste la obligación de presentar la nómina de sus componentes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Estas compañías de título tenían
de doce a veinte miembros, a veces más, y cobraban por el sistema de
"ración y representación", con contrato anual, a partir de la semana
de Carnestolendas. De esta manera, el cómico percibía un fijo al día
("ración" o "plato") y otra cantidad por día de
representación ("representación").<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">5. EL ESPECTÁCULO</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Finalmente llegamos al
espectáculo, su configuración y venta como bien de consumo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los autores/empresarios rodeaban
los estrenos con toda suerte de propaganda para ganar adeptos a las
representaciones, aunque éstas difícilmente pasaban de dos o tres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Formaban la oferta de la compañía
loas, o bien anuncios directos o avisos. En ellos debía ir bien a la vista el
título, el autor - sobre todo si era importante - y los actores de renombre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las representaciones palaciegas
no solían pasar de una por obra ante los reyes, aunque a partir de 1640, con la
apertura definitiva del Coliseo al pueblo, había nuevas representaciones para
otros estratos de la sociedad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La primera mitad del siglo, sobre
todo, vio una enorme producción de comedias, que se debilitó
extraordinariamente conforme avanzaba el XVII.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Hemos de tener en cuenta que
muchos ingenios habían desaparecido, o iniciado un evidente declive. Fue
entonces cuando comenzaron las reposiciones, animando a los espectadores a que
volvieran a ver comedias "famosas". La necesidad de reponer obras se
producía también por la cada vez mayor demanda de textos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">No olvidemos que Madrid y otras
grandes ciudades pasaron, a lo largo del siglo XVII, de tener teatro sólo dos
días a la semana y fiestas a la representación diaria.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Había gran diferencia entre los
precios que la gente pagaba por ver comedias. Entre una localidad de pie (en el
patio, tras las lunetas) y otra en los aposentos (los más discretos lugares del
corral) podía haber una diferencia económica cuarenta veces mayor.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">También se documentan disgustos y
quejas de los autores sobre el numeroso público que entraba sin pagar. De ahí
que se fuera imponiendo una serie de controles que regularan el acceso de calle
a sala.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Se llegó a pagar hasta tres veces
en tres sitios de acceso diferentes:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l1 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">primero, al autor, que alquilaba el
local;</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l1 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">luego en el interior, los impuestos, es
decir, la parte de limosna de Hospitales;</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l1 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">●<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">finalmente, y sólo en localidades caras,
para el arriendo de las mismas, y al entrar en ellas.</span><span lang="ES"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Esta diferencia de precios
proporcionaba al corral una composición variable, que hacía posible la
presencia de todas las clases sociales, aunque, como se puede comprobar,
perfectamente diferenciadas unas de otras.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Lo que iban buscando todos estos
ávidos espectadores del teatro del Siglo de Oro era una auténtica celebración,
en donde lo importante era pasarlo bien. El que la mayoría de las comedias
tuvieran un final feliz, con múltiples bodas que presagiaban maravillosos
futuros, no es más que una consecuencia sociológica de lo que buscaba el
espectador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">De ahí que quepa situar el
espectáculo teatral de este momento tanto en el campo del acto social y lúdico
como en el cultural. Si nos fijarnos en el complejo sistema de expresión que era
una representación en la época, calibraremos mejor las múltiples funciones
aludidas que encerraba aquella dramaturgia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Arrancaba el espectáculo con una
loa que hacía las veces de presentación, loa que en nada tenía que relacionarse
con la comedia; tras ella, el baile entre galán y dama comenzaba a animar al
auditorio, para el que la música iba a ser elemento de contacto fundamental.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los tres actos de la obra se
ofrecían absolutamente fragmentados, ya que podían sufrir cortes más o menos
imprevistos. Los previstos estaban situados entre acto y acto, y se rellenaban
con entremeses, mojigangas o bailes entremesados, a veces de tan importante
significación que palidecía la comedia misma.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Esto nos lleva a pensar en el
espectáculo como una unidad, no como ahora lo leemos, sino como un todo difícil
de separar, aunque sus argumentos sean radicalmente distintos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Finalmente, la función acababa
con un baile en donde intervenían la mayoría de los actores, que podía ir
precedido de otro nuevo diálogo o entremés.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">No cabe duda que el objetivo
principal del teatro áureo era el de producir diversión, aunque los materiales
utilizados para ese efecto tengan una elevada carga cultural, que no siempre
era apreciada por el "vulgo".<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Público</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La diferenciación de sexos entre los
espectadores de los corrales es síntoma evidente que explica otra serie de
delimitaciones existentes en aquellos locales.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En principio, la nota fundamental
del corral es su poder como igualador social. Junto a las iglesias, era el
único lugar en donde tenían posibilidad de convivir todos los miembros de la
sociedad desde el rey hasta el último villano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Lo que no significa idea alguna
de mezcla, sino de distribución social en cada espacio del local.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Cuando las damas iban solas se
colocaban en la cazuela; si iban acompañadas, en aposentos. Incluso la entrada
y salida del corral llegó a ser diferente para hombres y mujeres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Se prohibió que los hombres
acudieran a la cazuela - lo que llegó a tener pena de destierro - e igualmente
se generalizó la norma de que, a la salida, las mujeres no pudieran
estacionarse.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Cabe pensar que todo ello iría
motivado por el escándalo que podía suponer el que hombres y mujeres que no se
conocían estuvieran juntos más de dos horas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El Padre Mariana se quejaba de
esa circunstancia, cuando denunciaba que ambos sexos "concurrieran
juntos" a los teatros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Aunque no todos los estratos
sociales organizaban el característico ruido durante las representaciones, del
que tanto se quejaban los poetas, quienes más denotaban sus quejas, impaciencias
o desencantos eran los mosqueteros - situados de pie, tras las lunetas -, junto
con las mujeres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Ellos fueron quienes dictaminaban
el éxito o el fracaso de las comedias. Eran los mosqueteros soldados
licenciados y sin oficio, intrigantes de la corte, mirones, pícaros, etc.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Ante tales hechos se llegó a
colocar una autoridad en sitio privilegiado de los corrales, con el fin de
poder controlar los excesos denunciados. En principio eran los propios alcaldes
quienes se sentaban en el mismo escenario para dominar la situación. Luego
pasaron a los alojeros, y, más tarde, funcionarios públicos intervenían en los
teatros ante las situaciones que se producían.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">III. LA ESTÉTICA DEL AUTO SACRAMENTAL<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los autos sacramentales, que eran
una prolongación de las fiestas medievales y farsas sacramentales de principios
del siglo XVI, evolucionan hasta su configuración definitiva merced al Concilio
de Trento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En España, de bastante antes
procede la celebración del <b>Corpus
Christi</b> con toda solemnidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Con la llegada al trono de Felipe
II se instauró la costumbre de que el rey presidiera la procesión eucarística.
Esa protección hizo que la representación de los autos fuese día a día una
especie de organización hasta cierto punto cerrada, amparada por un rígido
reglamento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los municipios eran los
encargados de preparar tales espectáculos, encomendando a compañías
profesionales el muy importante cometido teatral, y a los poetas, nuevos
textos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La fiesta del Corpus tenía una
parte litúrgica, que se celebraba por la mañana, en el interior del templo, y
que finalizaba con una procesión que terminaba después del mediodía. Tras la
comida, comenzaba la representación del auto, siempre al aire libre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Había una amplia introducción con
la llegada de los carros a la plaza en donde se hacía la puesta en escena. <b>Cada carro llevaba una parte de decorado
fija</b>, y llegaron a establecerse competiciones que premiaran la calidad de
la representación. Ordenados dichos carros alrededor de un espacio fijo
determinado, el auto se iniciaba.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Si a principios del siglo XVII
unos cuantos carros bastaban para representar autos, poco a poco fue aumentando
el número, delimitando incluso sus funciones; así, había carros sólo para
decorados, para cambiarse de vestuario, incluso de diversas alturas o niveles.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Se iba llegando a la imitación
del espacio escénico convencional, haciendo fijo el tablado -bastante grande,
por cierto- al que se aproximaban carros con decorados ya instalados. El
público, incluso, se situaba en gradas construidas al efecto, dentro de la
provisionalidad de la fiesta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los autos sacramentales no se
presentaban aislados, sino dentro de un concepto general de espectáculo
absolutamente similar al que el público veía en los corrales. Así, llevaban al
frente una loa que, por ejemplo, podía explicar -con sencillos personajes- lo
que iba a ver después el espectador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Entremeses, mojigangas y bailes
salpicaban los complejos y difíciles cortes secuenciales del auto, por extraño
que hoy parezca, dándole un aspecto festivo y humorístico imposible de separar
del conjunto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Los poetas y autores ayudaban con
sus doctrinas a que el pueblo comprendiera los más enrevesados misterios de la
teología; pero lo hacían con normas escénicas similares a las utilizadas en los
teatros. De ahí que no sea difícil comprender cómo autos del corte de Elgran
teatro del mundo o La segunda esposa fueran seguidos vehementemente por el
espectador popular áureo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Las representaciones de los autos
se realizaban a lo largo de la octava del Corpus de forma continuada, como prueban
avisos y noticias de la época, por multitudes que codificaban la teatralidad de
la fiesta con su espiritualidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">IV. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA COMEDIA ESPAÑOLA</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Todas las vertientes
desarrolladas en la escena española durante el siglo XVI se funden en una
fórmula dramática nueva, plenamente aceptada por el público, y que encontró en
los poetas de finales de siglo los vehículos artísticos que necesitaban.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Para Parker, el teatro español
del Siglo de Oro sigue los siguientes postulados:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> 1. La acción tiene más importancia que la
caracterización de los personajes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> 2. El tema pero prima sobre la acción,
con mengua de la verosimilitud realista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> 3. Hay unidad dramática en el tema, pero
no en la acción.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> 4. El tema va subordinado a un propósito
moral gracias al principio de la justicia poética (boda generalizada y/o muerte
del maldito.)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> 5. El propósito moral se desprende de la
causalidad dramática.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pese al carácter discutible de
muchas de estas afirmaciones, se pueden mantener esos principios como generales
en la consideración literaria de la comedia española, cuyas reglas generales
vendrían dadas por la escritura en verso polimétrico, la ruptura total de las
unidades de lugar y tiempo, y el empeño por mantener el interés de la trama
hasta el final.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Además de sus propias
características estéticas, la rima y las estrofas facilitaban tanto la
memorización por parte del actor, como la recepción.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Para el espectador, el que en el
escenario se hablase en verso era nuevo motivo de desrealización, de separación
de los elementos de ficción. El octosílabo y el endecasílabo eran los metros
más usados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El poeta los elegía según el tono
que quería emplear, al igual que hacía con las estrofas, que, según Lope, se
adaptaban a los siguientes usos:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> el romance para las
relaciones,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> soneto para los que
aguardan,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> décimas para las quejas,
aunque también las octavas "hacen por extremo",<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> tercetos para expresar
cosas graves<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> y redondillas para el
amor.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Poetas y auditorio conocían a la
perfección este <b>código</b>, incorporando
a la propia acción escénica de las comedias subacciones intencionales como
éstas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">De las unidades clásicas los
españoles sólo respetan la de acción, y no exacta ni totalmente. El principio
de "libertad de acción artística", llevaba a un desarrollo espontáneo
y lógico de la acción, para lo que era imposible mantener el mismo lugar y un
tiempo constreñido.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Allí se sustenta el complemento
de los elementos cómicos con los trágicos, aunque predominen los primeros.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La acción se desarrolla en tres
actos merced a la necesidad dramatúrgica de mantener la intriga a lo largo de
la comedia, para lo cual la fraccionan en escenas que se presentan a modo de
cuadros, es decir, cambiando de decorado dos o tres veces por acto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El paso de uno a otro conlleva
una nueva intención dramática, pues la intriga suele quedarse en un punto
crucial. Para mantener esa tensión, los autores introducen entremeses y bailes,
que también están codificados dentro del mismo espectáculo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La acción se inicia con un hecho
notable que atrae la atención del público de inmediato. Esta ha de mantenerse,
sin altibajos, con un largo nudo que abarca más de la segunda jornada. En
cambio, el desenlace es por lo común breve y brusco, dado el gusto del
espectador por los finales felices.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Otra de las características de la
comedia española es la diversidad temática. Los asuntos se toman de la
tradición, de la historia, tanto sagrada como española, de la mitología, de la
propia vida contemporánea, y, en general, de todo cuanto rodea al poeta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">De esa orientación temática surge
una clasificación genérica de la comedia española en comedias pastoriles,
caballerescas, históricas, hagiográficas, mitológicas, de costumbres y de
enredo o capa y espada, que son las habituales. Posteriormente, y con el
desarrollo de ciertos personajes, habrá también comedias de carácter, e incluso
de figuración.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Todo lo que toca el poeta se
transforma en materia dramática por obra y gracia de la escena. Cualquier tema
se adereza y se hace más importante cuando roza el honor de sus protagonistas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> Los casos de la honra son mejores,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> porque mueven con fuerza a toda gente.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En efecto. La mayoría de las
comedias se reducen a un asunto de honra, que suele ponerse en cuestión a
través de una ofensa. Cualquier personaje, incluso villano, ha de mantener
íntegro su honor, por lo que consumirá la duración de la comedia en
restituirlo, normalmente con derramamiento de sangre.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">V. LOS PERSONAJES DE LA COMEDIA</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">La clasificación de los
personajes de la comedia española se ajusta a la serie de paradigmas que
componen la galería de figuras del género. La combinación de los mismos,
acompañados de un elevado contenido dramático que hacen diferenciables las
historias, forman los argumentos de la comedia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>El
Rey </b>tiene dos aspectos: cuando es joven, de verdadero galán, normalmente
injusto por soberbio; si es viejo, prudente y necesario para la solución del
conflicto. Ambos son intocables, y cuando ejercen su influencia en tratos con
los demás, generan un conflicto de gran magnitud: cómo actuar, si como humano
que es o como rey; y cómo solucionar el problema, siguiendo un tratamiento u
otro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>El
poderoso</b> es un noble - príncipe, marqués o capitán - que si coincide con
los atributos de galán suele ser despótico. Su papel en la comedia es negativo,
violando derechos y personajes. Es entonces cuando genera una revuelta popular,
con el consiguiente conflicto social. Su castigo sólo puede deberse al rey.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>El
Caballero</b> es padre, o hermano mayor, esposo o el mismo galán. Suele ser el
gran defensor del honor, que pierde consciente o inconscientemente la dama.
Para ello debe vengarse. Es el auténtico valedor del orden social instaurado;
por lo tanto, el personaje que presenta un mayor carácter trágico. El castigo
que trama lo efectúa más por deber que por otra cosa; por celos, por ejemplo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>El
galán</b> reúne los mejores atributos de los personajes de la comedia: a su
idealismo amoroso une una enorme generosidad, buena dosis de paciencia y
constancia, gran capacidad de sufrimiento y no poca ingenuidad. Se mueve a
impulsos del amor, y su otra cara, los celos, suelen ser más teatrales que
verdaderos. La honra es el tercer vértice de su triángulo existencial. Suele
tener dos o más alter-ego, necesarios para desarrollar la trama.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>El
gracioso</b> es el tipo por antonomasia de la comedia española, verdadera
aportación del género. Viene a ser el criado del galán, pero también su
consejero y amigo. Cada galán dispone de su gracioso, que realiza una
trayectoria erótica similar a la de él, emparejándose con las criadas. El
gracioso reúne un máximo de elementos humorísticos, por lo que su conexión con
el público es total. Llamado también figura del donaire, supone el punto de
vista más distanciado de la acción. Es cobarde, ama el dinero y siempre está
dispuesto a los placeres mundanos, sobre todo a la comida. Su peculiaridad le
ha proporcionado el máximo de bibliografía entre los estudios de la comedia
española.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>El
villano</b> es otro peculiar personaje del género, que lo dignifica a cotas
extraordinarias. Pese a su procedencia rural, es defensor a ultranza de la
pureza de la sangre, ya que, a falta de nobleza de linaje, es un paladín de la
honra. Es el rico hacendado que representa aún, en su humilde cuna, la
personificación del Beatus Ille horaciano.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>La
dama</b>, complemento femenino del galán, posee idénticas virtudes de nobleza,
idealismo amoroso, audacia y constancia, junto a una absoluta dedicación al
amor. Está en el escenario para amar, y a esa obligación se entrega. Salvo
raras excepciones, en donde la mujer adopta papeles similares al hombre
(Laurencia en Fuenteovejuna, doña Juana en Don Gil de las calzas verdes, Gila
en La serrana de la Vera...), los personajes femeninos responden a la pasividad
social que en su tiempo tenían.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> <b>La
criada</b> es la confidente y acompañante de la dama, desempeñando una especie
de papel de gracioso en mujer, pero atrofiado. Es la pareja de la figura del
donaire, aunque su cometido es muy limitado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">VI. LOS GRANDES DRAMATURGOS ESPAÑOLES DEL SIGLO DE ORO</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Lope de Vega</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1562-1635). Es imposible resumir los hechos
literarios, y mucho menos los biográficos, de una vida tan llena de
acontecimientos. Amores legítimos e ilegítimos, pleitos, éxitos, beneficios,
sinsabores y algún que otro fracaso, pueblan la vida del quizá más prolífico y
genial de los dramaturgos en lengua española.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En el terreno teatral basta
aplicar a su obra las características de la comedia española, vistas en el
epígrafe anterior, pues él fue el principal causante de tales innovaciones. Fue
poeta que supo aunar un extraordinario aliento popular con el gusto por las
formas más refinadas del arte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Mucho se ha escrito y dicho de su
prolífica obra. El propio Lope en su Egloga a Claudio (1631), da la cifra de
1.500 obras escritas para la escena... aunque no deja de ser poco fiable, como
otras noticias suyas que dejó dichas o a medio entender.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (LOPE
DE VEGA, "Arte nuevo de hacer comedias").<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> Mas porque en fin hallé que las comedias<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> estaban en España en aquel tiempo,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> no como sus primeros inventores<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> pensaron
que en el mundo se escribiera,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> mas como las trataron muchos bárbaros<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> ..............................<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> a aquel hábito bárbaro me vuelvo,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> y, cuando he de escribir una comedia,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> encierro los preceptos con seis llaves;<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> saco a Terencio y Plauto de mi estudio,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> para que no me den voces, que suele<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> dar gusto la verdad en libros mudos,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> y escribo por el arte que inventaron<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> los que el vulgo aplauso pretendieron,<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> porque,
como las paga el vulgo, es justo<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> hablarles en necio para darle gusto.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En cualquier caso, muchas sí
fueron, pues aunque su extraordinaria fama llevó a los autores de compañía a
llamar "de Lope" comedias que deseaban el éxito, y hoy aparezcan como
suyas bastantes que no lo son, no cabe duda que trescientas o cuatrocientas sí
salieron de su magín. Y de todas las clases, estilos y temas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Desde comedias religiosas (La
creación del mundo y primera culpa del hombre, La buena guarda o Lo fingido
verdadero), mitológicas (El amor enamorado, La bella Andrómeda o El vellocino
de oro), históricas (La imperial Otón, El bastardo Mudarra o Las paces de los
reyesy judía de Toledo), de costumbres (El perro del hortelano, El villano en
su rincón o La moza de cántaro), pastoriles (El verdadero amante, La Arcadia o
La selva sin nombre), novelescas y caballerescas (La mocedad de Roldán, La
difunta pleiteada o El castigo sin venganza), de enredo o capa y espada (La
dama boba, El anzuelo de Fenisa o El acero de Madrid), hasta autos
sacramentales (La adúltera perdonada, La siega o El heredero del cielo), sin
olvidar entremeses, loas y diálogos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En todos ellos da buena cuenta de
un perfecto desarrollo dramático, que hace que cualquier comedia, por menor que
parezca, goce de una excelente exposición y siempre tenga pasajes de gran
altura. Por supuesto que no es posible mantener, dentro de una producción tan
elevada, una constante calidad en sus asuntos y personajes.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pero quizá tenga unas cuarenta
obras de muy primera línea, con creaciones que sustentan por sí solas el
edificio dramático del autor. Comedias como La discreta enamorada (1606), La
dama boba (1613) o Los melindres de Belisa (1608?) bastan para definir las más
divertidas disposiciones escénicas de las que han bebido los poetas
posteriores; dramas del honor, como Peribáñez y el comendador de Ocaña (1608?),
Fuenteovejuna (1614) o El mejor alcalde el rey (1623?), muestran un fino pulso
dramático que conduce tramas tan escabrosas al mejor fin teatral imaginado; o
tragicomedias inspiradas en el aliento popular, como El caballero de Olmedo
(1620?), o en hechos de la historia convenientemente adaptados, como El Duque
de Vireo (1609?).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En unas y otras Lope eleva a sus
personajes al convencional mundo de la poesía, pero también baja su lírica a
ras de tierra, convirtiendo en materia escénica cualquier asunto y tema.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Guillén de Castro</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1569-1631) es quizá el más moderno
representante de la escuela valenciana (Lope lo conoció en su destierro), por
recibir y asimilar las innovaciones que habían dejado sus antecesores. Aceptó
el liderazgo de Lope, a quien dedica la Primera Parte de sus Comedias (1618).
Quizá fuera también un prolífico dramaturgo, aunque sólo se conservan unas
treinta obras suyas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Guillén de Castro empieza donde
acaba Lope. Si éste concluye sus comedias en matrimonio, el valenciano comienza
sus intrigas con los problemas que originan las bodas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En cierto modo, es el asunto de
su obra más conocida, Las mocedades del Cid (1618), ya que Rodrigo debe luchar
entre el amor a su prometida, Jimena, y la afrenta que el padre de ella ha
cometido al suyo propio. Sólo que el autor deja pronto ese tema (jornada
primera) para pasar a cantar las heroicidades del Cid.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">El perfecto caballero (1615?) y
El amor constante (?) son auténticas tragedias de honor, mientras que El
Narciso en su opinión (1615?) y Los malcasados de Valencia (1600?) son comedias
de capa y espada, con grave intención moralista.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Guillén de Castro</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> es autor de comedias inspiradas en
textos cervantinos: Don Quijote de la Mancha, La fuerza de la sangre y también
El curioso impertinente.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Luis Vélez de Guevara</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1579-1644), más conocido por la
célebre narración El diablo cojuelo, fue también famoso poeta que alternaba el
género histórico (Don Alonso Pérez de Guzmán o Reinar después de morir, 1635?)
con la comedia popular (La luna de la sierra, 1613?, y La serrana de la Vera,
1613?).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Antonio Mira de Amescua</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1574-1644) cultiva con rigor tanto el
auto sacramental (Pedro Telonario, La jura del príncipe, El auto del herrero)
como la comedia hagiográfica o de santos, en donde consigue una de las mejores
obras del Siglo de Oro, El esclavo del demonio (1605?), basada en una leyenda
portuguesa, y que es otra cara del mito de Fausto. Fue comedia bien conocida de
Lope y Calderón. Otros textos de Mira de Amescua son La desdichada Raquel,
Galán, valiente y discreto, No hay burlas con las mujeres, La fénix de
Salamanca y La tercera de sí misma.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Tirso de Molina</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1571-1648). Quizá el más dotado de los dramaturgos
españoles de principio de siglo, junto a Lope de Vega, al que tenía como
maestro. Autor de comedias desde su juventud, alcanzó fama casi a los cincuenta
años, cuando tenía ya un importante puesto en la curia. Sufrió exilio en el
monasterio de Trujillo por el éxito, fama y escándalo que había logrado. Se le
prohibió escribir, pero su vocación fue superior. Poseedor de una excelente
fórmula dramática, es autor de casi un centenar de comedias conservadas,
algunas sólo atribuidas, aunque se dice que escribió cuatrocientas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Maneja por igual los asuntos de
tema divino como la pura y complicada comedia de enredo, dotando a sus
personajes de una constitución psicológica superior. El condenado por
desconfiado (1625?), atribuida a Tirso, alterna un profundo contenido teológico
con la aventura descarnada; La dama del olivar (1614-1615) es una curiosa obra
con galantes personajes que recuerda a don Juan envuelto en los ecos de la
aparición de la Virgen; La Venganza de Tamar (1624?), que fue utilizada por
Calderón para Los Cabellos de Absalón, es un drama ejemplar sobre los amores
incestuosos de Amón y Tamar. Dramas históricos son La prudencia en la mujer
(1620-1623) y, en cierto modo, El Burlador de Sevilla j' convidado de piedra,
primera salida escénica de don Juan Tenorio, de la que partirán infinidad de
seguidores y adaptadores, aunque se tenga serias dudas sobre la autoría del
fraile mercenario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">En la comedia de enredo, Tirso
alcanza su más notable maestría. Desde El vergonzoso en palacio (1612-1615), en
donde la intriga es puro juego escénico, a Marta la piadosa (1615), con un tipo
que representa la más divertida hipocresía, llegamos al ingenioso invento de
Don Gil de las Calzas verdes (1615), en donde el autor riza el rizo de la
confusión, invirtiendo los papeles de galán y dama, pero jugando con la fórmula
en su increíble desenlace. La lista se haría interminable con La villana de
Vallecas (1620), El amor médico (1621?), Por el sótanoy el torno (1622?),
Antona García (1623), El melancólico (1623?), La gallega Mari-Hernández (1625),
La huerta de Juan Fernández (1626), etcétera.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Juan Pérez de Montalbán</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1602-1638) fue el discípulo predilecto
de Lope de Vega. La toquera vizcaína y La doncella de labor son dos comedias de
enredo. Dramatiza también la historia de España en El señor don Juan de
Austria, La monja alférez y El gran Séneca de España, Felipe II.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Antonio Hurtado de Mendoza</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1586-1644) hizo un teatro próximo a
círculos privados, como Querer por sólo querer, de nada menos que 6.400 versos.
También se distinguió por sus excelentes entremeses.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Juan Ruiz de Alarcón</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (1581-1639) es dramaturgo mejicano,
afincado en España, cuya obra desarrolla cerca de la Corte. Es un satírico
contumaz de la sociedad que lo rodea, a quien dedica una veintena de comedias,
difíciles y antipáticas. Cuando consiguió ser funcionario, se olvidó del
teatro. El tejedor de Segovia, al menos su primera parte, es original del poeta
mejicano, ofreciendo un complicado drama de venganzas; La verdad sospechosa
(1619?) traza un rico tipo de mentiroso, nada vulgar, sino exquisito. Como la
mayoría de sus textos, comienzan de forma casi chispeante, pero van derivando
en sombríos dramas. Las paredes oyen, La prueba de laspromesas, No hay mal que
por bien no venga, El examen de los maridos, El desdichado en fingir, El
Anticristo, son algunos de sus títulos más significativos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">José de Valdivieso</span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (?-1610) fue, sobre todo, escritor de
autos de la fama de El hospital de los locos y El hijo pródigo, aunque también
cultivó la comedia, como La serrana de Plasencia y La amistad en peligro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Pedro Calderón de la Barca </span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">(1600-1681). Dedicado a los corrales
desde muy temprana edad, las hipotéticas fechas de la redacción de sus obras y
las de sus representaciones (sobre las que no hay ninguna duda), forman las
claves de su biografía. Una biografía teñida en lo humano de mil y un enigma,
pero en lo escénico limpia y razonada. A las primeras comedias de enredo, en
las que sobresale como maestro pese a su juventud, no aporta más materiales
escénicos que los estrictamente necesarios. Antes de cumplir los treinta años,
Calderón ya había escrito dos grandes comedias: La dama duende (1629) y Casa
con dos puertas, mala es de guardar (1629?). En ellas destacamos la utilización
de efectos de "apariencia", como el torno que permite ocultar a los
protagonistas de la primera. Entremezclados con esas chispeantes obras iba
estrenando algunos de sus dramas fundamentales, como El príncipe constante
(1629) y La devoción de la cruz (1623-1633), llenos de imágenes y dinamismo,
que le acercan al concepto de comedia de aventuras, y el complejo drama La
cisma de Inglaterra (1627?), increíble compendio -por la edad del autor- de
ciencia política en torno a la figura del rey inglés Enrique VIII.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Calderón fue alternando comedias
divertidas, como El astrólogo fingido (1632) o No hay burlas con el amor (1635)
con algunos de sus dramas fundamentales, como La vida es sueño (1635), El
médico de su honra (1635), Los cabellos de Absalón (1639?) y El alcalde de
Zalamea (1640?). Esta va a ser una línea constante en la producción del poeta,
al menos hasta su ordenación en 1651. A partir de ahí, y, sobre todo, de su
encuentro con Baccio del Bianco en ese mismo año, vamos a encontrarnos con el
Calderón espectacular, quizá más cercano a los ambientes cortesanos que a los populares,
organizador de espectáculos y empresario de sus mismas producciones. Es el
Calderón de La fiera, el rayo y la piedra (1652), El laurel de Apolo (1658),
quizá la primera zarzuela española como tal, Celos aún del aire matan (1660),
Eco y Narciso (1661), El Faetonte (1661), Fieras afemina amor (1670), La vida
es sueño (auto, 1673), El pastor Fido (auto, 1670), y Hado y divisa de Leónido
y Marfisa, representada en 1680, un año antes de su muerte.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Francisco de Rojas Zorrilla </span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">(1607-1648) fue otro notable poeta de la
primera mitad del siglo XVII, celebrado en corrales y entre colegas, aunque no
pudo dejar a un lado cierta fama de personaje siniestro quizá por su poco
afortunada fisonomía. La creación de sus personajes y la delimitación de sus
tramas lo hizo modelo del buen componer. Comedias como Don Lucas del Cigarral o
Entre bobos ' anda el juego, Abre el ojo u Obligadosy ofendidosy Gorrón de
Salamanca demuestran una gran habilidad de comediógrafo, aunque también cultivó
la obra hagiográfica (Nuestra Señora de Atocha), el auto (El Hércules), el
género trágico (Del rey abajo, ninguno o García del Castañar) y la tragicomedia
(Los bandos de Verona).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Agustín Moreto </span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">(1618-1669) queda como uno de los más celebrados
poetas de la segunda mitad del siglo XVII, cuya presencia en los escenarios se
prolongó bastantes años después de muerto, dadas sus continuas reposiciones. Su
aparición, cuando la comedia ya había Llegado a su momento de mayor desarrollo,
lo lleva a matizar el género con delicados perfiles. Conoce a fondo la escena,
dialoga con enorme precisión, y, sobre todo, expone con notoria claridad sus
argumentos. Por algo Bances Candamo llamó a este tipo de comedias, "de
fábrica". Aporta caracteres de lo más peculiar y variado, como en El lindo
don Diego (1662?), El desdén con el desdén (1652-1654), No puede ser
(1654-1660) o Industria contra finezas. En el género hagiográfico señalamos El
mar ilustre francés, San Bernardo, junto a La vida de San Alejo y San Franco de
Sena (1651?).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Francisco de Bances Candamo </span></b><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">(1662-1704) llega a la escena una vez
cumplido casi totalmente el gran ciclo dramático del Siglo de Oro. Estrena en
el Coliseo del Buen Retiro y en los corrales. Siendo interesantes sus comedias
(Por su Beyy por su dama, Cómo se curan los celos y Duelos de ingenioy amor),
se distinguió por su visión del espectáculo teatral, al que sirve desde
complicadas tramoyas. Su teoría escénica la recoge en Theatro de los theatros
de los passadosy presentes siglos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> (Bances
Candamo, Theatro de los theatros.)<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"> El
primer instinto del poeta es la imitación, y el intento principal de la comedia
imitar, y conviénele la misma definición que da el filósofo a la tragedia, que
es una imitación severa que imita, y representa, alguna acción cabal y de
cantidad perfecta cuya locución sea agradable y diversa en diversos lugares,
introduciendo para la narración varios personajes. Estas se escriben de lo que
suceden, o de lo que puede suceder, poniéndolo verosímil. Dividirémoslas sólo
en dos clases: amatorias [...] que son pura invención o idea sin fundamento en
la verdad, se dividen en las que llaman de capa y espada...</span></i><span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Otros autores de notable calidad,
aunque ensombrecidos por la categoría de los más conocidos, son:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Diego Jiménez de Enciso
(1585-1634) (La mayor hazaña de Carlos V, El encubierto, El principe don
Carlos)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Luis Belmonte Bermúdez
(1587-1650?) (La regenerada de Valladolid, El principe perseguido -en
colaboración con Moreto y Martínez de Meneses)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Felipe Godínez (1588-1639?) (Los
trabajos de Job, O el fraile ha de ser ladrón, o el ladrón ha de ser fraile,
Aun de noche alumbra el sol)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Álvaro Cubillo de Aragón
(1596?-1661) (Auto del Santísimo Sacramento de la muerte de Frislún, Las
muñecas de Marcela, La mayor venganza de honor)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Damián Salucio del Poyo
(1550?-1614) (La viday muerte de Judas, La próspera fortuna, Privanza y caída
de Don Alvaro de Luna)<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="ES" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES;">Andrés de Claramonte (?-1626) (El
horno de Constantinopla, El nuevo rey Gallinato, Deste agua no beberé, además
de la insistente atribución de La estrella de Sevilla, incluso de El Burlador
de Sevilla).<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-56785542404832983472017-10-18T23:51:00.000-04:002017-10-18T23:51:18.531-04:00Comedia renacentista y commedia dell'arte<div align="center" class="MsoTitle" style="text-align: center;">
<b><span style="background: white; font-size: 20.0pt; mso-bidi-font-size: 28.0pt;">Comedia renacentista y commedia dell'arte</span></b><b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 8.0pt; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: -18pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-language: ES-DO;">1.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]-->Comedia renacentista italiana<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: -18pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-language: ES-DO;">2.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]-->Principales obras y autores<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: -18pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-language: ES-DO;">3.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]-->Características de la “Commedia dell’arte”<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: -18pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-language: ES-DO;">4.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]-->Técnica y estructura<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="line-height: normal; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: justify; text-indent: -18pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-language: ES-DO;">5.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]-->Personajes y máscaras<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 12pt; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b>1. COMEDIA
RENACENTISTA ITALIANA</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
El desarrollo del teatro en la Italia del siglo XVI
se produce dentro de un medio político dividido, fragmentado, que, en contra de
lo que sucederá en países como Inglaterra, España o Francia, que basan su
desarrollo cultural en un centralismo más o menos camuflado, caracteriza la
comedia renacentista desde los distintos sectores regionales y dialectos que la
constituyen.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Vimos en el capítulo anterior que más que en
justificaciones preceptistas, hay que entender el teatro del Renacimiento como
la expresión de un nuevo sistema de ideas, las cuales buscaron su acomodo en
los escenarios con las novedades de rigor. De esta manera, sus principales
autores no tuvieron especial empeño en desdecir las teorías aristotélicas, sino
que pusieron en los escenarios un moderno sentido de la moral de su clase
social.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Ello los condujo a la adopción del formato de la
comedia, con lo que iniciaron la transgresión genérica clásica. Dejaron a un
lado, para otro momento, la categoría de la tragedia, con el fin de descender a
la cordialidad de la comedia, en la cual podían tratar con mayor libertad los
problemas de la clase media que representan.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
La comedia italiana surge cuando dos vectores
culturales se conciben y funden: uno, la idea de restaurar las formas clásicas
escénicas, como consecuencia del humanismo imperante; otro, el deseo de hacer
evolucionar el espectáculo escénico dentro de evidentes cánones populares, en
donde se prefieren los perfiles cómicos a los trágicos.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
De ahí surge un tipo de obra cuya estructura está
relacionada con la comedia latina, más como lógica continuación clasicista que
como subordinación a las preceptivas, pues éstas aparecen hacia la mitad del
siglo, justamente cuando la comedia renacentista alcanzaba su máximo
desarrollo.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Las cinco características jornadas clásicas
responden con exactitud al ritmo de la acción. Desde la primera, que explica
los antecedentes de la trama, a la quinta y última, que contiene su deselance,
los actos se corresponden con los episodios, cuyo transcurso se verifica
momento a momento; es decir, un seguimiento de la acción, al modo de Plauto,
pero más recargado de elementos novelescos, en donde la referencia de Boccaccio
aparece como gran telón de fondo.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Los temas y personajes del Decamerón, adaptados al
siglo XVI, son seguidos por los dramaturgos de entonces, haciendo del escenario
un reflejo de los modos de vida y un ejemplo de las buenas costumbres.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
De las buenas y, sobre todo, de las malas. Lo cual
configura un tejido teatral satírico, moralista y a la vez espectacular, que
sólo avanzando el siglo adquirirá tonos más melodramáticos. La comedia viene a
ser, en este sentido, un documento social de primera magnitud, hecho desde los
cánones burgueses propios del momento.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
La comedia renacentista italiana sigue las unidades
clásicas de lugar y tiempo. La primera va apoyada en el espacio escénico que
para tal género propuso Vitruvio («habitaciones privadas con balcones y vistas
que representan hileras de ventanas»).<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
En cambio la unidad de acción se complica con
ingredientes inesperados, tal y como ocurría en Plauto, lo que dota al
argumento de intrincados y no siempre lógicos vericuetos por donde transcurren
los acontecimientos.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Ese aspecto fantástico se complementa con rasgos
plenamente realistas, como es el uso de los dialectos, que abre mayores cauces
de comprensión entre escenario y público, y, sobre todo, la utilización de la
prosa, que, siguiendo el citado modelo boccacciano, naturaliza la expresión
oral de los personajes.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Esto no es óbice para que, a veces, se intentase el
uso del endecasílabo. También en el dramatis personae de estas obras
encontramos una galería de tipos de marcado acento realista, algunos de los
cuales pasarán a engrosar las filas de la commedia dell'arte: criados, jóvenes
enamorados, cortesanas, padres severos, soldados, rufianes, campesinos
incultos, incluso figuras singulares, como el pedante, afirman nuevamente el
paradigma boccacciano de donde salieron.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Las novedades más importantes, respecto de la
comedia clásica, pueden estar en la entidad del prólogo. Entre el modelo
plautino, lleno de información, y el terenciano, con sus notas polémicas
propias de los ambientes teatrales, los nuevos prólogos se acercan más a la
segunda modalidad, aportando a la vez el satírico tono decameroniano y el más
divertido y directo del antiguo juglar.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 12.0pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b>2. PRINCIPALES OBRAS Y AUTORES</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Aunque a finales del siglo XV se estrenaron
bastantes comedias enmarcadas en el moderno sentido humanístico, no pocos
historiadores hacen coincidir la presentación de La Corsaria de Ariosto (5 de
marzo de 1508), en el Palacio Ducale de Ferrara, con el nacimiento de dicho
género.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Pero quizá ningún espectáculo de la modernidad y
espíritu innovador de La Calandria, escrito por el futuro cardenal toscano
Bernardo Dovici de Bibbiena (1470-1520), que tuvo lugar en Urbino (febrero de
1513).<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Es la primera vez que se conocía la escena a vista,
corpórea, y con relieves. Los Menecmos, en adaptación libre representada en
Ferrara, localiza la acción en Roma, pero alude a los orígenes plautianos de
Modena.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
La obra utiliza levemente la línea argumental de
los mellizos separados desde la infancia. Aunque carece de la línea estructural
de la comedia maquiaveliana, sí abunda en rasgos eróticos, incluso inmorales, y
sorprendentes efectos escénicos. Fue muy representada en su momento.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Podemos hablar de una primera generación de textos
de comedias debidos a los tres grandes autores de la primera mitad del siglo
XVI, <b>Machiavelli</b>, <b>Ariosto</b> y <b>Aretino</b>, seguidos de una
pléyade de obras y autores que se internan en la segunda mitad con total
aceptación.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b>Machiavelli</b>
(1469-1527), con La Mandragora (1518) y Clizia (1525), además de otras
traducciones y obras quizá perdidas, constituye un modelo de la comedia
renacentista, que, dentro de los parámetros del género en ese periodo, plantea
situaciones hasta el momento desconocidas en los escenarios. El argumento
Mandragora es el siguiente:<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
El joven Calímaco está enamorado de Lucrecia,
casada con Nicias, hombre recto y juicioso, aunque un poco simple y mucho mayor
en edad que su esposa.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
El matrimonio tiene el problema de la falta de
hijos, sobre lo que el malicioso Ligurio va a aconsejar que el marido vaya a
tomar unos baños.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
La trama consiste en llevar a Calímaco hasta el
lecho de Lucrecia, aunque, eso sí, dentro de la mayor legalidad.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Para ello idearán un oportuno engaño, en donde el
joven amante se hará pasar por médico, que precisamente utilizará mandrágoras
para sus remedios.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Además de la treta, deberán convencer, sin
demasiado esfuerzo, a la madre de la esposa y a Fray Timoteo, que verá con
buenos ojos «la obra de caridad» a cambio de una suculenta limosna.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
En este esquema se pueden advertir, pues, temas tan
renacentistas como la libertad del amor, rompiendo barreras, moralizando bajo
una sólida y divertida norma. Si bien todo ello refleja su procedencia clásica,
remueve el sistema dramático modernizándolo hasta extremos insospechados.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b>Ariosto</b>
(1474-1533), además de su personalidad de poeta de gran renombre, escribió para
la escena obras muy estimadas y representadas en su momento: Arquilla, Los
supuestos, El nigromante, El lector de libros prohibidos, La alcahueta y Los
estudiantes, entre otras.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
El tercer gran dramaturgo de este periodo es <b>Aretino</b>
(1492-1557), con textos como La Cortesana, Atalanta, El hipócrita -posible
precedente del Tartufo molieresco - y Marescalco.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Los autores y obras más representadas de la comedia
italiana siguen, por regla general, la influencia de La Mandrágora, cuyo modelo
permanece durante tiempo.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b>3. ORÍGENES DE LA ”COMMEDIA DELL'ARTE”</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Siguiendo por las tendencias populares del mimo
latino y de los jaculatori, que tuvieron cierto arraigo en las farsas de las
Sacras Representaciones, la comedia se apoyaba cada vez más en el movimiento,
la burla y la improvisación.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
De la comedia pastoril surgieron temas campesinos
en donde el actor tenía absoluta libertad tanto para su interpretación como
para amoldar los textos de las obras a su propio lenguaje.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Estamos en un momento en que la literatura deja
paso a la improvisación escénica, dentro de una significativa tendencia
popular.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Y es entonces cuando el poder catalizador del
artista creador define unas líneas que tendrán desarrollo espectacular en los
siglos XVII y XVIII. Angelo Beolco (1502-1542), llamado <b>Ruzante</b>, da sus
primeras representaciones en la Venecia de 1520, con su pequeño grupo que,
procedente de Papua, se introduce en círculos humanistas actuando en palacios
de los grandes del lugar.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
En 1529 era contratado por el mismo Duque Ercole
d'Este para representar en Ferrara. Beolco es un típico representante del
teatro renacentista, con labor literaria propia de la comedia humanista, que
sigue dividiendo las obras en los tradicionales cinco actos, y un trabajo
práctico que sirve de lanzamiento de lo que después se llamaría commedia
dell'arte.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Tan precisa denominación no se dio hasta el siglo
XVIII, justamente cuando la principal característica del género, la
improvisación, había dejado de existir.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
La creación del personaje de Ruzante por parte de
Beolco, tipo por el que se le conocería en todos los escenarios, define a las
claras sus logros artísticos: destaca el peculiar carácter campesino, en donde
junto al lirismo de su origen se confunde el ingenio y malicia del hombre que
tiene que sobrevivir en un medio urbano hostil.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Para determinar el origen de la commedia dell'arte
se ha echado en falta una precisa documentación.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
No obstante, el descubrimiento de buena cantidad de
canovacci, guiones o esquemas de la acción sobre los que improvisaban los
actores -auténticos núcleos de las obras -, fue facilitando la ordenación e
interpretación de los primitivos materiales sobre los que construir la génesis
de estas comedias.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Por ejemplo, los cincuenta publicados por Flaminio
Scala, en 1611, los recopilados por Antonio Passanti en 1699, el manuscrito de
Biancolelli o el zibaldone (un texto más abajo en verde) del padre Placido
Adriani.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Alguno de esos canovacci aparecen repetidos o
transformados en siglos posteriores. En cualquier caso, esos materiales no
indican puras improvisaciones, sino que, a veces, están repletos de diálogos
muy precisos y acabados. Más adelante trataremos de la naturaleza de estas
obras.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Placido Adriani es autor del manuscrito de un
zibaldone (1734), recopilación de prólogos, intermedios, canciones, lazzi, escenas
napolitanas, sonetos, fantasías, enigmas, recitativos, arias, saludos..., toda
suerte de piezas de muy diversos y anónimos autores, con las que se puede
formar un repertorio de commedia dell'arte: ese zibaldone, conocido como el de
Perugia, por encontrarse en su Biblioteca, dispone de 22 scenari o argumentos
para espectáculos. Del núm. 13, titulado La piedra encantada, seleccionamos las
escenas 8 a la 15 del primer acto. Las transcribimos tal y como aparecen en el
original:<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
<b>Escena 8. Coviello, Valerio</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Coviello anuncia al llegar que ya se ha enterado
dónde está la casa de Trápola. - Valerio: así, podrá llevarse a Checca a la
fuerza. - Coviello: en esto es más necesario ser prudente que audaz: que le
deje el encargo de este asunto. - Valerio: quiero al menos verla. - Coviello:
ahora es el momento, porque Trápola ha salido y Coviello llama.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
<b>Escena 9. Dichos y Checca</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Checca en la ventana; su propia escena es:<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
El hombre. - ¡Mi bien! La mujer. - ! Mi tirano! H.
- Al menos...<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
M. -Frena la lengua. H. - Escucha mi justificación.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
M. -Tus palabras son sortilegios.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
H. -¿Tan severa?<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
M. -Tan compasiva como él.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
H. -¡Oh, abismo de miserias!<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
M. -¡Oh, locura de idiota!<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
H. -¡Oh, exceso de amor!<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
M. -¡Oh, aburrimiento infinito!<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
H. -Porque te he amado, la muerte me será querida.
M. -Porque te he escuchado, la vida me es odiosa. H. -Me voy, pues, a morir.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
M. -Me voy para no verte más.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
A continuación, sin dejarle hablar, ella le cierra
la puerta en las narices y se retira. Valerio hace su escena de bruto; por otra
parte, no sabe por qué ha cambiado ella; quiere matarse. Coviello lo detiene,
lo consuela; le dice que le deje hacer, que él se la conseguirá. Valerio,
volviendo a tener esperanza, se va; Coviello se queda.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
<b>Escena 10. Dicho, Pulcinella</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Pulcinella llega diciendo que quiere saber lo que
ha hecho el mago. Ve a Coviello y le pregunta si le ha hablado ya. Este le dice
que sí, pero que hacen falta diez escudos que servirán para manipular la piedra
llamada heliotropo, que vuelve invisible a la gente; y que así él mismo,
teniendo esa piedra, podrá, sin ser visto, entrar en casa de Bianchetta y hacer
lo que quiera. Pulcinella, feliz, le da el dinero. Coviello dice que llega el
mago.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
<b>Escena 11. Dichos, Trápola</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Trápola en la calle. Coviello le dice: «Has llegado
a tiempo, amigo mío»; y añade que Pulcinella es el enamorado de Bianchetta y
que ha desembolsado ya diez escudos para la manipulación de la piedra.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Trápola: lo tiene todo listo para engañarlo; a
continuación entra en la casa. Pulcinella le pregunta a Coviello qué ha ido a
hacer el mago.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Coviello: coge la piedra. Pulcinella hace sus 1a2
de alegría.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Trápola vuelve con una piedra grande (como piedra,
se coge una caja grande y se pinta de color piedra).<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Trápola: en media hora, la piedra tendrá toda su
virtud de hacerlo invisible.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Pulcinella, contento, la coge y le da las gracias,
y se va satisfecho. Coviello y Trápola se reparten el dinero; después, Trápola
va a su casa; Coviello se va a buscar a su amo.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
<b>Escena 12. Valerio</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Ansioso por saber lo que ha hecho Coviello;
mientras espera, quiere informarse por Bianchetta sobre Checca; llama.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
<b>Escena 13. Dicho, Bianchetta</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Bianchetta en la ventana. Valerio la saluda; ella
le contesta. El pide noticias sobre la mujer llamada Checca.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Bianchetta: al contrario que las demás mujeres,
ella no se asoma nunca a la ventana.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
<b>Escena 14. Dichos, Coviello</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Coviello, sin aliento, buscándolo. Manda a la mujer
a su casa; dice que debe comunicarle una cosa que le interesa y que le es útil;
pero, al ver venir a Pulcinella, ruega a su amo que finja no verlo -enseguida,
se lo dirá todo - y que finjan luchar a bastonazos, que golpeen a Pulcinella.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
<b>Escena 15. Dichos, Pulcinella</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 56.25pt; margin-right: 57.0pt; margin-top: 0cm;">
Pulcinella con la piedra. Ellos fingen no verlo y
dan una tunda a Pulcinella; y, con la caída de Pulcinella, fin.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Al aceptar, en líneas generales, que las fuentes de
la commedia dell'arte están en el mismo teatro, otra serie de elementos
componen y matizan las primeras noticias que existen sobre su carácter
específico. Son éstos: los dibujos que ilustran viejos libritos, las
escenografías y los centones hallados de ese periodo inicial.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Centón es una especie de breve texto redactado por
un actor, que contiene todo un repertorio de pequeños diálogos, monólogos,
acciones de humor prefijadas (lazzi), a la vez que ciertas notas documentales y
legales. El propio Goldoni hablará de ellos dos siglos después, y del interés
de los que pudo cotejar en su juventud, merced a viejos comediantes.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Tres son las principales hipótesis sobre la
presencia de tan singular género. La primera es la basada en el elemento
regional. Es una evolución de las formas populares del teatro latino, como el
mimo y los jaculatori. La segunda se apoya en el elemento carnavalesco; en este
sentido, las máscaras sugerirían la procedencia de la fiesta de Carnaval, junto
a las celebraciones rituales que en ella concurren. La tercera vendría como
simple transformación de la comedia latina; lo que Sanesi llamó la
vulgarización de la comedia de Plauto y Terencio, teoría poco aceptada en la
actualidad.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b>4. CARACTERÍSTICAS DE LA “COMMEDIA DELL'ARTE”</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
De cada una de las anteriores hipótesis, sean o no
ciertas en toda su extensión, surgen otras tantas características fundamentales
de la commedia dell'arte:<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 53.25pt; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo4; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-size: 10pt;">1.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b>Tipificación
dialectal. </b>Los actores interpretaban aportando
todo un bagaje de conocimientos y saber popular, en donde el idioma jugaba
principal papel. La vieja división regional italiana, que origina toda una rica
variedad dialectal, es, así, aportada a este tipo de comedia popular. La
tradición, y la lengua, marcan la procedencia bergamasca de Arlequín y
Brighella, el origen napolitano de Pulcinella, la ascendencia veneciana de
Pantalón o la boloñesa del Doctor. De esta manera, los actores fueron
especializándose en cada uno de estos tipos, funcionando sus rasgos localistas
como inspiradas notas de humor.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 53.25pt; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo4; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-size: 10pt;">2.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b>Caracterización
del personaje. </b>Cada uno de los más importantes tipos
de la commedia dell'arte tiene su máscara, que ha ido conformándose a lo largo
del tiempo. Tales máscaras, cuyos orígenes pueden remontarse a las del más
primitivo teatro latino, definen nítidamente en su elemento carnavalesco la
entidad de cada personaje. Habría que añadir en este punto la propia
personalidad del vestuario, los anteriores rasgos dialectales y la entidad
definidora de cada uno: glotonería, desconfianza, pusilanimidad,
concupiscencia, etc.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 53.25pt; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo4; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-size: 10pt;">3.<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b>Improvisación</b>. Aunque ya existían improvisaciones en las
atelanas y mimos, los actores de la commedia dell'arte lo hacían sobre esquemas
o argumentos predeterminados en los canovacci. Muchos de ellos procedían de
textos antiguos, adoptando sus tramas en beneficio de las nuevas formas
imperantes en la escena renacentista. Al fondo del tablado, tras el foro, se
colocaba un libreto en donde los actores cotejaban las entradas y salidas que
debían efectuar, aunque los diálogos podrían variar o evolucionar según la
habilidad o inspiración de los cómicos.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Junto a estas características, se han señalado
otros elementos que definen, asimismo, el género.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Tales elementos surgen de la propia vitalidad del
teatro de la época y de su esplendor. Entonces, el arte dramático estaba
necesitado de una dedicación total por parte de sus integrantes.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Estos empezaron a agruparse en torno a compañías
("Los fieles", "Los confidentes", "Los celosos",
"Los deseosos", etc.), haciendo de su trabajo una profesión estable.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Ello facilitó el conocimiento y fama de los
principales intérpretes, cuya presencia en los escenarios era celebrada por el
público.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Los espectadores llegaron a identificar al actor
con su máscara, y se regocijaban con las típicas ocurrencias de tan
experimentados comediantes.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
En situaciones de plena lucidez, un intérprete
inspirado modificaba su actuación, añadiendo recursos propios e inconfundibles.
Eran los <b>lazzi</b>: unas escenas más o menos breves, siempre de tono
humorístico y jocosos, que con o sin palabras se improvisaban en momentos
determinados.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Dichos lazzi, definidos a veces como "pasajes
de bravura", contenían todo tipo de recursos propios del actor: el canto,
la acrobacia o la expresión corporal.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Se han llegado a delimitar algunos de tales lazzi,
se han estudiado los más celebrados por el público, como el de la pulga o la
mosca cazada, la merienda de cerezas cuyos huesos se tiran hacia otro
personaje, el atranque repetido de un personaje en determinada palabra, los
criados atados por la espalda que comen del mismo plato, etc.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Estos elementos proporcionan un gran dinamismo a
las representaciones, lo que configura un espectacular movimiento general en
dichas comedias, con abundantes entradas y salidas, caídas, golpes, equívocos y
engaños.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Por otra parte, el éxito de estas obras hacía que
el público de una misma ciudad quisiera ver un amplio repertorio, trabajo hasta
cierto punto imposible, a no ser que se utilizaran variaciones sobre el mismo
tema, cosa habitual en la commedia dell'arte.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
La necesidad de efectuar giras, llevando modestos
decorados, y la obligación de sostener repertorios, obligaba a memorizar más
argumentos que diálogos, los cuales irían surgiendo del ingenio del actor.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 12.0pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b>5. TÉCNICA Y ESTRUCTURA</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Este entramado de elementos se conjugaba en la
representación, para la que existía un orden determinado, pese al carácter
improvisador del género. Las compañías tenían una especie de director de escena
que, pese a dejar cierta libertad de movimientos, creaba un sistema de
ejecución que venía fielmente reflejado en un libreto que estaba situado al
fondo del escenario.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Ese director, denominado concertadore, o corago, o
capocomico, era también uno de los intérpretes, generalmente el principal.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Al comienzo de la representación solía salir al
extremo del tablado, junto con su elenco, y explicaba el argumento de la
representación, con indicación de alguna novedad escenotécnica o de simple
atrezzo, pasando inmediatamente a la actuación.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Tras ese prólogo, se desarrollaba la trama,
generalmente en tres actos, con sus intermedios, llenos de música, danza,
acrobacias, canciones, mimo y todos los recursos imaginables en actores de
tanta pericia.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
A grandes rasgos, toda comedia dell'arte está
compuesta por una intriga que se enreda y desenreda sucesivamente, gracias a
raptos, engaños, peleas, brotes de locura, palizas, duelos y todo aquello que
más pudiera deleitar al público.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Las obras se basaban en un canovaccio, que da
origen a espectáculos sumamente irregulares, con momentos en donde prima la
palabra junto a otros de música, canciones y bailes. Todo unificado gracias al
arte del actor, que puede romper el propio discurso textual con los citados lazzi.
Uno de esos canovacci podría ser así de sencillo:<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Sale
a escena un rico veneciano y alaba las alegrías del amor.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Recibe
una carta que le arranca momentáneamente del lado de la hermosa cortesana.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Pantalón
y su criado Zanni cortejan a la abandonada.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Un
noble español aparece como el rival más privilegiado.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Escenas
de confusiones y palizas, serenatas mal dirigidas, batallas quijotescas se
atropellan entre sí.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Al
final hay una pacífica reconciliación, y actores y espectadores se unen en un
baile italiano.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Los temas de las comedias tenían evidentes
identidades. Aunque toman del clasicismo el eje amoroso que sirve para engarzar
cualquier historia, participan también de casi todos los géneros dramáticos
utilizados hasta la fecha: desde la tragedia a la simple comedia, pasando por
la tragicomedia y la comedia pastoril.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Todos con una clara desconexión con el realismo, al
que se acude tan sólo para connotar circunstancias de actualidad.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Las compañías estaban formadas por unos diez o doce
actores, a los que podían unirse comparsas del mismo pueblo o ciudad en donde
representaban.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Dichos actores, como hemos indicado, disponían de
un amplio margen para la improvisación, pero también estudiaban sus trabajos
con todo rigor, ejercitándose en todas y cada una de las artes que debían
manejar.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Existía la tradición del paso de papeles de padres
a hijos, o de maestro a discípulo; quienes representaban a Arlequín, Brighella
o Pantalón lo hacían de por vida, en una continua experimentación del mismo
personaje. De ahí que tales tipos no tengan edad o, mejor dicho, tengan la del
actor que los acoge. En este sentido, la máscara no sólo no es condicionante,
por cuanto apenas deja ver más que una porción del rostro, sino que forma parte
del actor y del personaje.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Empieza donde empieza el personaje y acaba donde lo
hace el actor. Es un material integrador de dos entes distintos que se unen en
uno solo cuando se instala en un único rostro.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: 12.0pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<b>6. PERSONAJES Y MÁSCARAS</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Como se puede deducir, cada actor de la commedia
dell'arte constituía un personaje; y cada uno de ellos estaba caracterizado por
una máscara.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
El estudio de éstas nos transporta necesariamente
al de los mismos personajes, y éstos a aquéllas. El conjunto forma una galería
de arquetipos, enormemente codificados, con unas características propias e
intransferibles que constituyen el conocido elenco de la commedia dell'arte.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Tres categorías se pueden clasificar en primera
instancia: los criados, los amos y los amantes.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo3; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b>Los
criados</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
El
origen del criado es común en todos sus tipos: un campesino pobre que llega a
la ciudad y desarrolla su ingenio para remediar el hambre, al tiempo que vive
determinadas aventuras, generalmente con un amo ocasional. Es el perfil de los
zanni (criados), cuya procedencia rural puede justificar su etimología: zan,
sanni, quizá diminutivo o despectivo de Giovanni.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
El más
famoso de los zanni es <b>Arlequín</b>, astuto y necio criado originario de Bergamo,
al tiempo que ingenuo e intrigante, más indolente que trabajador. Su pobre
aspecto caracteriza el vestuario, lleno de parches y remiendos, que sólo
tardíamente se sofistican en el conocido e impropio traje de rombos. Su astucia
se plasma en el trabajo de servir a más de un amo a la vez, y cobrar, pues, más
de un salario; y su necedad, en el aceptar recibir sin rechistar algo más que
dinero: golpes. La máscara de Arlequín está caracterizada por ser de cuero
negro y llevar unos grandes bigotes. La evolución del personaje en la escena
francesa hizo que desaparecieran dichos bigotes.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
El más
popular compañero de Arlequín es <b>Brighella</b>, otro zanno bergamasco, con
nombre que puede proceder de briga, del italiano brigare, engañar. Bastante
similar en todo a su compañero, es mejor consejero que aquél, aunque más
tentado por el vicio. Es capaz de ofrecer a su hermana al mejor postor, burlándose
al mismo tiempo sin piedad de los viejos, para lo que enfatiza su ronca voz. Va
vestido de blanco, con adornos verdes. Su máscara, llena de ironía, está
rematada por una especie de boina.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l3 level1 lfo2; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b>Polichinela</b> (Pulcinella), de origen napolitano, define su fisonomía
por su estupenda joroba y traje blanco. Es un criado filósofo, resignado a su
suerte, que no es otra que pasar hambre y sufrir burlas. Tales desgracias las
vence cantando. Su máscara es negra, y en ella sobresale una importante nariz
de gancho. El aspecto y movimiento hicieron fácilmente mudable su persona en
marioneta, modalidad que se presenta con harta frecuencia. Su gramática parda
lo hace idóneo para animar fiestas locales, haciendo gala de un notable sentido
crítico para la política. Su evolución más notoria ocurre en Lyon, en donde se
bautiza con el conocido nombre de Monsieur Guignol.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
Otros
criados que tienen presencia continua en la commedia dell'arte, a veces con
espectaculares papeles y máscaras, son Pedrolino, Truffaldino, Scapino, Sganarello,
Ganassa, Tartaglia, etc.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
En
mujer, el tipo de criada de <b>Colombina</b> ha sido, a la vez que compañera de
Arlequín, la chica pretendida por el amo, viejo que cree ver en su coquetería
una esperanza a sus devaneos. Otras criadas significativas en el género son
Coralina, Esmeraldina y Pasquetta. En definitiva, contraposiciones femeninas
del zanno, la zagna, cuya representante por antonomasia sería Francisquita.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l3 level1 lfo2; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b>Los
amos</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
En este
campo situamos en primer lugar a <b>Pantalón</b>, rico y viejo comerciante veneciano,
que en su origen era llamado Magnífico. Algo tacaño, desconfiado y libidinoso,
tiene hija casadera, que representará a uno de los enamorados. En cualquier
aventura que acometa irá siempre acompañado por un zanno, que lo introduce en
peligros para él insospechados. Lleva una gran capa negra que cubre un largo
jubón encarnado. En su máscara, también negra, destaca una perilla de chivo
blanca, junto a una enorme nariz ganchuda.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l3 level1 lfo2; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]-->El <b>Doctor</b>
es de Bolonia, de cuya universidad dice proceder, aunque su supina ignorancia
caracterice otra cosa. Tal ignorancia la denota a cada instante, con una
peculiar habla, en donde mezcla su origen boloñés con un divertido latín
macarrónico. Lo confunde todo a cada instante, siendo su lógica tan aplastante
que es capaz de decir: "Lo que no es verdad es simplemente mentira."
Viene a ser, por consiguiente, el rasgo crítico al humanismo, del que se
despegan estas comedias. Viste de negro, con un amplio lechuguino blanco que
circunda su cuello, casquete también negro, y, sobre él, un enorme sombrero de
alas anchísimas. Su máscara es una prolongación de la de Pantalón, su verdadero
complemento.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
En el
Doctor, mayor importancia tiene la significación de sus textos que la de sus
gestos.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l3 level1 lfo2; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]-->El <b>Capitán</b>
no es exactamente amo, pero tampoco criado, y de enamorado sólo tiene la
pretensión. Sin embargo, ocupa el tercer vértice del triángulo satírico del
poder que establece la commedia dell'arte.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
Si
Pantalón representaba el económico, y el Doctor el intelectual, el Capitán
personifica el poder militar.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
De ahí
que esté mejor relacionarlo con los amos o poderosos que con los criados, a los
que achanta y humilla como campesinos que son.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
El
Capitán puede apellidarse Spavento, Scaramuccia, Matamoros, Brandimarte,
Basilisco, Martebellonio, Spaccamonti o Fracassa.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
Es un
tipo muy característico, procedente del sentir crítico italiano sobre la
presencia militar española en sus tierras. En efecto, el Capitán es español, a
la vez que fanfarrón, pusilánime y cobarde: el tradicional Miles gloriosus.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
Habla
por los codos, y sus continuas bravatas, que lo caracterizan como el terror de
los lugareños, se convierten en duelos imposibles. Su vestuario es el
característico del oficial español del siglo XVI, con sombrero de plumas,
exagerado espadón y voz profunda y sobrecogedora.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
Callot
lo describe con pintorescas máscaras, pero Bellemore lo interpreta sin ellas en
el Hôtel de Bourgogne, hacia 1672, según litografía de Lauglumé.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto; mso-list: l3 level1 lfo2; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span style="font-family: Symbol; font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Symbol; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-fareast-font-family: Symbol; mso-fareast-language: ES-DO;">·<span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; font-variant-numeric: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><b>Los
enamorados</b><span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
El
grupo de los enamorados (innamorati) está formado por una pareja de jóvenes,
que suelen ser hijo o hija de Pantalón y del Doctor o viceversa. Llevan nombres
tan bucólicos como Rosana y Florindo, Isabel y Octavio, Angélica y Fabricio,
etc.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
Su
principal y casi exclusivo cometido en la comedia es amar y ser amados.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
También
las cortesanas aparecen cuando la acción lo precisa, jugando su tradicional
papel.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; mso-add-space: auto;">
Estos
personajes suelen ir sin máscara, al igual que sucediera con Colombina, como si
la procedencia petrarquista de los enamorados los dignificara frente a los
fantoches con los que conviven en los escenarios. El elemento crítico, por
consiguiente, está mucho más atenuado.<span style="font-size: 14.0pt; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-font-size: 12.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES-DO;"><o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal;">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-11011851031152609182017-10-13T00:39:00.004-04:002017-10-18T22:51:21.583-04:00El Renacimiento: el descubrimiento de Aristóteles y la escena moderna<div align="center" class="MsoNormal" style="mso-pagination: none; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="mso-pagination: none; text-align: center;">
<a href="https://draft.blogger.com/null" name="bf3vvgeayuub"></a><b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 115%;">El Renacimiento: el descubrimiento
de Aristóteles y la escena moderna<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="margin-left: 72.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l1 level2 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">1.<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Teoría y
práctica teatrales en el Renacimiento<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 72.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l1 level2 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">2.<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Los nuevos
teatros<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpMiddle" style="margin-left: 72.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l1 level2 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">3.<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">El
espectáculo renacentista<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoListParagraphCxSpLast" style="margin-left: 72.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l1 level2 lfo3; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">4.<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;">
</span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Renacimiento,
¿arte minoritario o popular?<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">1- TEORÍA Y PRÁCTICA TEATRALES EN
EL RENACIMIENTO</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La
llegada de las teorías renacentistas al arte teatral, cabe situarla a finales
del siglo XV. Los textos de Aristóteles se conocían relativamente poco, sólo a
través de manuscritos, y fue en 1508 cuando aparecieron impresos r primera vez,
gracias a Aldo Manuzio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Los
nuevos eruditos humanistas, que buscaban el ideal clásico grecolatino en esas
teorizaciones, tuvieron que luchar contra la firmeza con que se mantenían las
libres experiencias que había supuesto el teatro medieval.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Gracias
al espíritu investigador que caracterizó los últimos años del Medioevo, al
terminar el siglo XV empezaron a desarrollarse los géneros dramáticos. De esta
manera, se conoció la comedia antigua mediante manuscritos de Plauto y
Terencio, e incluso la tragedia a través de Séneca. A partir de ese momento, el
teatro pasó a ser no sólo materia de estudio, sino de escenificación. Volvía a
cobrar el vigor y actualidad de antaño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Los
poetas, además de componer textos que seguían fielmente las unidades clásicas,
como Giangiorgio Trissino (1478-1550) y su Sofonisba (1515), acometían
quehaceres prácticos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
los seis libros del Arte poética de Trissino se advierten las inquietudes de un
hombre de la escena. Idéntica vocación profesional se percibe en Minturno
(?-1574) y L'arte poetica, en la que aparecen no pocas consideraciones
prácticas sobre la puesta en escena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"> <i>(Traducido por Cascales, en sus Tablas Poéticas.)<o:p></o:p></i></span></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"> MINTURNO, L'arte Poetica<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"> La
poesía es imitación de las acciones y vida del hombre, bien sea su fin alegre,
o bien sea doloroso; que, como las costumbres, se dispongan bien o mal, y por
ellas nos juzgan por buenos o malos, agradables, soberbios, según es la
naturaleza y manera de cada uno; y por nuestras acciones venimos a ser felices
o infelices, y no nos ponemos a obrar por mostrar las costumbres; antes,
mostramos las costumbres en el obrar. Infiérese de aquí que las acciones y la
fábula, son el blanco de la poesía.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"> Y
más, que se puede hallar poesía que carezca de efectos y costumbres; pero que
carezca de acción, no jamás. Esto mismo acaece en la pintura. Que de Polignoto
se dice que pintaba maravillosamente los afectos; y de Zeuxis, que jamás pintó
cosa que en el semblante y colores significase la disposición del ánimo y las
costumbres.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"> Y
en tanto extremo la fábula y acciones son la mejor, parte de la poesía, que si
alguno imitase en su obra gallardamente las costumbres y las vistiese de
gravísimas sentencias y escogidísimas palabras, este tal, sin la imitación de
los hechos, no haría bien el oficio de poeta como el que fingiese y
constituyese bien la fábula, aunque se descuidase en la obligación de esas
otras partes requeridas.<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 49.5pt; margin-right: 63.75pt; margin-top: 0cm; mso-pagination: none;">
<i><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"> Porque
las palabras y semblantes significativos de lo que el. alma siente, quiere y
dispone, ¿qué otra cosa son, sino unas ropas con que se viste y compone la
fábula? Sin esto, ¿qué cosa deleita, mueve y maravilla más que los
reconocimientos y casos inopinados, partes de las fábula? ¿Y quién no sabe que
la invención de constituir y formar la fábula es primero que el ornamento de
las palabras e imitación de las costumbres?<o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Scaligero
(1484-1558), Segni (1504-1588), Cinthio (1504-1573), Castelvetro (1505-1571),
fueron otros humanistas que, apoyados con mayor o menor rigor en los
preceptistas grecolatinos, añadieron a veces curiosas matizaciones a los
incompletos tratados clásicos de los que partían.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">El
Concilio de Trento, con actas editadas en 1564, supuso un cierto freno a las
ideas de renovación que habían alcanzado las teorías escénicas. Sus dictámenes
afectaron a:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">la libertad de la poesía dramática, sobre todo la profana;</span><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">los límites de la ficción, es decir, el problema de la falsedad
literaria;</span><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">el desequilibrio entre verdad poética y verdad natural:</span><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l2 level1 lfo1; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">la cuestión de la verosimilitud.</span><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Estas
limitaciones tuvieron inmediata contestación en posturas como la de Giordano
Bruno (1548-1600), cuyas ideas fueron siempre contrarias a los criterios
tradicionales. Además de estrenar con éxito obras como El candelabro, su teoría
de la creación poética defiende la idea del genio creador.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La
poesía, según él, no era mantenida por las reglas, sino que éstas se derivan de
la poesía. El artista es, pues, el único autor de sus propias normas,
existiendo tantas como artistas, ya que la libertad del verdadero poeta obedece
a una necesidad interna.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Este
tipo de hombre de teatro renacentista proponía un concepto de puesta en escena
que, además de requerir gran destreza con los elementos visuales del
espectáculo, exigía un dominio y conocimiento total del texto literario, pues
su escenificación debía determinar los ejes de la acción principal, los
movimientos y, en definitiva, el orden de la ejecución de la obra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
este sentido es de destacar el arte del director de escena anónimo que
escribiera<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Il
corago, pues, además de notar la excelencia y versatilidad de la moderna
pintura frente a la fijeza de la escena clásica, trata de cuestiones tan
técnicas como la medida del discurso desde el escenario y las propias
obligaciones del corago.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Como
hemos comprobado en el capítulo anterior, el teatro en la Edad Media se
caracterizaba por no tener un espacio escénico., fijo. Si en su vertiente
profana apenas existía el concepto de escena. en la religiosa el teatro
centraba sus actividades a partir de la iglesia.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">No
obstante, las realizaciones populares de finales del siglo XV empezaron a tener
un cierto tufillo renovador al basarse en las inquietudes de una nueva y
pujante clase social, la burguesía, que iría desplazando en importancia
económica a la nobleza, debilitada por fin de la estructura feudal.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
este sentido, el citado Mícer Pathelin (1470) es todo un ejemplo de la
presencia social de la clase media: su corta galería de personajes procede casi
exclusivamente de la burguesía, ya que incluso el rústico pastor demuestra un
ingenio alejado de la inocencia medieval.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
Toscana, desde el siglo XV, había fiestas religiosas en torno a cofradías y
hermandades, que consistían en pequeñas escenificaciones de fragmentos de las
Sagradas Escrituras, o de vidas de santos hechas por jóvenes actores que
recitaban o gesticulaban tras largas prácticas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Estas,
llamadas Sacras Representaciones, contaban con un evidente tono popular dentro
de su espíritu religioso, pues sus fuentes no son otras que las laudes o cantos
religiosos, breves dramas llenos de poesía que pusieron en circulación los
discípulos de San Francisco por pueblos y aldeas (v. cap. 111, I1.2).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Las
Sacras Representaciones contaban con una estructura más sencilla que los
misterios franceses, mitad cortejo, mitad actuación, en donde junto a canciones
y bailes comenzaron a aparecer trucos escénicos al servicio de las batallas y
milagros que se contaban sobre los tablados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Esas
representaciones contenían suficientes elementos de farsa para, poco a poco,
concentrarse en pequeños núcleos de acción, en donde cada actor hablaría su
dialecto de origen. Se trazaba así el primer esquema de lo que algún tiempo
después sería la <b>commedia dell'arte.<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Mayor
incidencia para el teatro tendría el establecimiento de un lugar arquitectónico
determinado para su realización, como justa correspondencia entre nueva escena
y nuevo público.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Este
empezaba a exigir locales aptos para la contemplación escénica, al tiempo que
los artistas fueron reparando en que sus obras podían exhibirse en dichos
espacios, con la seguridad de interesar a esos nuevos espectadores, ansiosos de
noticias y aventuras escénicas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Los
condes principescos se transformaron en una magnífica síntesis de tragedia,
comedia y sátira, campo de experimentación de la perspectiva racional y de los
avances de la ingeniería mecánica aplicada al hecho teatral.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La
nueva escenotecnia fue capaz de reproducir fuerzas y fenómenos naturales en
aquellas salas cortesanas, paso previo hacia la configuración de los locales de
finales del siglo XVI, en donde el teatro terminará su configuración como
espectáculo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">2- LOS NUEVOS TEATROS<o:p></o:p></span></b></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Sabemos
que Alberti hizo para Nicolás V un theatrum en una sala del Vaticano, en 1452,
aunque los datos al respecto son muy escasos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
1486, el duque de Ferrara mandó construir un local para representaciones,
tomando como base el tratado de Vitruvio.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Esté
se había editado en latín en 1486, aunque se descubriera en 1414, y aportaba,
además de curiosas observaciones sobre una perspectiva aún no inventada, el uso
de artefactos escénicos, como los periactoi, y la tipologización de las tres
escenas clásicas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Ariosto,
en 1532, dispuso de un teatro para sus comedias, que el fuego destruyó al año
siguiente, sin dejar el menor rastro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
general, las noticias de la época nos revelan que los nobles y prelados del
siglo XV montaban teatros en sus propios palacios, y en espacios más o menos
adecuados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">El
cardenal Riario, en una representación al aire libre hacia 1485, dotó de
cuantos elementos fueran necesarios a la escena para que estuviera
convenientemente acondicionada. Se dice que fue la primera vez que hubo telones
pintados al fondo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">A
partir de 1580, Andrea <b>Palladio</b>
empezó la construcción de un teatro, que seria una réplica perfecta del
proyecto de <b>Vitruvio</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Este,
en su aproximación a la perspectiva, no pudo hablar de líneas de fuga, ni
siquiera del "ojo del espectador," tal y como el Renacimiento haría.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Pero
intuyó un "centro del círculo", al que debían obedecer todas las
líneas en proyección.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Años
antes, modestos teatros de madera habían servido de banco de pruebas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Tras
cinco años de obras, en 1585 se inauguraba el <b>Teatro Olímpico</b> de Vicenza, con Edipo Rey de Sófocles, con puesta
en escena de Ingegneri, y ciento ocho actores en el escenario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">El
proscenio era rectangular, elevado metro y medio sobre la antigua orchestra,
que separaba escenario y gradas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Tenia
una decoración fija con cinco entradas, tres al fondo y dos a los lados, cada
una de las cuales disponía de un forillo, auténtica vista de calle que se
introducía en el interior de la escena.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Un
anfiteatro semicircular con catorce escalones, y capacidad para tres mil
espectadores, estaba coronado por un pórtico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
definitiva, una especie de teatro de Pompeyo en pequeño.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Scamozzi</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"> parece ser el inventor del escenario con única abertura llamada
bocaescena, cuando, en 1580, y para el duque Vespasiano Gonzaga de Mantova,
construyó un pequeño teatro en Sabbioneta.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Dado
que el espacio era verdaderamente pequeño -sólo para 250 personas-, dejó a un
lado las múltiples entradas y se centró en el único proscenio. El camino para
la moderna escena estaba abierto, pues al poco tiempo, en 1618, el príncipe de
Parma mandó a Giambattista <b>Aleotti</b>
edificar el<b> Teatro Farnesio,</b> con
único y atrevido proscenio, que podía ocultar telones y maquinaria en su
amplísimo escenario. El público se sentaba en un amplio graderío en herradura,
como los teatros actuales, dejando lo que será la antigua orquesta útil, sin
otro uso que la utilización, a veces para escenas espectaculares; se cuenta que
alguna vez fue cubierto de agua para determinados menesteres.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">3- EL ESPECTÁCULO RENACENTISTA</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La
aparición de la <b>perspectiva</b> tuvo
enorme influencia en el desarrollo de la escenografía renacentista, la cual,
aún siendo fija, comenzaba a buscar efectos de tridimensionalidad. <b>Alberti, Palladio, Brunelleschi, Mantegna,
Leonardo y Poliziano </b>pintaron para los teatros, siendo este último autor de
unos Respetos continuados en donde se encuentra ya el equivalente del término
teatro como edificio arquitectónico que lo acoge.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Para
tan prodigiosos artistas, nada más lógico que proponer una pintura
perfeccionista como fondo de la acción teatral, efectos que tenderían a incitar
al auditorio, que se ilusionaba con telones y otros artefactos diseñados al
efecto.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Era ésta la "escena ilusionista", que estaba formada
principalmente por un fondo pintado siguiendo las leyes de la perspectiva.</span><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Frente a ella, la "escena vitruviana", constituida por
edificio a la derecha, edificio a la izquierda y fondo.</span><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormalCxSpMiddle" style="margin-left: 36.0pt; mso-add-space: auto; mso-list: l0 level1 lfo2; mso-pagination: none; text-indent: -18.0pt;">
<!--[if !supportLists]--><span lang="es" style="font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">●<span style="font-family: "times new roman"; font-size: 7pt; font-stretch: normal; line-height: normal;"> </span></span><!--[endif]--><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La tercera línea de evolución del teatro renacentista seria la
"escena circular", con sus propias leyes y disposición dramática.</span><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La
representación de Manaechmi en 1486, en un patio del duque de Ferrara, se cita
como una de las más sofisticadas puestas en escena del momento.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
la acción aparecían cinco casas almacenadas y alineadas cada una con su puerta
y su ventana.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Un
barco cruzaba el espacio, con diez actores que accionaban remos y vela, de
manera que simularan la realidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Al
año siguiente, con otra obra de Plauto, Anfitrión, la escena aparecía con un
cielo estrellado.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Todo
esto todavía era contemporáneo al redescubrimiento del tratado de <b>Vitruvio</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Sus
tres características escenas clásicas tuvieron su actualización en los dibujos
de <b>Serlio</b> (1475-1555?), arquitecto y
ensayista boloñés, que concretó los espacios para la comedia, la tragedia y el
drama pastoril, género muy en boga a principios del siglo XV.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Asimismo,
dio todo tipo de detalle sobre la construcción y pintura de los decorados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Fundamentalmente
por las notas de Serlio sabemos que el decorado renacentista combinaba la
perspectiva con detalles corpóreos, esto es, realizados en tres dimensiones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Aunque
los foros o fondos del escenario eran planos, los laterales se doblaban en
ángulo para crear efecto de profundidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
esos laterales, el artista colocaba auténticas cornisas, líneas que acentuaban
una perspectiva falsa que debía unir su punto de fuga en el centro del telón de
fondo, abajo, casi al nivel del escenario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Todo
ello, junto a una ligera pendiente del suelo, ayudaba a forzar dicha
perspectiva.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La
pintura en esa parte central y posterior del telón reforzaría el sentido
ambiental, con sombras que confundieran esa idea de profundidad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">También
Serlio hace gala de conocimiento de la tramoya escénica.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Trucos
escenográficos como desplazar figuras mecánicas y planetas a través de hilos
invisibles, efectos de tormentas, luces de colores - como el rojo, mediante el
reflejo de una antorcha ante botellas llenas de agua teñida con dicha tonalidad
- y otras mil recetas diversas las reúne en sus siete libros <b>De Architettura.<o:p></o:p></b></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Otro
gran sistematizador de la teoría práctica de la escena fue <b>Sabattini</b>.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
su <b>Practica di fabbricar scene a
maccbine ne' teatri</b> (1638), además de insistir en la utilización de la
perspectiva, y en otros efectos de espectacularidad - como el del mar en
movimiento -, propuso las bases para los cambios rápidos de decorado, que, en
aquel momento, explica no pocas razones de la moda que en el siglo XVII
dominaba la escena: la comedia de acción y evolución permanente del espacio en
donde se desarrolla.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Dichos
cambios se realizaban con periactoi o simples bastidores laterales que hacían
combinar sus pinturas con las del telón de fondo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Mientras
que se representaba la escena correspondiente, se cambiaban las pinturas de las
caras que no se veían de los prismas, las cuales, junto al nuevo foro, ofrecían
panorámicas radicalmente distintas de las que el espectador estaba viendo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Cabe
comprender que en un tiempo en donde no existía el telón de boca, ni las luces
podían tener el énfasis de crear el "oscuro total", todo lo descrito
se realizaba a la vista del espectador, el cual, lejos de molestarse por este
trucaje, estaba satisfecho de cualquier ilusión de cambio a sus ojos, que
valoraba con tanto más énfasis cuanto más complicada y atrevida fuera la
mutación.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La
sofisticación escenográfica llegó al extremo de proponer la escena mutante o
cambiante, gracias a Bastiano de <b>Sangallo</b>,
<b>Vasari</b> y <b>Buontalenti</b>, que consiguieron representar el mundo real
transformado en ilusión por puro deseo artístico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Tampoco
podemos olvidar en estos aspectos de la expresión escénica el papel
determinante del actor en el Renacimiento, mucho más integrado en el carácter
profesional del espectáculo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Los
intérpretes hicieron valer sus categorías sociales agrupándose en gremios, y
conformando elencos cada vez más numerosos y de mayor prestigio. A partir de
este momento, se empezará a hablar de actores, de cabezas de compañías (capo
comico) que, partiendo de Italia, recorrerán toda Europa con su nueva carga
expresiva.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Ellos
sembraron la semilla de una moderna forma de vivir el teatro, aunque este modo
de subsistencia no fuera siempre el ideal. A partir de este momento, los
intérpretes empezaron a crear tipos en los escenarios, concretándose según sus
aptitudes en papeles muy determinados.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">4- RENACIMIENTO, ¿ARTE MINORITARIO
O POPULAR?</span></b><span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Las
especulaciones teóricas y la realidad escénica partieron de similares intenciones.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Al
cabo de cierto tiempo, cuando los intereses de ambas sufrieron determinados
desajustes, una y otra tomaron caminos bien diferenciados: las primeras
reclamando las sempiternas normas que controlaran la producción artística; no
se puede crear de cualquier forma - decían -, sino según unas reglas, y si
éstas habían sido definidas por la patrística helénica, parecía obligado
seguirlas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">En
cambio, los hombres y mujeres que llenaron los viejos tablados, dotándolos de
nuevas historias, y quienes transformaron salas de palacios en confortables
teatros, hicieron aquello que el público les reclamaba.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Poco
a poco, la conocida escisión entre la teoría y la práctica se transformó en un
abismo: los preceptistas atacaron sistemáticamente a quienes, haciendo oídos
sordos, escribieron sin sujetarse a norma alguna; los poetas, en cambio,
aceptaron una y otra vez tales recriminaciones, aunque, sin apenas rebeldía,
siempre volvían a las nuevas fórmulas.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">La
evolución y riqueza de este teatro venía dada por el carácter de hecho
protegido por la nobleza. Sin lo cual, la escena hubiera quedado relegada a la
simple diversión popular que fue en el Medioevo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">Aunque
el Renacimiento aparente ser arte elitista, dedicado a una minoría
privilegiada, próxima al poder, la realidad es que consiguió traspasar los
límites del espectáculo culto, llegando en un momento dado a cualquier clase
social.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<span lang="es" style="font-family: "calibri" , sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 115%;">De
manera que lo que fue un arte aristocrático, derivó en popular, aunque con toda
la riqueza expresiva que tenía en sus orígenes. Todas las innovaciones que
experimentaron los improvisados teatros cortesanos de los siglos XV y XVI
fueron pasando a los locales públicos que, desde mediados del citado XVI,
surgieron en toda Europa.<o:p></o:p></span></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-25180809643453586222017-10-12T08:09:00.000-04:002017-10-12T08:09:26.257-04:00Actores al descubierto<br />
<br />
<blockquote>
<div align="left">
<div align="justify" class="textos_grandes">
<i>No todo está dicho y la presencia inefable del actor se renueva con cada gesto dibujado en el espacio. En estas páginas trazamos el nuestro.<br />El actor es el autor de los gestos que las multitudes repiten, el epígono de hombres y mujeres tradición, el que se rejuvenece y establece pautas culturales imperfectas.<br />El actor es el arquitecto del tiempo recobrado, el sumo pontífice de la máscara y el gesto cotidiano, el que miente diciendo la verdad, el que es sincero y no convence. El que decididamente vive una vida otra.<br />El actor es el uno, el mismo, el que contiene las posibles variantes del yo. El que representa los signos exteriores del sentimiento.<br />El que ejecuta la actuación de inspiración y el candidato a poseer la técnica necesaria para llenar "el espacio vacío". El actor se prepara para ser una forma, y seducir al agotado consumista y consumido.<br />El actor es el generador de la libertad individual al más alto grado, el guerrero líder de la manada. Alguien lo reconoce en el mercado, el fetiche complaciente que también es él, sonríe complaciente, ¿a quiénes? ¿Intenta demostrar algo a la audiencia?<br />Stanislavski reclamó del actor ser capaz de vivir el personaje; Craig, una supermarioneta capaz de sustituir lo perecedero y vacío de la gente de teatro de su época; Brecht aspiraba a un actor de la era científica; y Grotowski a un actor santo... ¿Qué actor requiere el teatro de hoy?<br />¿De qué se vale el actor para crear un personaje? ¿En qué nuevas circunstancias pone a accionar el si mágico?<br />¿Qué palabras prefiere? ¿Cuándo se siente "estimulado" por el texto o el director? ¿Son eficaces los textos canonizados por la tradición para sus necesidades actuales? ¿Qué papel o rol le gustaría desempeñar en esta época?<br />En La paradoja del comediante Diderot construye esta idea: "Amigo, mío, hay tres modelos: el hombre de la Naturaleza, el hombre del poeta y el hombre del actor. El de la Naturaleza es menos grande que el del poeta, y este menos grande que el del gran comediante, el más exagerado de todos". ¿Cómo continuaría esta conversación acerca de la identidad del actor?<br />¿Es el actor un hombre de pensamientos elevados, con ganas de ofrecer su cuerpo en sacrificio para que sea poseído por fantasmas, sacrosantos modelos y escuelas, apetecidas rupturas?<br />¿Considera al actor un ser inspirado, es decir, que lleva a cabo la hazaña de emocionarse y emocionar, sembrar la flor?<br />¿Qué rechaza el actor contemporáneo? ¿Qué elementos violan su integridad creadora? ¿El aburrimiento, las guerras, la falta de subvenciones, el desgaste por la supervivencia, la imposibilidad del grupo?<br />¿Vive el actor de su oficio? ¿Cómo definiría su oficio y su vida?<br />Antonin Artaud comparó a algunos bailarines con jeroglíficos animados. ¿Son las piruetas del actor, la construcción de la forma física, visual, a la que accedemos por una primera observación, la que evoca el misterio, el paisaje velado?<br />Richard Schechner plantea que en el teatro, el énfasis en el cuerpo -y el espíritu fugaz que una vez se pensó para estar "en" el cuerpo- es reconfigurado como el problema de la "presencia". Y se pregunta: ¿para quién está presente el performer? ¿Y en qué forma? ¿Es el performer una "persona" un "objeto visible", "un ser humano pleno" o, visto de otro modo, un "carácter"? ¿Qué respondería usted a esas interrogantes?<br />¿Existe el actor perfecto? ¿En qué actores identificamos los rasgos de un ideal? ¿Quién es el actor latinoamericano? ¿Podríamos hablar de una identidad común, de un estado del ser en el que mirarse al espejo? ¿Qué imagen nos devuelven las diversas escuelas, influencias y apetencias más personales?<br />¿Si tuviera que definir para su desempeño artístico, una escuela, estilo o tendencia, cómo lo describiría?<br />Hay quienes piensan que en el futuro, el teatro y la representación tendrán que articularse con un medio ambiente cultural, crecientemente tecnologizado y que cada vez más el cuerpo vivo del actor en representación tendrá que competir con su réplica mediatizada. ¿Será el cuerpo vivo más vital que nunca, o paulatinamente se volverá obsoleto y sin interés? ¿Qué papel juega el cuerpo -su cuerpo- como medio expresivo?</i></div>
</div>
</blockquote>
<br />
<b><i>Extraido de la revista conjunto, Edición No. 128</i></b>Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-61832774480594356162017-04-09T12:37:00.002-04:002017-04-09T12:37:59.647-04:00Historia del teatro de Nicaragua.<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>El Inventario Teatral de Nicaragua</b></span></div>
<div style="text-align: center;">
<span style="font-size: large;"><b>Por Francisco del Valle.</b></span></div>
<div>
<br /></div>
<div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: .2pt; margin-right: -.05pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Una historia completa del teatro en Nicaragua, tanto en su devenir
literario como en sus representaciones escénicas, es la que recientemente ha
publicado la Biblioteca del Banco Central de Nicaragua y que lleva como firma
de trabajo la del investigador de nuestra cultura, Jorge Eduardo Arellano. Obra
necesaria a estas alturas de nuestra historia, que viene a ordenar de una
manera sistemática toda la producción de nuestros dramaturgos y de los
numerosos grupos teatrales que a través del tiempo han llevado al público de
nuestro país las mejores producciones en ese género literario.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: .2pt; margin-right: -.05pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 17.75pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Claramente desglosados en cada una
de sus partes, los temas de la materia <!--[if gte vml 1]><v:shapetype
id="_x0000_t75" coordsize="21600,21600" o:spt="75" o:preferrelative="t"
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</v:shapetype><v:shape id="Picture_x0020_4309" o:spid="_x0000_i1033" type="#_x0000_t75"
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visión panorámica que nos permite conocer el nacimiento y desarrollo de los autores,
sus obras y los diversos movimientos que estuvieron vinculados a tan importante
actividad.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: .2pt; margin-right: -.05pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 17.75pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero el libro es polémico, y no
deja de plantear ciertas inquietudes: la ausencia de una tradición teatral en
Nicaragua, lo incipiente de nuestra dramaturgia, los esfuerzos por la
profesionalización del actor, la lucha por la consecución economica para el
montaje de la obra, la inexistencia de una academia de teatro, etc. Todas esas
inquietudes y más las plantea el libro, y nos obliga a hacer un balance de esta
labor fundamental para el enriquecimiento de la cultura de un pueblo como es el
teatro.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: .2pt; margin-right: -.05pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 17.75pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hacia 1964 el dramaturgo nicaragüense Rolando Steiner escribía una
llamada de atención sobre el arte escénico en nuestro país y al mismo tiempo
lanzaba esta pregunta: ¿Hubo una vez teatro en Nicaragua?. Steiner no se
responde con una negativa categórica pero deja entrever por las diversas
opiniones que expresa su deseo de hacerlo, para continuar preguntándose líneas
más adelante:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.8pt; margin-left: 37.95pt; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -.25pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">¿Qué pasa con
el teatm nicaragüense? ¿Dejaremos en el tiempo, lo poco o mucho realizado en
beneficio de este difícil pero necesario arte para limitamos a recordar
efímeros triunfos alcanzados en años anteriores? Creemos que el teatro, la
verdadera tradición teatral, se forma cada día, y no basta la buena voluntad
anímica sino el pequeño sacrificio diario, la conciencia del valor y del
esfuerzo que significa colaborar al buen desarrollo teatral en Nicaragua, en
forma permanente y digna.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Según lo expuesto, Steiner (uno de los más valiosos dramaturgos
del teatro contemporáneo en Nicaragua) se refería en esta oportunidad a la
labor activa de los grupos teatrales que durante la década de los 60
consolidaban sus representaciones; mas, apuntando al teatro como creación
literaria (y es en ese sentido en el que expresó una de sus más fuertes
críticas), en entrevista concedida a Emma Fonseca diez años más tarde, responde
de una manera tajante: "Nicaragua, un país sin tradición teatral".
Steiner, abordando el teatro como puesta en escena tiene en dicha entrevista
palabras de reconocimiento para el esfuerzo grupal que esa actividad conlleva:
"Todo esfuerzo escénico de los grupos teatrales merece mi aplauso,
independientemente de los méritos o defectos de las puestas en escena";
refiriéndose a los autores dramáticos, y tomando el hilo histórico desde sus
mas lejanos orígenes ubicados en el pasado prehispánico, señalaba:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.8pt; margin-left: 36.5pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -.25pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La aparición
de El Guegüense en el siglo XVII dio a Nicaragua el privilegio de ser la cuna
del arte teatral latinoamericano; sorprende, sin embargo, el hecho de que esta
extraordinaria producción popular no promoviera un movimiento teatral
trascendente y definido en Nicaragua.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Y es esa doble vertiente, el teatro como creación literaria y el
teatro como representación escénica la que pone de manifiesto de una manera
evidente en el libro de Arellano el contraste entre la opaca y débil presencia
de nuestra dramaturgia en relación al esplendor de actividad escénica que desde
la segunda mitad del siglo 19 se venía realizando en Nicaragua.<o:p></o:p></span></div>
<h2>
<b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1. EL TEATRO COMO LITERATURA DRAMATICA<o:p></o:p></span></b></h2>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El teatro como literatura dramática en Nicaragua tuvo muy
inciertos comienzos ("el teatro y sus intentos", los llama Arellano
en su Panorama de la literatura nicaragüense), muchas de cuyas iniciales
ejemplificaciones se han definitivamente perdido. Este Inventario que Arellano
ahora nos presenta está dividido en 4 partes: 1 "Las raíces (Siglo
XVI-XIX)". 11 "Los altibajos de una tradición" (1900-1950). III
"La época de oro" (1951-1978) y IV "Entre la euforia y el
deterioro" (1979-1987). El autor comienza por introducirnos a la obra
estudiando las raíces de nuestro teatro desde los antecedentes prehispánicos
hasta finales del siglo XIX, basándose para dicha indagación en los testimonios
de los diversos Cronistas de Indias que fueron protagonistas y estudiosos de la
época; y continúa con la exposición del "teatro misionero", realizado
por el sector religioso encargado de la difusión y conversión de los indígenas
a la fe de España. Hay que mencionar en este aparte las populares y representadas
loas y "logas" que, además de difundir el catolicismo, tenían como
objetivo la enseñanza del idioma castellano. Aparece más tarde la pieza El
Guegüense, escrita a finales del siglo XVII, de autor desconocido, que
constituye la producción más importante de nuestro teatro colonial y es a una
de las cuales se le ha dedicado mayor número de estudios por parte de los
investigadores del tema.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 92%; margin-bottom: 10.95pt; margin-left: 37.45pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -.5pt; text-justify: inter-ideograph;">
<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 92%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El Gücgücnsc, cl primer personaje
de la literatura nicaragüense y seguramente también uno de los primeros de la
literatura popular de Hispanoamérica,</span></i><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 8.7pt; margin-left: .2pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: .25pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">escribe en un
ensayo sobre esta obra el poeta Pablo Antonio Cuadra, y añade, en relación a su
idiosincracia humana y sicológica:</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 92%; margin-bottom: 10.95pt; margin-left: 8.9pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 27.85pt; text-justify: inter-ideograph;">
<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 92%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El Güegüense, a pesar de nacer en
el momento inicial de nuestro mestizaje </span></i><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-no-proof: yes;"><!--[if gte vml 1]><v:shape id="Picture_x0020_9908" o:spid="_x0000_i1032"
type="#_x0000_t75" style='width:.75pt;height:.75pt;visibility:visible;
mso-wrap-style:square'>
<v:imagedata src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image002.jpg"
o:title=""/>
</v:shape><![endif]--><!--[if !vml]--><img height="1" src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image003.jpg" v:shapes="Picture_x0020_9908" width="1" /><!--[endif]--></span></i><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 92%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> cultural, ya resume, en forma caricaturvsca y
satírica, todas las características que hemos venido anotando como propias de
nicaragüa</span></i><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .15pt; margin-left: .45pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: .25pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">es decir: la picardía, desconfianza, las mañas para abrirse paso
en la vida, la sorna y la aventura, el lenguaje de doble sentido, la sonrisa
irónica que finalmente se torna en procacidad. "Es un personaje que el
pueblo lleva en la sangre", concluye Cuadra.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .15pt; margin-left: .45pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero es hasta mediados del siglo XIX que se publican las primeras
obras de autores nicaragüenses, debidas a Francisco Quiñones Sunsín, con El
sitio de la Rochela y El quebrado ganacioso de Miguel Larreynaga, puesta en
escena en Guatemala y El Salvador antes de 1850. Continúan la labor anterior
"Las candidaturas", obra de Luciano Hernández, publicada en León en
1874;Alemania y Nicaragua, de autor anónimo leonés, 1877, y que por su
problemática social podría considerarse —según apunta Arellano— como "uno
de los textos precursores del teatro documental latinoamericano del siglo
XX". Cierran el capítulo del teatro nicaragüense en ese siglo los
siguientes autores: Rubén Darío, quien escribió dos obras de teatro de las
cuales ninguna se ha conservado: Cada oveja con s upareja y Manuel Acuña (1886);
dramas y comedias de Procopio Vado y Zurrizana, Román Mayorga Rivas, Pedro
Ortíz, y las entusiastas aportaciones al género hechas por los granadinos
Manuel Blas Sáenz y Carlos A. García.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: .2pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 17.75pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ya en el
siglo XX, en publicaciones coincidentes con la renovación del teatro generada
por el Movimiento de Vanguardia en 1931, es la obra de Hernán Robleto la que —a
juicio del historiador— "encabeza y culmina la lista de nuestros primeros
dramaturgos", adquiriendo un lugar de relevancia en nuestro panorama
teatral con sus primeras obras: La rosa del paraiso (1920) </span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-no-proof: yes;"><!--[if gte vml 1]><v:shape id="Picture_x0020_9919" o:spid="_x0000_i1031"
type="#_x0000_t75" style='width:1.5pt;height:3pt;visibility:visible;
mso-wrap-style:square'>
<v:imagedata src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image004.jpg"
o:title=""/>
</v:shape><![endif]--><!--[if !vml]--><img height="4" src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image005.jpg" v:shapes="Picture_x0020_9919" width="2" /><!--[endif]--></span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El milagro (1921), La señorita que arrojó el antifaz (1928),
apareciendo con beligerancia política en "Pájaros del Norte", en la
que destaca su mensaje antiintervencioni sta y ofreciéndonos en 1946 su madurez
creativa con la publicación de sus Tres Dramas, los cuales constituyen "su
mayor contrubución al género y a la línea vernácula que cultivaba", según
apunta el autor de este censo teatral.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Con
la aparición hacia 1930 del Movimiento de Vanguardia en la literatura
nicaragüense, el teatro recibe en su seno la influencia de las más avanzadas
corrientes de la hora en Europa, sobre todo del teatro español, marcándose en
esa época tres de las obras más importantes de nuestro teatro: Chinfonía
Burguesa (1931) de José Coronel Urtecho y Joaquín Pasos; Por los caminos van
los campesinos (1937) de Pablo Antonio Cuadra (valorada por el crítico
guatemalteco Carlos Solórzano como "una de las piezas más representativas
del teatro contemporáneo de Hispanoamérica") y La novia de Tola (1939) del
poeta rivense Alberto Ordóñez Arguello, y la cual, según Arellano, es
"nuestra mejor comedia después de El Güegüense".</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Ya en la década de los sesenta y continuando la trayectoria del
Movimiento de Vanguardia escriben sus obras para el teatro Enrique Fernández
Morales, Rolando Steiner y Alberto Ycaza, quienes empleando modernas técnicas
teatrales pueblan sus obras con personajes que actúan movidos por una sorda
angustia existencial en situaciones de tensa conflictualidad humana; Horacio
Peña y Octavio Robleto, este último con incursiones al teatro lúdico e infantil
originado en las leyendas y tradiciones de nuestro rico folklore.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Posteriormente
a los citados, entre los nuevos autores que la úl tima década (1979-1989) han
hecho incursiones en dicho género literario y que en estos años han reafirmado
su vocación de escritores para el teatro con obras publicadas en los diversos
medios de información, se registran en el Inventario, para un recuento hasta la
fecha de nuestro panorama escénico, los nombres de Alan Bolt, Isidro Rodríguez
Silva, Jesús Miguel Blandón, Alfredo Valessi y Jaime Alberdi.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Cabe hacer un llamado en esta sección para que se publiquen varias
obras inéditas de autores nicaragüenses que todavia no han visto luz. Entre
estas podríamos citar las pertenecientes a los siguientes autores: Hernán
Robleto, Enrique Fernández Morales, dos trabajos de Fernando Silva, uno de
Roberto Sánchez y la obra escrita en México, en 1956, por Alfredo Valessi,
conservada en archivos bajo el título de La trampa del hambre.<o:p></o:p></span></div>
<h3>
<b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">11. EL TEATRO COMO REPRESENTACION ESCENICA<o:p></o:p></span></b></h3>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El
teatro como representaci ón escénica es tratado por Arellano en esta obra con
un gran acopio de datos, juicios, ilustraciones y un buen nutrido grupo de
memorialistas de apoyo, ya sean de carácter bibliográfico como Berta Buitrago,
Falcinelli Graciozi y Pio Bolaños para el estudio de los espectáculos en
Nicaragua durante la segunda mitad del siglo 19, o de carácter informativo por
medio de acercamientos y consultas entre los mismos miembros de los diferentes
grupos escénicos que trataban de conformarse en 1950.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Inicia
esta sección por me dio de una exposición histórica de los espectáculos
aborígenes que se realizaban en nuestro país a raíz de la Conquista y que
fueron descritos y clasificados por Fernández de Oviedo y Daniel G. Briton en
su época; de esta manera, Briton clasifica los espectáculos aborígenes en cinco
formas representativas: 1) Danzas sencillas 2) Danzas con cantos 3) Danzas con
recitaciones en prosa 4) Recitaciones con música de un sólo actor 5) Dramas
completos con música, ballet, diálogos y trajes; pero Arellano nos aclara puntualizando
algunos detalles referidos a esta clasificación:</span><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 92%; margin-bottom: 10.95pt; margin-left: 37.45pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -.5pt; text-justify: inter-ideograph;">
<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 92%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Mas sólo las tres primeras
expresiones, que unían la diversión y el deleite rítmico, fueron propiamente
indígenas: de concepción y ejecución prehispánicas. Las dos restantes se dieron
como consecuencia del mestizaje una vez implantado el imperio español,
puntualiza Arellano.</span></i><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .15pt; margin-left: .45pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Pero tendrían que sucederse casi cuatro siglos —desde las antiguas
y rituales presentaciones indígenas y las subsecuentes del teatro misionero—
para que las primeras compañías de teatro hicieran su aparición en Nicaragua,
cuando tiempo atrás las capitales de Guatemala y El Salvador ya gozaban de
dichas veladas y espectáculos.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 9.6pt; margin-left: .45pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Una de las primeras compañías arribadas al país y de la que se
tiene noticia por medio del testimonio de Squier en su obra Nicaragua: sus
gentes, paisajes, es la llegada a León a mediados de 1949, consignando el
cronista las siguientes impresiones:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 92%; margin-bottom: 10.95pt; margin-left: 37.45pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -.5pt; text-justify: inter-ideograph;">
<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 92%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La ciudadania de 1.0ón rindió
entonces las gracias a la Compañía del Sr. Pedro Serrate, tras concluir una
lucrativa temporada. Es digno de hacer notar que el público no se vio, como en
otros casos, en la dura necesidad de tener que escuchar diálogos</span></i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 92%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> indecentes en perjuicio de la
moral y del buen gusto, ni de abstenerse de asistir.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .15pt; margin-left: .45pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Esta impresión de Squier es importante señalarla, ya que, como
también observa Arellano párrafos más adelante para aclarar dicha situación:
"Pero, con mayor frecuencia, venían compañías de titiriteros y circos
bautizados por el pueblo con el genérico nombre de 'maromas', y en respuesta al
ambiente creado por ellas —cuyas exhibiciones resul taban ocasionalmente
obscenas— los leoneses habían impulsado su propia actividad teatral".
Adjunto a los testimonios un poco pesimistas de Squier, Arellano recoge sobre
la época los de Julius Froebel (más laudatorios) y los de Mariano Barreto, en
sus referencias a la creación de un teatro criollo consignadas en su obra:
Recuerdos históricos de Chichigalpa, Corinto, Chinandega y León. (1921).<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .15pt; margin-left: .45pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Mientras tanto, en Masaya se inicia en 1859 la integración de la
"Compañía Dramática de Aficionados" (todos sus componentes eran
naturales del país) que en la fiesta de San Jerónimo —según consta en la Gaceta
Oficial, septiembre del mismo año— había puesto en escena piezas españolas de
autores clásicos y especialmente románticos. Entre las obras representadas por
esta compañía en Masaya, figuraban: La vida es sueño, de Calderón de la Barca,
cuatro piezas de José Zorrilla y dos pertenecientes a los dramaturgos
peninsulares Luis Coello y Pedro Sabater. También Granada inauguraba sus
representaciones por medio de la Compañía dramática "Estrada", que en
1861 ponía en carteleras la celebrada tragedia "El Trovador", del
gaditano Antonio García Gutiérrez.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .55pt; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Siempre en
Granada, en 1870 se presentan varias adaptaciones de Moliere hechas por un
músico de Cuiscoma, D. Marcelo Lacayo Rodado, compositor y violinista, las
cuales fueron escenificadas por una compañía de jóvenes actores aficionados.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Con la llegada de la Compañía "Blen" en 1875 (de
precedencia española) las representaciones teatrales adquirieron un mayor grado
de calidad y profesionalismo en Nicaragua; esta compañía trabajó tanto en León
como en Granada y durante esos años de actividad llevó a las tablas un nutrido
repertorio formado por obras de Calderón, Zorrilla y José de Echegaray; más
tarde, en 1884, se inician actividades de la Compañía de Francisco M. Flores,
quienes entre León y Granada pusieron en escena obras del siempre aplaudido
Echegaray y Ventura de la Vega.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: 66.05pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Shakespeare
en el Teatro Municipalde León/ 1885<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 11.15pt; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La
construcción del Teatro Municipal de León (1855) hizo posible que por primera
vez se contara en el país con un edificio apropiado para llevar a escena todas
las actividades del género en la época (compañías musicales, teatrales o de
variedades), llegando el momento de mayor reto y calidad en su repertorio con
la presentación de dos obras de Shakespeare: Romeo y Julieta y Otelo,
interpretadas por el trágico italiano Luis Roncoroni, quien además presentó las
versiones teatrales de las novelas de Victor Hugo, El Conde de Montecristo y
Los miserables.</span><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 8.85pt; margin-left: 69.4pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">José de
Echegaray y el Teatro de Granada/ 1889<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La ciudad de Granada, a instancias de la primacía leonesa por los
felices resultados en obtener su propio teatro, también inició la construcción
del suyo, siendo este entregado e inaugurado en noviembre de 1889; su
repertorio estuvo formado principalmente por los dramas de Echegaray (quien
posteriormente recibió el Premio Nobel de Literatura en 1904) y representaba
también en sus escenarios a compañías musicales como la del colombiano D.
Eduardo Unda, que montó la zarzuela La Gran Via, de Felipe Pérez y González, y
que al final de la temporada terminó por darle nombre a una esquina de la
ciudad.<b><i><o:p></o:p></i></b></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 51.15pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Managua/ Teatro
"Castaño"/ 1896 y Teatro "Variedades"</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">También Managua, hacia 1986, logró construir su local propio para
las representaciones teatrales que el público capitalino ya demandaba; en 1896,
se inaugura el teatro "Castaño" con la zarzuela La Marina, de Emilio
Arrieta;<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: .2pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -.25pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">también se
inauguró en 1905 el teatro "Variedades", cuyos empresarios se
especializaron en el género musical, presentando óperas, operetas, espectáculos
dancisticos y sirviendo también de asiento a las diversas compañías de teatro
que visitaban el país, como la Compañía Española de María Guerrero y la de
Mercedes Navarro y Andrés Chávez, calificadas como compañías de teatro
universal. Tanto el teatro "Castaño" así como el
"Varieades" fueron destruidos por el terremoto de 1931.</span><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 61.45pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Siglo zW/ Instituciones y grupos /
Representaciones</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Siguiendo
el desglose histórico del inventario, es Hernán Robleto quien abre la primera
brecha en el espectáculo escénico del siglo XX en Nicaragua, fundando la
"Compañía Dramática Nacional" (1921), dedicada exclusivamente al
teatro, siguiéndole en la apertura de actividades la "Compañía de Comedias
Nacionales" de los Hnos. Arana, en León (1934), la Compañía
"Encanto" de Paco García, en Granada, 1935, y la "Comedia del
Arte" de Adán Castillo, también en Granada, en 1939.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Tanto Adán Castillo como los hermanos Arana eran devotos
admiradores del dramaturgo español Jacinto Benavente, de quien pusieron en
escena el mayor número de obras; como actores se destacaron en esa época, Gabry
Rivas y Titina Leal, dedicándole a ella el siguiente comentario el también
actor Roger Bien:<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.8pt; margin-left: 36.5pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -.25pt; text-justify: inter-ideograph;">
<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 9.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Titina Inal —heredera artística de
la Compañía Blen— era una actriz que, con su calidad interpretativa, deleitaba
a los públicos de América tanto en la declamación como en el teatro y en el
cine.</span></i><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El autor termina
la revisión de esta década citando la presentación de un fragmento de la pieza
de Shakespeare Julio César, realizada por un grupo de actores juveniles y
estudiantes dirigidos por José Coronel Urtecho en el Colegio Centroamérica,
1943.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-bottom: 9.55pt; margin-left: 18.25pt; margin-right: .25pt; margin-top: 0cm; text-align: center; text-indent: -.5pt;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 107%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">La época de oro: 1951-1978</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Después de exponer las diversas razones de naturaleza económica
que hicieron posible el auge y florecimiento de la actividad teatral en
Nicaragua durante esos años ("el proceso de modernización capitalista que
experimentoóel país desde los años 50"), Arellano nos informa en esta
recapitulación investigativa de todos los grupos, actores y directores que
hicieron posible esta etapa fructífera, plena de pasión y entusiasmo (acaso
irrepefible) que tuvo lugar en el país durante los veinte años transcurridos
entre 1951 y 1978. Debido a la gran cantidad de datos e informaciones que el
autor registra, seremos bastante escuetos en esta parte de la reseña
consignando sólo los grupos, actores y directores más destacados y que por su
huella en el quehacer teatral forman parte sustancial de esa época.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 78.5pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Teatro Experimental de Bellas
Artes/ TEBA</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Constituido
alrededor de la Escuela de Bellas Artes dirigi da en ese entonces por D.
Rodrigo Peñalba, este grupo inicia en Nicaragua (1955) el movimiento del teatro
rigurosamente moderno en el arte de la representación escénica; tuvo entre sus
más destacados directores al nicaragüense Alfredo Valessi, y allí se inició
como actor uno de nuestros actuales directores, que fiel a su vocación, ha
persistido por tantos años: Jaime Alberdi.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-bottom: 8.25pt; margin-left: 17.8pt; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center; text-indent: -.5pt;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Teatro
Experimental de Managua/ TEM<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 7.3pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Este grupo se conformó teniendo como principal promotora artística
a Gladys Ramírez de Espinoza (actriz y crítica de teatro en los diarios del
país), siendo secundada cn su tarea por Adelita Pellas de Solórzano, Tina
Benard de Chamorro, Mimf Hammer y Gloria Pereira de Belli, actrices que le
dieron al grupo, con la puesta en escena de La casa de Bernarda Alba, un alto
grado de madurez interpretativa y cuya representación Arellano cataloga como
"un mojón en la historia del arte teatral de Nicaragua". El TEM
realizó actividades bajo diversos directores, consiguiendo las mejores
expresiones de crítica las obras dirigidas por Tacho Sánchez, quien llevó a
escena Esquina Peligrosa de J. B. Priesley y La zorra y las uvas de Guillermo
Figueiredo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 75.9pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Henry Rivas y "Las manos de
Eurídice"/ 1955</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 13.8pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 10.8pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-no-proof: yes;"><!--[if gte vml 1]><v:shape id="Picture_x0020_47661"
o:spid="_x0000_i1030" type="#_x0000_t75" style='width:.75pt;height:2.25pt;
visibility:visible;mso-wrap-style:square'>
<v:imagedata src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image006.jpg"
o:title=""/>
</v:shape><![endif]--><!--[if !vml]--><img height="3" src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image007.jpg" v:shapes="Picture_x0020_47661" width="1" /><!--[endif]--></span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En el año de 1955 (21 de octubre) y en el Teatro
"Margot" de Managua, el actor nicaragüense Henry Rivas interpretaba,
con lleno de público, la obra Las manos de Eurídice, monólogo del dramaturgo
brasileño Peter Bloch. Con esta presentación iniciaba una serie de actuaciones
que constituyeron la más alta y ejemplar escuela de actores que se podía tener
en el país y que le dieron a Rivas el prestigio de una crítica especializada
que lo catalogaba como el mejor actor de la historia escénica en Nicaragua.
Posteriormente, con La Historia del Zoo (1967), Henry Rivas confirmó sus dotes
de singular actor y su ya maduro y calificado prefesionalismo.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; tab-stops: center 24.8pt right 328.25pt;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> </span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-no-proof: yes;"><!--[if gte vml 1]><v:shape id="Picture_x0020_23642" o:spid="_x0000_i1029"
type="#_x0000_t75" style='width:.75pt;height:.75pt;visibility:visible;
mso-wrap-style:square'>
<v:imagedata src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image008.jpg"
o:title=""/>
</v:shape><![endif]--><!--[if !vml]--><img height="1" src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image009.jpg" v:shapes="Picture_x0020_23642" width="1" /><!--[endif]--></span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"> <b><i>Mimí
Hammer: De "Sketch" a "La mujer deshabitada" (1955-1986)</i></b></span><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.05pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Hacia 1955 también hacía aparición una de las mejores actrices de
la escena en Nicaragua: Mimí Hammer. Desde su inicial actuación en Sketch <!--[if gte vml 1]><v:shape id="Picture_x0020_23643"
o:spid="_x0000_i1028" type="#_x0000_t75" style='width:9pt;height:.75pt;
visibility:visible;mso-wrap-style:square'>
<v:imagedata src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image010.jpg"
o:title=""/>
</v:shape><![endif]--><!--[if !vml]--><img height="1" src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image011.jpg" v:shapes="Picture_x0020_23643" width="12" /><!--[endif]-->pasando por 1.0 esposa
constante", La esquina peligrosa, La casa de Bernardo Alba y Luz de gas—
hasta La mujer deshabitada, Mimf Hammer ha logrado imponer (debido a su calidad
interpretativa y a sus recursos dramáticos) la imagen de una actriz completa
formada por un trabajo incesante durante más de tres décadas en nuestro
panorama escénico.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 56.45pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Teatro Experimental Universitario
/ TEU (León, 1961)</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: .2pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 17.75pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En León,
desarrollando una actividad paralela a la formación de los grupos iniciales de
Managua, se inicia en la UNAN el movimiento del "Teatro Experimental
Universitario" (TEU), que con tó con la partici pación de dos directores:
Ricardo Quinteros, de nacionalidad argentina, que puso la obra La importancia
de ser ladrón. Y Jaime Alberdi, quien alcanzó un éxito sin precedentes con el
TEU al montar la obra Escorial, de Michel de Ghelderode. Posteriormente,
Alberto Icaza, dirigiendo el teatro de la UNAN, obtuvo en Costa Rica en 1968 el
premio al mejor grupo con la presentación de su obra Asesinato Frustrado,
montando dos años más tarde la obra Las manos de Dios del dramaturgo
guatemalteco Carlos Solórzano.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 46.1pt; margin-right: 1.0cm; margin-top: 0cm; text-align: center;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Teatro Arena Nicaragüense (TAN)
—Las Máscaras— Atelier "Rubén Darío"</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: .2pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 17.75pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">El
"Teatro Arena Nicaragüense", creado alrededor de 1963 en Managua por
el director Tacho Sánchez, contribuye también a la escena montando dos obras
que merecieron el reconocimiento de premios a nivel centroamericano en su
tiempo; estas obras fueron, dirigidas por el teatrista citado: Montserrat, de
Emmanuel Robles y Días sin fin, de Eugene O'neill. —Dos grupos que completan la
actividad teatral de esos años son: Las Máscaras y el Atelier Rubén Darío,
dirigidos respectivamente por César Sobrevalls y Alberto Icaza, destacándose
este último por el montaje de obras pertenecientes a Chejov, Christofer Fry,
Arrabal y Tenesse Williams.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div align="right" class="MsoNormal" style="margin-bottom: 8.25pt; margin-left: 0cm; margin-right: 4.3pt; margin-top: 0cm; text-align: right;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Socorro Bonilla Castellón/ La "Comedia Nacional de
Nicaragua"/ 1965<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: .2pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 17.75pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En este
"Inventario" se le dedica un capítulo especial a Socorro Bonilla Castellón,
quien con su disciplina, en arte y su trayectoria didáctica ha contribuido a
mantener vivo el interés por el teatro en nuestro país. Graduada en la Cátedra
"Tirso de Molina" en Madrid y estudiando bajo la dirección de
Alejandro Casona y Enrique Llovet, Socorro Bonilla Castellón logró una de las
mejores formaciones académicas como actriz, profesora y directora en el arte
escénico. En 1965 funda la "Comedia Nacional de Nicaragua" que ha
llevado a las tablas, entre otras, las siguientes obras: Los árboles mueren de
pie, de Casona; Los verdes campos del Eden, de Antonio Gala, y el trabajo
colectivo de mayor ambición realizado con éxito: Antígona, de Jean Anouhil. En
la actualidad, es el único grupo de esa época que se mantiene (en 1989) con
notoria acitividad.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 28.8pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Teatro Estudio de la Universidad
Centro americana/ TEUCA (1967)</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .15pt; margin-left: .45pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Otro grupo teatral que desplegó sus actividades en 1967 es en
TEUCA, de la Universidad Centroamericana, dirigido inicialmente por Gilbert
Iglesias<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: .2pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -.25pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">más tarde por
Mario González Gramajo, ellos pusieron en escena obras de Chejov, Alfonso
Sastre, Perrault, Ezio D'Erico y la obra Qué honorable familia, de Roberto
Sánchez, "el primer intento de teatro de protesta en Nicaragua' </span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-no-proof: yes;"><!--[if gte vml 1]><v:shape id="Picture_x0020_47665" o:spid="_x0000_i1027"
type="#_x0000_t75" style='width:3.75pt;height:8.25pt;visibility:visible;
mso-wrap-style:square'>
<v:imagedata src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image012.jpg"
o:title=""/>
</v:shape><![endif]--><!--[if !vml]--><img height="11" src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image013.jpg" v:shapes="Picture_x0020_47665" width="5" /><!--[endif]--></span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">según apunta Arellano en este capítulo.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: 17.8pt; margin-right: .25pt; margin-top: 0cm; text-align: center; text-indent: -.5pt;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Teatro
Experimental de Granada (TEG) /<o:p></o:p></span></i></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="margin-bottom: 8.25pt; margin-left: 18.25pt; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-align: center; text-indent: -.5pt;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 107%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Teatro Experimental de Boaco (TEB)</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 11.1pt; margin-left: .7pt; margin-right: .45pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.45pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">También en Granada y Boaco se formaron dos grupos importantes que
contribuyeron a la actividad teatral y a la difusión de la nueva sensibilidad
literaria y escénica en dichas ciudades; se trata del "Teatro Experimental
de Granada" (1963). Dirigido por Enrique Fernández Morales y del
"Teatro Experimental de Boaco" (1955-1975), alentado principalmente
por el "Grupo U" y por su más entusiasta mentor, el poeta Armando
Incer. Estos grupos llevaron a la escena obras de Sartre, Pirandello, Lorca,
los Hnos. Alvarez Quintero y otras de autores nacionales como las
pertenecientes a Rolando Steiner y Ordóñez Argüello.<o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: 10.0pt; margin-left: 65.55pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: -45.15pt; text-justify: inter-ideograph;">
<b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">1979-1989/
"Taller de Teatro Justo Rufino Garay"; "Teatro de Cámara' </span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-no-proof: yes;"><!--[if gte vml 1]><v:shape id="Picture_x0020_47667" o:spid="_x0000_i1026"
type="#_x0000_t75" style='width:3.75pt;height:8.25pt;visibility:visible;
mso-wrap-style:square'>
<v:imagedata src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image014.jpg"
o:title=""/>
</v:shape><![endif]--><!--[if !vml]--><img height="11" src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image015.jpg" v:shapes="Picture_x0020_47667" width="5" /><!--[endif]--></span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">"TEM" y la "Comedia Nacional de Nicaragua'</span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-no-proof: yes;"><!--[if gte vml 1]><v:shape id="Picture_x0020_28560" o:spid="_x0000_i1025"
type="#_x0000_t75" style='width:1.5pt;height:2.25pt;visibility:visible;
mso-wrap-style:square'>
<v:imagedata src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image016.jpg"
o:title=""/>
</v:shape><![endif]--><!--[if !vml]--><img height="3" src="file:///C:/Users/Ana/AppData/Local/Temp/msohtmlclip1/01/clip_image017.jpg" v:shapes="Picture_x0020_28560" width="2" /><!--[endif]--></span></i></b><b><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></i></b></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .7pt; margin-left: -.05pt; margin-right: .7pt; margin-top: 0cm; text-align: justify; text-indent: 18.0pt; text-justify: inter-ideograph;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 10.0pt; line-height: 90%; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">En este
último capítulo el autor historia la actividad realizada por los diversos
grupos teatrales durante los últimos años, o sea, los pertenecientes al período
de gobierno revolucionario. Sus conclusiones, no muy optimistas en lo referente
al desarrollo e implementación del teatro en Nicaragua, son enmarcadas como un
tiempo que va "de la euforia al deterioro". De todos los grupos y
ensayos que durante estos años se han realizado, Arellano destaca el valor escénico
y la esforzada trayectoria y permanencia del movimiento de actores "Justo
Rufino Garay", dirigidos por la mexicana Lucero Millán; consigna las
recientes presentaciones del "Teatro de Cámara", de Jaime Alberdi del
"TEM", de Gladys Ramfrez de Espinoza, y alienta el trabajo de la
"Comedia Nacional", siempre en tenaz lucha de superación teatral en
el ambiente bajo la dirección de Socorro Bonilla Castellón.</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"><o:p></o:p></span></div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: 90%; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; margin-left: .5pt; margin-right: 0cm; margin-top: 0cm; text-indent: 18.0pt;">
<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">Este
Inventario teatral, prácticamente imprescindible para cualquier teatrista o
persona interesada en el tema, es una historia del teatro en Nicaragua,
completa y necesaria, que faltaba en el proceso de la cultura nicaragüense.<o:p></o:p></span></div>
</div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-86757556468443268252017-04-09T11:55:00.000-04:002017-04-09T12:23:29.710-04:00Novela: Crónica de una Muerte Anunciada, PDF, Gabriel Garcia Marquez.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgltwojeTA1qeK5IZ6rywgwvYij4V9SC-Se3iMqjqk2wmvK0L3B02_CWuwFoJ1mduTvcRChGEvQhLNDwLH2GvwUG3JG8_q2Q9hOuCq6gUlG9cc_3IlyB708RBFTYsDnZq96n7HnjRd0Lz65/s1600/21939969.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgltwojeTA1qeK5IZ6rywgwvYij4V9SC-Se3iMqjqk2wmvK0L3B02_CWuwFoJ1mduTvcRChGEvQhLNDwLH2GvwUG3JG8_q2Q9hOuCq6gUlG9cc_3IlyB708RBFTYsDnZq96n7HnjRd0Lz65/s400/21939969.jpg" width="300" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="" data-block="true" data-editor="2d9rg" data-offset-key="f3dii-0-0" style="background-color: white; color: #1d2129; font-family: Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 14px; white-space: pre-wrap;">
<div class="_1mf _1mj" data-offset-key="f3dii-0-0" style="direction: ltr; font-family: inherit; position: relative;">
<span data-offset-key="f3dii-0-0" style="font-family: inherit;">"Crónica de una muerte anunciada" es la séptima novela de Gabriel García Márquez. Se publicó en 1981 y su éxito ha sido y sigue siendo muy notable. Fue incluida en la lista de las 100 mejores novelas en español del siglo XX del periódico español El Mundo.
</span><span style="font-family: inherit;">Constituye su obra más "realista" pues se basa en un hecho histórico ocurrido en su tierra natal (Colombia). A este respecto dijo Márquez en una entrevista: "No hay ni una sola línea en ninguno de mis libros que no tenga su origen en un hecho real." y en este libro es indudable.
</span><span style="font-family: inherit;">La novela representó un acercamiento entre lo periodístico y lo narrativo, y una aproximación a la novela policíaca. La historia contada se inspira en un suceso real, ocurrido en 1951, del que el autor tomó la acción central (el crimen), los protagonistas, el escenario y las circunstancias, alterándolo narrativamente, pero sin descuidar nunca los datos y las precisiones obligadas en toda crónica periodística.</span></div>
</div>
<div class="" data-block="true" data-editor="2d9rg" data-offset-key="fhlto-0-0" style="background-color: white; color: #1d2129; font-family: Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 14px; white-space: pre-wrap;">
<div class="_1mf _1mj" data-offset-key="fhlto-0-0" style="direction: ltr; font-family: inherit; position: relative;">
<span data-offset-key="fhlto-0-0" style="font-family: inherit;"><br /></span></div>
<div class="_1mf _1mj" data-offset-key="fhlto-0-0" style="direction: ltr; font-family: inherit; position: relative; text-align: center;">
<span data-offset-key="fhlto-0-0" style="font-family: inherit;"><a href="http://aristobulo.psuv.org.ve/wp-content/uploads/2008/10/garcia-marquez-gabriel-cronica-de-una-muerte-anunciada.pdf" target="_blank"><b><i>Descarga Crónica de una muerte anunciada</i></b></a></span></div>
</div>
<div class="" data-block="true" data-editor="2d9rg" data-offset-key="c9grm-0-0" style="background-color: white; color: #1d2129; font-family: Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 14px; white-space: pre-wrap;">
<h3 style="direction: ltr; font-family: inherit; position: relative;">
<span data-offset-key="c9grm-0-0" style="font-family: inherit;"><b>Argumento.</b></span></h3>
</div>
<div class="" data-block="true" data-editor="2d9rg" data-offset-key="1in6q-0-0" style="background-color: white; color: #1d2129; font-family: Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 14px; white-space: pre-wrap;">
<div class="_1mf _1mj" data-offset-key="1in6q-0-0" style="direction: ltr; font-family: inherit; position: relative;">
<span data-offset-key="1in6q-0-0" style="font-family: inherit;">"Crónica de una muerte anunciada" versa sobre la rara historia de amor que existiera entre Bayardo San Román y Ángela Vicario y el pobre Santiago Nasar, cabeza de turco que propuso Ángela ante la inquietante pregunta de sus hermanos, de quién le había pegado. La historia ocurre en un pueblo llamado Manaure.</span></div>
</div>
<div class="" data-block="true" data-editor="2d9rg" data-offset-key="94qn-0-0" style="background-color: white; color: #1d2129; font-family: Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 14px; white-space: pre-wrap;">
<div class="_1mf _1mj" data-offset-key="94qn-0-0" style="direction: ltr; font-family: inherit; position: relative;">
<span data-offset-key="94qn-0-0" style="font-family: inherit;">En un pequeño y aislado pueblo en la costa del Caribe, se casan Bayardo San Román, un hombre rico y recién llegado, y Ángela Vicario. Al celebrar su boda, los recién casados se van a su nueva casa, y allí Bayardo descubre que su esposa no es virgen. Cuando lo descubre, devuelve a Ángela Vicario a la casa de sus padres, donde su madre la muele a golpes, Ángela culpa a Santiago Nasar, un vecino del pueblo.</span></div>
</div>
<div class="" data-block="true" data-editor="2d9rg" data-offset-key="3eb9t-0-0" style="background-color: white; color: #1d2129; font-family: Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 14px; white-space: pre-wrap;">
<div class="_1mf _1mj" data-offset-key="3eb9t-0-0" style="direction: ltr; font-family: inherit; position: relative;">
<span data-offset-key="3eb9t-0-0" style="font-family: inherit;">Los hermanos Vicario –Pedro y Pablo–, obligados por la defensa del honor familiar, anuncian a la mayoría del pueblo que matarían a Santiago Nasar. Nasar no se entera, sino minutos antes de morir. Los hermanos matan a Santiago, después de pensarlo en varias ocasiones, en la puerta de su casa, a la vista de la gente que no hizo o no pudo hacer nada para evitarlo. A los 27 años, el amigo de Santiago (el narrador) reconstruye los hechos de los que él fue testigo.</span></div>
</div>
<div class="" data-block="true" data-editor="2d9rg" data-offset-key="amqb2-0-0" style="background-color: white; color: #1d2129; font-family: Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 14px; white-space: pre-wrap;">
<div class="_1mf _1mj" data-offset-key="amqb2-0-0" style="direction: ltr; font-family: inherit; position: relative;">
<span style="font-family: inherit;">Años después, Ángela Vicario estaría escribiendo cada día a Bayardo, primero formalmente, después con cartas de joven enamorada y, al final, fingiendo enfermedades. Así, Bayardo vuelve 17 años después, claramente desmejorado y con todas las cartas sin abrir.</span></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<a href="http://aristobulo.psuv.org.ve/wp-content/uploads/2008/10/garcia-marquez-gabriel-cronica-de-una-muerte-anunciada.pdf" target="_blank"><span style="font-size: large;"><b>Descargar Crónica de una muerte anunciada.</b></span></a></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-3824589070861366652017-03-15T01:42:00.004-04:002017-03-15T01:42:41.053-04:00La costurera, poema de René del Risco BermúdezSe pasaba los días cosiendo Rafaela<br />
Gómez, en una Singuer de pedal trabajoso:<br />
redondos espejuelos de cristales brumosos<br />
velaban la ternura de sus ojos de abuela.<br />
<br />
Sus dos manos sobre la humilde tela,<br />
como dos mariposas posadas, sin reposo.<br />
gastoranse en luch del laborioso<br />
cuyo paso iba al ritmo de sus graves tijeras.<br />
Un pan difícil, gracias a su honradez sin rasa,<br />
fue todo lo que tuvo bajo la lumbre escasa<br />
en su casa sencilla de crujiente madera.<br />
<br />
Hoy que el tiempo y las noches como el polvo han caído,<br />
para que no se pierda también bajo el olvido<br />
aquí dejo el ejemplo de su nombre de obrera.Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-32854191313389174222017-03-15T01:23:00.001-04:002017-10-26T08:29:31.922-04:00Epitafio para un vecino, poema de René del Risco BermúdezYace en paz, que es suficiente<br />
para quien en tierra estuvo,<br />
este hombre nunca tuvo<br />
más que amor para la gente.<br />
<br />
Vida tan pobre y decente<br />
como la suya, no hubo,<br />
y así, lo poco que tuvo<br />
lo consiguió honradamente.<br />
<br />
Lo recuerdo claramente;<br />
siempre paso puntualmente<br />
hasta el día en que murió.<br />
<br />
Aunque fue una pulmonía<br />
el barrio entero decía<br />
que la miseria lo mató.Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-33516920053258524402017-03-15T01:14:00.002-04:002017-10-26T08:31:06.623-04:00La casa, poema de René del Risco BermúdezLa casa era de humilde madera provinciana,<br />
y en la terraza erguía su verde un limoncillo,<br />
allí quedo tu nombre a punto de cuchillo<br />
bajo las mariposas, la lluvia y las campanas.<br />
<br />
Un pozo abandonado, con su brocal sencillo<br />
a flor de tierra casi, a flor de tus mañanas,<br />
se tragó tus pelotas, tus sueños, tus anillos<br />
y ahogo quizás el rostro de tu niñez lejana.<br />
Bajo la tierra aquella donde tu pie pisaba,<br />
tras de la puerta oscura que tu madre cerraba,<br />
en el grave sonido de la lluvia en el techo.<br />
<br />
Hoy no hallarás, en cambio, nada de lo que esperas.<br />
Todo ha ido muriendo lentamente en tu pecho<br />
y seguirá muriendo, hasta que tú mueras.Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-36741935597441678302017-02-04T11:41:00.003-04:002017-10-26T08:54:12.422-04:00Letras "Lo mio es tuyo" Merengue de Joseito Mateo.<br />
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;">¡Ay!</span></div>
<span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"></span><br />
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;">¡Cariño!</span></div>
<span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;">
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Oye negrita del alma, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
cual es tu apuro, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
si lo que tengo en la vida, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
todito es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Oye negrita del alma, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
cual es tu apuro, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
si lo que tengo en la vida, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
todito es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
En mis jardines de amore </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
yo sembré un capullo </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
y a nadie yo se lo doy, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
porque eso es tuyo. (bIS)</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
TODO LO MIO ES TUYO MAMI</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
¡AY!</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Mira negrita bonita deja ese orgullo, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
si te decides por mi no tendrá apuro.</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Oye negrita querida, deja ese orgullo, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
si te decides por mi no tendrá apuro.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Tu eres la flor más bonita,</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
de todo el mundo,</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
entonces negra querida</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
cual es tu apuro.</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Si eres la rosa màs linda </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
de todo el mundo, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
entonces negra querida </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
cual es tu apuro.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
!Ay va! Lo desorbitao' </div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
¡Ajua!</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="color: #333333; font-family: Roboto, arial, sans-serif; font-size: 13px; text-align: center; white-space: pre-wrap;">
Lo tuyo es mio,
lo mio es tuyo, </div>
<div style="color: #333333; font-family: Roboto, arial, sans-serif; font-size: 13px; text-align: center; white-space: pre-wrap;">
lo mio es tuyo.
lo tuyo es mio, </div>
<div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Oye negrita del alma </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
cual es tu orgullo, mami.</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Y lo que tengo en la vida </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
todito es tuyo, tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Uee En mi jardines de amores </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
yo tengo para ti un capullo.</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Mira negrita bonita </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
deja ese orgullo conmigo.</div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Lo tuyo es mio, </div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo.</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
VEN BAILA CONMIGO UN MERENGUE</div>
</span><span style="background-color: white;"><div style="text-align: center;">
<span style="color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><br /></span></div>
</span><span style="background-color: white; color: #333333; font-family: "roboto" , "arial" , sans-serif; font-size: 13px; white-space: pre-wrap;"><div style="text-align: center;">
Lo tuyo es mio,
lo mio es tuyo, </div>
<div style="text-align: center;">
lo mio es tuyo.</div>
<div style="text-align: center;">
lo tuyo es mio, </div>
</span>Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-24804288598645328702017-02-04T10:50:00.000-04:002017-02-04T10:59:06.907-04:00Letras "Cuando yo me muera" Merengue de Joseito Mateo.<div style="text-align: center;">
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/RPTGedyeE6s/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/RPTGedyeE6s?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cuando yo me muera, </div>
<div style="text-align: center;">
oiga compañero, </div>
<div style="text-align: center;">
lo que yo me llevo, </div>
<div style="text-align: center;">
es lo que me bebo.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cuando yo me muera, </div>
<div style="text-align: center;">
no me prendan vela,</div>
<div style="text-align: center;">
¡ay! que las mujeres bailen </div>
<div style="text-align: center;">
y que los hombres beban.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cuando yo me muera, </div>
<div style="text-align: center;">
no quiero bata pola, </div>
<div style="text-align: center;">
lo que me vayan a dar, </div>
<div style="text-align: center;">
que me lo den ahora.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cuando yo me muera, </div>
<div style="text-align: center;">
no se pongan luto, </div>
<div style="text-align: center;">
lo que queden vivo, </div>
<div style="text-align: center;">
se den mucho guto'.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cuando yo me muera, </div>
<div style="text-align: center;">
oiga compañero, </div>
<div style="text-align: center;">
lo que yo me llevo, </div>
<div style="text-align: center;">
es lo que me bebo.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cuando yo me muera, </div>
<div style="text-align: center;">
no me prendan vela,</div>
<div style="text-align: center;">
¡ay! que las mujeres bailen </div>
<div style="text-align: center;">
y que los hombres beban.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cuando yo me muera, </div>
<div style="text-align: center;">
no quiero bata pola, </div>
<div style="text-align: center;">
lo que me vayan a dar, </div>
<div style="text-align: center;">
que me lo den ahora.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
*Wea*</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
Cuando yo me muera, </div>
<div style="text-align: center;">
Oiga compañero, </div>
<div style="text-align: center;">
lo que yo me llevo, </div>
<div style="text-align: center;">
es lo que me bebo.</div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-83995495946138039352016-12-02T10:50:00.001-04:002016-12-02T10:50:13.185-04:00Entremès de Cristobal de Llerena<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="background: white; border-collapse: collapse; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 600px;">
<tbody>
<tr>
<td colspan="4" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<b><i>(Encuéntranse en
una plaza </i></b><b><i>CORDELLATE, de pescador, y el GRACIOSO, a un lado; al otro, los ALCALDES 1 y 2, DELIO NADADOR, CLARGIO CALCAS, EDIPO y CARPATIO PROTEO.)</i><o:p></o:p></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<b><br /></b></div>
</td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="0"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="1"></a><b>GRACIOSO: </b>¿Qué es esto, Cordellate?;
¿cómo venís tan trocado?; ¿qué súbita mudanza es ésta?; ¿tan fácilmente
mudáis la profesión? ¿ayer melena y hoy chinchorro?; ¿qué jerigonza es ésta?<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="2"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="3"></a><b>BOBO: </b>No sé; preguntadlo al maese
del argadijo, que me ha medido este hocico a pulgares, diciéndome: «¡No más
bobo, no más bobo; caña de pescar y anzuelo, pesia tal!». Y ansí, por miedo
de la pena, salgo cual veis a echar un lance.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="4"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="5"></a><b>GRACIOSO: </b>No me parece mal; echá para
todos, quizá por ahí soldaremos la borrumbada.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="6"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="7"></a><b>BOBO: </b>No pica, juro a Dios, no
quiere picar.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="8"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="9"></a><b>GRACIOSO: </b>Pues si no pica, no vale
nada la salsa. Creéme, vos y yo; sal, estudio, y veréis cuán bien pica allá.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="10"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="11"></a><b>BOBO: </b>Así lo pretendo
hacer, aunque agora está cerrada la pesquería hasta Sant Lucas, que son las
aguas.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="12"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="13"></a><b>GRACIOSO: </b>Pues ¿qué
pretendéis hacer en el entretanto?<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="14"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="15"></a><b>BOBO: </b>Llegarme a
Hayna, que no faltará lance.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="16"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="17"></a><b>GRACIOSO: </b>Otra pesquería
de más provecho os revelaría yo, si me tuviésedes secreto.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="18"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="19"></a><b>BOBO: </b>¿Y es?<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="20"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="21"></a><b>GRACIOSO: </b>Que llevéis un
talegón de estos cuartos para trocar tostones, que se venden allá a cuatro
reales conforme a la Cédula, y acá valen a ocho. ¿Qué mejor pesquería
queréis?<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="22"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="23"></a><b>BOBO: </b>Bien decís; así
lo haré.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="24"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="25"></a><b>GRACIOSO: </b>Sabéis que he
notado que en todo venís diferenciado, no sólo en la profesión, mas también
en disposición corporal: ¿qué se hizo la barriga y el preñado?<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="26"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="27"></a><b>BOBO: </b>¿Qué se hizo?
Parióse.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="28"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="29"></a><b>GRACIOSO: </b>Y ¿qué
paristeis?, ¿algún monstruo?, porque de tal tronco no se espera otra cosa.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="30"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="31"></a><b>BOBO: </b>Sí, mostro debió
de ser; yo os prometo que es de tal manera el parido que ha llamado la
justicia los zahoríes del lugar para que digan lo que es, que no hay quien lo
conozca. Veislo aquí. <b>(Lo sacan a la plaza.) </b><i>Vade retro</i>, mal
engendro, que aunque te parí no te puedo ver.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="32"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="33"></a><b>ALCALDE 1: </b>Sacad ese
pantasma fuera, señores aríolos, que cierto es cosa espantosa.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="34"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="35"></a><b>ALCALDE 2:</b> Señor alcalde,
este mostruo ha nacido en tiempo y coyuntura de mucha consideración; porque
tenemos mucha sospecha de enemigos, y hanse visto no sé qué faroles y fuegos,
y en semejantes tiempos permite Dios estos portentos y prodigios para aviso
de los hombres, y pues están aquí los aríolos, inquiramos lo que pronostica
este mostruo.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="36"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="37"></a><b>ALCALDE 1: </b>Paréceme buen
consejo ése. Ea, señor Delio Nadador, y vos, Carpatio Proteo, estos señores
os suplican que toméis esta provincia sobre vuestros hombros, y por el
conocimiento de vuestra arte nos prevengáis lo que debemos hacer.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="38"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="39"></a><b>DELIO: </b>Tome la mano
primero, pues está presente, Clargio Calcas, cuya destreza tiene en el orbe
todo fama, y visto su agüero, daremos los dos nuestro parecer después.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="40"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="41"></a><b>CALCAS.-</b> Yo do la mano
en eso a Edipo, intérprete famoso de monstruos; él diga lo que le parece
primeramente.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="42"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 100%px;">
<tbody>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm; width: 21.0%;" valign="top" width="21%">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto;">
<b>EDIPO: </b><o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm; width: 79.0%;" width="79%">
<div align="center">
<table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; mso-padding-alt: 0cm 0cm 0cm 0cm; mso-yfti-tbllook: 1184; width: 100%px;">
<tbody>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="43"></a></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="44"></a>No quiero
andar en comedimientos, sino hacer lo que se manda, que yo desaté el
animal de la esfinge diciendo ser símbolo del hombre, y éste digo que es
símbolo evidente de la mujer y sus propiedades; para lo cual es menester
considerar que este monstruo tiene el rostro redondo de hembra, el
pescuezo de caballo, el cuerpo de pluma, la cola de peje; la propiedad de
los cuales animales se encierra en la mujer, como lo declara este
tetrástico, que servirá de interpretación:<o:p></o:p></div>
</td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td nowrap="" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
Es la mejor mujer instable bola.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td nowrap="" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
La más discreta es
bestia torpe insana;<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td nowrap="" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
aquélla que es más
grave, es más liviana,<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td nowrap="" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm;">
y al fin toda mujer nace
con cola.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"></td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; mso-margin-bottom-alt: auto; mso-margin-top-alt: auto;">
<br clear="all" />
<o:p></o:p></div>
</td>
</tr>
</tbody></table>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="45"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="46"></a><b>DELIO: </b>No consiento
tanto vituperio en las mujeres, ni que se tuerza la hermana interpretación de
este monstruo a las calidades falsas que dice Edipo de ellas.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="47"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="48"></a><b>EDIPO: </b>Pues decí vos lo
que entendéis, que yo no alcanzo otra cosa.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="49"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="50"></a><b>DELIO: </b>Estas cuatro
formas comprendidas en un cuerpo son símbolo de cuatro elementos en una
naturaleza encerrados; porque el pece simboliza el agua; la pluma, el aire;
la bestia, la tierra; la mujer, el fuego; y en comprobación de esto dijo
Ovidio: las aguas habitan los peces; las aves, el aire; las bestias, la
tierra, y la mujer llamó Terencio fuego cuando dijo a Fedria: Llégate a ese
fuego y no sólo te calentarás, mas te quemarás.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="51"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="52"></a><b>PROTEO: </b>No admito tan
simples y peregrinas interpretaciones, que, pues este monstruo nació en esta
ciudad, no hay que divertir a otra cosa su significación, sino a cosas de
ella, y así entiendo que se debe entender por esta figura nuestra república,
la cual la hacen monstruosa cuatro cosas: primeramente, mujeres
descompuestas, cuyas galas, apetitos y licencias van fuera de todo orden
natural; y la otra, caballos de cabeza.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="53"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="54"></a><b>DELIO: </b>¿Qué entendéis
[por] caballos de cabeza?<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="55"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="56"></a><b>PROTEO: </b>Como hay toros
de cabeza, hay también caballos de cabeza y caballos de ingle; de estos
postreros no se trata agora; sólo digo caballo de cabeza, porque a este
monstruo le nace de la cabeza el caballo. La tercera cosa es plumas de
escribanos, letrados y teólogos.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="57"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="58"></a><b>ALCALDE 1: </b>Declaraos en
eso, Proteo, que estoy sentido algún tanto.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="59"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="60"></a><b>PROTEO: </b>¿Qué me miráis
de puntería? Este negocio basta se sienta, no se diga.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="61"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="62"></a><b>ALCALDE 1: </b>¿Qué significa
el pescado?<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="63"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="64"></a><b>PROTEO: </b>Maestres y
capitanes de naos, cuya disolución en fletes y cargas son más que
monstruosas, pues habéis de responder a lo que os piden o perder la hacienda.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="65"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="66"></a><b>ALCALDE 2:</b> Eche agora el
sello y remate el doctísimo Calcas, porque se acabe esta inquisición de todo
punto.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="67"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="68"></a><b>CALCAS.-</b> Yo siempre he
sido consultado en contingentes bélicos; y siempre han tenido mis presagios
sucesos correspondientes a mis agüeros. Considerando el nacimiento de este
monstruo alcé la figura y socorrióme en el ascendente de Marte el signo de
Piscis; por lo cual pronostico guerra y navíos, y por las figuras del
monstruo, las prevenciones que debemos tener, porque mujer, caballo y plumas
y pece quiere decir que las mujeres se pongan en cobro y se aparejen los
caballos para huir, y alas para volar, y naos para navegar, que podrá todo
ser menester.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="69"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="70"></a><b>ALCALDE 1: </b>A nada deso
tenemos miedo, buen caballero; nos tenemos en el río galeras bien reforzadas
de gente y municiones, un cubo de matadero que vale su peso de plata; caminos
cerrados que no los abrirá un botón de cirujano; deso bien podemos dormir a
sueño suelto.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="71"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="72"></a><b>ALCALDE 2:</b> Con todo eso,
me parece que reparemos bien en este monstruo.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="73"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="74"></a><b>ALCALDE 1: </b>¿Qué hay que
reparar en un parto de un simple?<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="75"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="76"></a><b>ALCALDE 2:</b> Muchas veces
simples y borrachos paren cosas dignas de consideración, y si a vuesa merced
le parece, entremos en cabildo y hagamos un acuerdo de todo lo dicho, de
suerte que resulte algo de utilidad común.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
<tr>
<td colspan="5" style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;"><a href="https://www.blogger.com/null" name="77"></a></td>
</tr>
<tr>
<td style="padding: 0cm 0cm 0cm 0cm;">
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-indent: 22.5pt;">
<a href="https://www.blogger.com/null" name="78"></a><b>ALCALDE 1: </b>No se acuerde
agora vuesa merced de comunidades, que es cosa prolija: éntrense, señores
aríolos, que a el otro cabildo se verá y acordará bien sobre este negocio.<o:p></o:p></div>
</td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
<td style="padding: .75pt .75pt .75pt .75pt;"></td>
</tr>
</tbody></table>
</div>
<br />
<div class="MsoNormal" style="line-height: normal;">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-45774958368877125872016-12-01T10:57:00.003-04:002016-12-01T10:57:41.985-04:00Aire Durando - Poema de Manuel del Cabral<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<b>AIRE DURANDO<o:p></o:p></b></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<br />
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
¿Quién ha matado
este hombre<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
que su voz no está
enterrada?</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
Hay muertos que
van subiendo<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
cuanto más su
ataúd baja...</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
Este sudor ...
¿Por quién muere?<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
¿Por qué cosa
muere un pobre?<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
¿Quién ha matado
estas manos?<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
¡No cabe en la
muerte un hombre!<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
Hay muertos que
van subiendo<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
Cuanto más su
ataúd baja...<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
¿Quién acostó su
estatura<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
que su voz está
parada?<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
Hay muertos como
raíces<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
que hundidas...
dan fruto al ala.<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
¿Quién ha matado
estas manos,<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
este sudor, esta
cara?</div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
Hay muertos que
van subiendo<o:p></o:p></div>
<div align="center" class="MsoNormal" style="background: white; line-height: normal; margin-bottom: .0001pt; margin-bottom: 0cm; text-align: center;">
cuanto más su
ataúd baja...<o:p></o:p></div>
<br />
<div align="center" class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: center;">
<br /></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1176744187965406413.post-738552353895734142016-12-01T10:55:00.000-04:002016-12-01T10:55:49.675-04:00A quién viene a ver usted - Poema de Manuel del Cabral<div align="center" class="MsoNormal" style="text-align: center;">
<b><span style="background: rgb(255, 255, 254);">¿A quién viene a ver usted?</span><br style="text-align: -webkit-left;" /><i>Manuel del Cabral.</i></b><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Hoy está el pueblo
en mi cuerpo.</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¿A quién viene a
ver usted?</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Usted no ve que
esta herida</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">es corno un ojo de
juez...</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Usted que se trae
los grillos,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¿a quién viene a
ver usted,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">que anda más con el
instinto</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">que con los pies?</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Usted que trae el
olfato,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">pero con luz viene
a oler;</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">meta la conciencia
aquí...</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">y no la deje en la
piel.</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Usted que se trae
la bala,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">viene a saber por
qué fue...</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Si hay un rico en
este lío,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¿a qué viene? ¿Para
qué?</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Aquí só1o hay una
boca,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">hay una voz, una
sed.</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Un trozo de grito
sangra.</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¡Lo cortaron como
res!</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Usted que se trae
las llaves,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¿a quién viene a
ver usted?</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Vea estas manos
callosas,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">ropa rota y sin
zapatos</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">unos pies.</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Usted que se trae
las manos</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">pesadas como
pared...</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¿no ve el hambre?</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¿no la ve?</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Tápenle el grito a
este hombre;</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">y aunque es más la
voz que el pie,</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">pónganle grillos,
que sólo</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">el pobre cabe en la
ley...</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¿No ve que la
sangre huye</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">y no se sabe por
qué ...?</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">Pero yo sé que hay
aquí</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">quien se la quiere
beber ...</span></span><br style="text-align: -webkit-left;" />
<br style="text-align: -webkit-left;" />
<span style="background: #FFFFFE;"><span style="text-align: -webkit-left;">¿A quién viene a
ver usted?</span></span><o:p></o:p></div>
Ann Mercedeshttp://www.blogger.com/profile/07160555818885828095noreply@blogger.com0